18 visu laiku labākās eksistenciālās filmas

“Eksistenciālisms” ir termins, ko izdomāja 19. un 20. gadsimta beigu Eiropas filozofi, kuri uzskatīja, ka filozofiskā domāšana sākas ar cilvēku subjektu - ne tikai ar domājošo subjektu, bet arī ar darbojošos, sajūtošo, dzīvojošo cilvēka indivīdu. Kā viņi saka, cilvēki meklē, lai uzzinātu, kas un kādi viņi ir visas dzīves laikā, kad viņi izvēlas, pamatojoties uz savu pieredzi, uzskatiem un skatījumu. Jā, es zinu, ka tas ir sarežģīti. Bet vienkārši sakot, “eksistenciālisms” ir filozofija, kas saistīta ar sevis un dzīves jēgas atrašanu, izmantojot brīvu gribu, izvēli un personisku atbildību.

Zemāk ir saraksts ar topošajām eksistenciālajām filmām, ar kuru starpniecību to veidotāji ir mēģinājuši saprast, ko nozīmē šī pasaule. Cik lielā mērā mūsu pieredze veido mūsu pārliecību? Un vai dzīve ir patiešām bezjēdzīga? Šie ir daži no daudzajiem jautājumiem, kurus uzdod šīs filmas. Kura no šīm labākajām apgaismības filmām ir jūsu iecienītākā. Starp citu, dažas no šīm labākajām eksistenciālām filmām varat straumēt Netflix, Hulu vai Amazon Prime.

18. Putncilvēks (2014)

Pārplīsis un saraustīts ar neapstrādātu enerģiju, ‘Birdman’ spēlējas ar filmu veidošanas mākslu, kā jūs to pazīstat, un piešķir tai jaunu dimensiju. Tas pārsteidz, izaicina un apžilbina; dažreiz visi vienlaikus. Tas ir bezgaumīgs, uzmundrinošs un pārdzīvojums, kuru jūs, visticamāk, nekad nebūtu piedzīvojis kinoteātros. Kaustisks un tumši smieklīgs skatījums uz tūlītējas slavas kultūru un slavenību šajā Facebook un Twitter laikmetā, tas ņirgājas par tiem, kas ir sava tēla ieslodzītie. Galu galā tā ir filma par aktieri, kurš pārdzīvo eksistenciālu krīzi.

17. Synecdoche, Ņujorka (2007)

Filma ‘Synecdoche, New York’ ir grūti skatāma filma un pat vēdera izeja. Tas nav kaut kas, kas ir jāsaprot; šādas filmas ir jāievēro, jājūt un jāpārdomā. Intensīvi cerebrāls, bieži vien šokējošs ‘Synecdoche, New York’ neuzrunātu visus; tie ir svētki visam, uz ko mākslinieks tiecas būt, un tomēr galu galā tā ir traģēdija, parādot māksliniecisko ambīciju otrās puses, kur reālais satiekas ar nereālo, nogremdējot māksliniecisko prātu nenoteiktības un depresijas tumšajā dziļumā.

16. Persona (1966)

Filmu, piemēram, ‘Persona’, ir grūti pievienot jebkuros žanru sarakstos, jo filmā apskatīto tēmu dziļums un neskaidrības ir lielas. ‘Persona’ ir filma, kas ir atvērta daudzām interpretācijām un kuru joprojām kritiķi, zinātnieki un sinefili plaši apspriež, apspriež un analizē visā pasaulē. Filma stāsta par divām sievietēm, medmāsu un viņas kluso pacientu, un viņu dīvaino personību biedējošo saikni. Filma pēta cilvēka identitāti, izplūdina un satricina mūsu sapņu un realitātes uztveri un iegrimst cilvēka sarežģītās psihes un to aptverošo dīvaino fantāziju dziļākajos un tumšākajos aspektos. ‘Persona’ ir dziļi intīma un personiska pieredze, un tas ir tīrs kino dzejas gabals.

15. Taksometra vadītājs (1976)

‘Taksometra šoferis’ stāsta par Vjetnamas veterānu, kuru emocionāli sagrauj vientulība un posts. Filma “Taksometra šoferis”, kuru varonis ir ļoti raksturīgs, piedāvā pārsteidzošu Roberta De Niro aktiera varoņdarbu, kas attēlo vīrieša nolaišanos trakumā, kad mēs redzam, kā viņu velk cilvēka tumsas ekstremitātes. Varbūt Treviss Bikls kādreiz bija jauks, burvīgs puisis, un tieši karš lika viņam justies svešam pasaulei, kas kādreiz bija viņa mājas. Viņa nespēja un izmisums nonākt saskarē ar cilvēkiem un mūžīgā cīņa par iekļaušanos dīvainā, freakish pasaulē, kurā valda slepkavības un pārkāpumi, ir dziļi satraucošs tumšs cilvēka dvēseles portrets.

14. Pavasaris, vasara, rudens, ziema… un pavasaris (2003)

Par labāko Dienvidkorejas autora Kima Ki-duka staļļu darbu “Pavasaris, vasara, kritums, ziema ... un pavasaris” tiek uzskatīts stāsts, kas stāsta par budistu mūka dzīvi, kad viņš iet cauri dažādiem posmiem. dzīve. Filmu var uzskatīt par metaforu cilvēka mūžīgai nepārtrauktībai un cikliskumam. Pa ceļam tajā tiek pētītas arī mīlestības, upurēšanas, uzticības, noslēgtības un uzticības tēmas. Filma, kas pazīstama ar ļoti maz dialogu, pēc būtības ir ļoti apcerīga un aizved skatītājus mierīgā ceļojumā.

13. Septītais kontinents (1989)

Nosaukt Maikla Hanekes ‘Septīto kontinentu’ par šausmu filmu man tas izklausās ļoti nepareizi, taču tieši tā to atsaucas lielākā daļa cilvēku, kuri to ir redzējuši. Ar viņiem ir grūti strīdēties, jo šīs filmas skatīšanās liek justies bezcerīgai, nomāktai un nobijies. Šis 1989. gada klasiķis, kas ir saistīts ar ģimeni, kas ienīst pasauli un dzīvi kopumā, ieņem aukstu un tālu nostāju, lai vēl vairāk izolētu trīs spēlētājus no pārējās sabiedrības, kas lēnām, bet noteikti liek auditorijai dziļi justies par viņiem kā par savu eksistence notiek tumšā pagriezienā. Būdama viena no satraucošākajām filmām, kas jebkad ir apveltīta ar sudraba ekrānu, Hanekes debijas skaņdarbs ņirgājas par skatītāju un nekad neatlaiž. Ja auditorija to sauc par šausmu filmu, tad viņi to dara, atsaucoties uz biedējošu filmu, kas nav līdzīga nevienai citai. Pārklāts neskaidrībā un reālismā, Septītais kontinents ir personiska, intīma un šausminoša patiesa stāsta atstāstīšana, kas tevi atstāj klusumā, jo vismaz pāris minūtes pēc tā beigām tu vairs nespēj izrunāt nevienu vārdu.

12. Bišu stropa gars (1973)

Spāņu meistars Viktors Ēriss pirms aiziešanas uzņēma tikai trīs mākslas filmas. Vēl šodien dzīvās tās filmas, piemēram, El Sur, cidonija ‘Saules koks’ un jo īpaši bišu stropa debija, viņa nenosakāmā debija, liek mums visiem vēlēties, lai viņš joprojām filmētu. Parabiliska pasaka par diviem bērniem, no kuriem viens ar nevainīgu, bieži vien mulsinošu valdzinājumu pēta viņa eksistenci, bet otrs ir apsēsts ar filmu “Frankenšteins”, kas spēlēta viņu vietējā teātrī. Tās mistificējošais Spānijas centrālās daļas portrets tiek atstāts pievilcīgā neskaidrībā ar Erices raksturīgi neitrālo virzienu - reti tiekoties pēc kinematogrāfiskas metodes, atbalstot kluso novērošanu. Rezultātā radītais darbs ir mulsinošs, aizraujošs un atstās jūs domāt par pašas dzīves patieso mīkla: tās neatbildamajiem jautājumiem, tās lielajiem noslēpumiem un to mulsinošo neuzmanību. Lai atstātu jūs pilnīgi sagrautu vai nesalīdzināmi aizkustinātu, nav šaubu, ka abiem galējiem ‘Stropa garam’ būs svarīga pieredze.

11. Sātana tango (1994)

Es pirmo reizi to redzot, mani hipnotizēja Bēlas Tarras izplestais, izcilais šedevrs. Tās pragmatiskā reālās pasaules izjūta un pacietība ir tās raksturīgās īpašības. Tas vairāk novēro, nekā atspoguļo un pārdomā, nekā sniedz glīti veidotus apgalvojumus. Tās mītiskais, drūmais reālisms ir pārāk labs, lai būtu patiess, un pārāk brutāls, lai to realizētu ar tādu skaistuma skatienu. Viss, ko es vēlējos darīt līdz beigām, bija aizvērt visus logus un ietīties tumsā, jo filma man bija bijusi kā tas trakais baznīcā, un tās vaimanāšanai bija pārāk liela jēga. Man ir prieks ziņot, ka ‘Sátántangó’ sātīgās sociālās un politiskās pārdomas man ir sākušas likt sevi saprast, jo es pie tā esmu atgriezies atkārtoti.

10. La Dolce Vita (1960)

Fellīni piesardzīgi, pacietīgi un poētiski mīkstinātais virtuozs ir pilnībā redzams viņa Zelta palmas d’Or uzvarētājā, kurš savā dvēseliskajā un ēnainajā glamūrā iemūžina dzīvesveidu, kas šķiet pārāk nenotverams un dažos veidos pārāk reāls. Tās temps uzsver galvenā varoņa bezmērķīguma izjūtu un liek mums peldēties simpātiskā dzīves spilgtuma un tā īslaicīgā izkārtojumā. Šo varoni atveido karjeras labākais Marčello Mastroianni, kurš izmanto šo laika dāvanu, lai piepildītu acis ar neatvairāmu pasaules nogurumu. Apšaubot dažu “La Dolce Vita” sadaļu nozīmi, kuras, šķiet, nav filozofiski svarīgas vai atstāstītas, nozīmē noraidīt iespēju ļaut pikantajām detaļām nomazgāties un pēc tam pārdomāt sekas. Kad Nino Rota debesu partitūra mūs aizved galvu reibinošajā Romas pasaulē, kā redzams caur Fellīni iluzorajām acīm, jūs redzat tikai to, ko viņš vēlas, lai jūs redzētu, un tas ātri kļūst arī tas, ko vēlaties redzēt arī jūs.

9. 8 1/2 (1963)

Izmantojot Marcello Mastroianni ēnotās gravitas, Fellini milzīgā elektrība var būt milzīga. Jūs turaties pie sava konkrētā mirkļa uztveres un atpazīstat tā tveicīgo bagātību, tikai atklājot, ka filmas veidotājs ir pārcēlies uz citu plandošu, patīkami noskaņotu secību. Viņa idejas par māksliniekiem un viņu mulsinošo, smieklīgo apsēstību ar sevi var šķist novecojušas - vai vēl sliktāk - nav nozīmes, taču viņu uzbūves un izteiksmes nekaunība mums nekad netiek zaudēta. Tas mūs apbur un pievilina, nekad neļaujot mums atraut acis un pēc tam izslīdam caur pirkstiem, kad mums uzaus, ka mums tas nekad nav bijis pa rokai. Fellīni daudz neatšķiras no filmas gaišreģes Mejas, kura, šķiet, zina, ko visi domā: prasmi, ko viņas asistente piedēvē telepātijai. Kad mūsu varonis Gvido iztaujā asistentu par to, kā viņa to dara, viņš skaidri atzīmē: “Daļēji tas ir triks un daļēji reāls. Es nezinu, bet tas notiek. ' Neviens vārds nevarētu būt piemērotāks filmas aprakstam.

8. Septītais zīmogs (1957)

Jau no pirmajiem Bergmana ikoniskā dokumenta par ticību, bailēm un apmierinātību attēliem ir uzburta burvestība. Stingrais, graudainais skatiens uz jūru, piekrasti un uz tās drosmīgs bruņinieks un viņa liktenīgā sastapšanās ar nāves personifikāciju nosaka filmas skaidrību par objektīvu, pat ja tas atstāj iespēju vilinošai, gandrīz šausminošai neskaidrībai pastāvīgi būt klāt. Izmantojot nesalīdzināmā Maksa fon Sidova magnētisko sniegumu un dalībnieku grupu, kas Bergmana pārsteidzošo materiālu, kas balstīts uz viņa lugu “Koka glezniecība”, paaugstina negaidītos līmeņos, “Septītais zīmogs” tā niecīgajās 90 minūtēs ietekmē: paaudžu paaudzēs nodota veca teika, kas iztēli dzen daudz plašāk, nekā tā pati var cerēt saturēt. Gunara Fišera dzirkstošā, kraukšķīgā melnbaltā krāsa nodrošina, ka mokošā intensitāte rāpjas zem mūsu ādas. Plūsmai līdzīgā plūstamība ir rezultāts stāstam, kas izvērsts ar cildenu pārliecību un taustāmu vienmērīgu galvu. Tas var būt pilnīgi vienkāršs stāsts, ka tomēr tā krūtīs ir vērtīgas idejas, taču tas ir šūts ar tik sarežģītu un drosmīgu audumu, ka nevarat to atkal un atkal apskatīt, lai tas pārtaptu ilgstošā atmiņā.

7. Stalkers (1979)

Saglabājot mazākos pēcnācējus, kuru vidū ir ļoti veiksmīgs televīzijas seriāls “Westworld”, nevar pārspīlēt “Stalker” kolosālo ietekmi uz vizuālo stāstījumu. Idejas - filozofiskas, garīgas un zinātniskas -, kā arī to veiklās, krāšņās kinematogrāfiskās izpētes filmas “Stalker” laikā ir radījušas iespaidus par daudzām zinātniskām fantastikām. Tas nav tik daudz kā planēšana, transu izraisošs un dažos gadījumos abstrakts temps vai dvēseli rosinoša monohromatiskās sēpijas izmantošana ārpus “zonas” un Igaunijas vietu nospiedumu krāsas, kas atspoguļotas tādu filmu veidotāju darbos kā Terenss Maliks un Lavs Diazs, nosaucot dažus, bet ilgstošo pacietību un pazemību. Pārsvarā nododot auditorijai filozofisko valdību, Tarkovskis atstāj skatītājiem tik daudz vietas, lai viņi paši varētu atklāt vairākas filmas metafiziskās šķautnes, ka pat tās nepārspējamā burtiskā un vizuālā dzeja šķiet tikpat mūsu izdomājuma kā viņa paša izdomājums. un viņa līdzstrādnieki ”.

6. Apokalipse tagad (1979)

Kara filma varētu izrādīties maz ticama izvēle. Bet, kā jau teicu, lieliskas filmas atdalās no viņu žanru šķēršļiem. ‘Apocalypse Now’ tiek plaši uzskatīta par visu laiku lielāko kara filmu. Bet būtībā tā ir filma, kas pēta arī eksistenciālismu. Kapteiņa Vilarda ceļojums uz neskaidru ciematu Kambodžā, lai nogalinātu mīklainu renegātu armijas virsnieku, kalpo kā vizuāla metafora cilvēka zarnu izķeršanai ar eksistenci. ‘Apocalypse Now’ ir par Vilarda atbildes meklējumiem. Kopā ar viņu viņa ceļojumā mēs apšaubām liekulības un megalomanijas nomaskētas civilizētas sabiedrības radīto morāli. Viņa dīvainā, noslēpumainā aizraušanās ar pulkvedi Kurtu beidzas ar kara ekstremitāšu atklāšanu, kas cilvēku var padarīt par necivilizētu zvēru.

5. 400 sitieni (1959)

Fransuā Truffaut ‘400 sitieni’ ir patiess mākslas darbs, kas izriet no patiesām sāpēm. Patiesi sirsnīgs un dziļi personisks darbs Truffaut veltīja filmu savam garīgajam tēvam un starptautiski atzītam kino teorētiķim Andrē Bazinam. Atšķirīgi autobiogrāfiskā rakstura paša Truffaut bērnība bija satraukta, un tas ir ļoti skaidri atspoguļots filmā. No ārpuses filma ir par nepilngadīgo un pusaudžu likumpārkāpumiem, kurus bieži veicina sabiedrības un vecāku nolaidība. Ieskaties nedaudz dziļāk, un jūs atradīsit filmu par cerību; cerība, kas ir gan intensīva, gan terapeitiska. Galvenais varonis Antuāns Doinels zināmā mērā ir pati sabiedrības pārstāvība, sabiedrība, kas savas neveiksmes slēpj aiz noteikumiem, sodiem un spriedumiem. Filma plūst kā upe un ved skatītājus cerības, izmisuma, iejūtības un pat milzīgu dusmu ceļojumā. Ja kādreiz esat vēlējies redzēt, kā izskatās šedevrs, skatieties tālāk kā ‘The 400 Blows’.

4. Tokijas stāsts (1953)

‘Tokijas stāsts’ ir tas, uz ko tiecas katrs filmas veidotājs, kurš vēlas pateikt jēgpilnu stāstu. Skaidrs, ka visi no tiem nepietiek! Nav labāka filmas piemēra, kas episko stāstu padara tik vienkāršu, bet meistarīgu, efektīvu un neaizmirstamu. Ar ‘Tokyo Story’ Yasujiro Ozu sasniedza kaut ko tādu, kas ir katra dzīvā kino režisora ​​sapnis: mūžīgi dzīvot skatītāju sirdī un prātā. Ikviens, kurš ir redzējis ‘Tokyo Story’, zinās, par ko es runāju. Filma stāsta par novecojošu, tradicionālu japāņu pāri, kas apciemo savus bērnus Tokijā tikai tāpēc, lai saprastu, ka viņu bērni ir pārāk aizņemti ar savu dzīvi, lai par viņiem rūpētos, un ir kulturāli un emocionāli ļoti attālinājušies no viņiem . Filmā ir arī tik lieliski, ka tā ir universāla tēma, ar kuru var atsaukties ikviens un jebkur. Ozu filmas veidošanas stils nodrošina arī to, ka jūs esat iedziļinājies pasakā, kas piedāvā dziļu ieskatu mainīgajā cilvēka psihē mainīgajos laikos. Vienkārši izcili!

2. 2001: Kosmosa odiseja (1968)

Filmas “2001: Kosmosa odiseja” ģēnijs slēpjas faktā, ka garīgais ceļojums, kuru tas mums ved, neatbalsta teismu, agnostiķi vai kaut ko citu - auditorijai ir pilnībā atkarīgs no tā, kā viņi vēlas interpretēt filma. Tas svārstās no teista pārliecības par vienmēr tik laipna, mīloša Dieva esamību, līdz agnostikas cinismam līdz nomācošai dzīves bezjēdzībai, ko varētu izvēlēties nihilists. Neskatoties uz to, Kubriks vismaz nosaka, cik nenozīmīgi mēs esam un cik mazi ir mūsu tā dēvētie tehnoloģiskie sasniegumi! Mums ir gaismas gadi, lai ietu uz priekšu, pirms mēs saņemam atbildes uz kādu no eksistenciālajiem jautājumiem, kas rodas mūsu prātā.

3. Dzīvības koks (2011)

Terenss Maliks nekad neapšauba Dieva esamību ‘Dzīves kokā’. Tomēr viņa patiesā izbrīna izjūta nerodas no tā; drīzāk viņš priecājas par burvību, kāda ir pati dzīve. Laikmetā, kad Dievs ir kļuvis par līdzekli, lai pierādītu pārākumu, un par attaisnojumu kaitēt un pat nogalināt, ‘Dzīvības koks’ piedāvā skaistu, tomēr saprātīgu veidu, kā uzlūkot Dievu. Galu galā ‘Dzīvības koks’ ir kinematogrāfisks dzejolis ar ārkārtēju vērienu un vērienu. Tas ne tikai lūdz auditoriju novērot, bet arī pārdomāt un sajust. Vienkāršāk sakot, ‘Dzīvības koks’ ir stāsts par sevis atrašanas ceļojumu. Sarežģītākajā gadījumā tā ir meditācija par cilvēka dzīvi un mūsu vietu lielajā lietu shēmā. Galu galā ‘Dzīvības koks’ var mainīt jūsu skatījumu uz dzīvi - tas mani mainīja.

2. Žanna Dielmane, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brisele (1975)

Šī franču avangarda iezīme, kuras galvenā varone ir Delfīna Seiriga, nav tikai kino pieredze. Tas ir tuvāk vingrinājumam - testam un ietekmē tevi tādā veidā, kādu pirms vai pēc tam ir izdarījušas dažas citas filmas. Neatkarīgais darbs koncentrējas uz trim dienām vientuļa, satraukta mājražotāja dzīvē, jo viņa pārdzīvo savu stingro grafiku, kas piepildīts ar ikdienišķiem mājsaimniecības darbiem. Viņa ir māte un atraitne, kas vakara laikā veic kungiem seksa darbu, lai nopelnītu iztiku. Problēmas rodas, ja otrajā dienā viņas rutīna ir nedaudz traucēta, izraisot sava veida domino efektu, kas atspoguļojas stundās pēc tā. Žanna Dielmane ievelk vienu savā lēnajā un meditatīvajā pasaulē ar Akermana raksturīgo režisora ​​parakstu, kurā iesaistīta diegetiskā atmosfēra, un hipnotisku auru, ko rada mierīga, smalka un pacietīga meistardarbība, kas ir sāpīgi eksistences vienmuļības svētki.

1. Random Baltazars (1966)

Roberta Bresona pamestais šedevrs ir sajūtu vingrinājums. Tas novērš skaidra galvenā varoņa vai centrālās tēmas noteikšanu, ja vien neskaita dabas brīnumaino spēku, kas ir Baltazars, un, ja filmu uzņemat pēc nominālvērtības, jums tas nav. Bet, ja jūs atļaujat viņam kļūt par piekļuves punktu filmas emocionālajai un tematiskajai ainavai, ir grūti atgriezties no tās bez atlīdzības. Baltazara savdabīgais, slaidais un foršais vizuālais stils retrospektīvā šķiet gandrīz krāšņs; tās mierīgais trauslums, kas ietīts rezignētā, viennozīmīgi gudrā vadības izjūtā. Pat tā taustāmais godīgums slēpj pētītos centienus nedaudz aizkavēties, iestatīšanas un rakstura vienkāršībā barot bagātību, kas atstāta auditorijai, un dažos elpu aizraujošos gadījumos iedomāties. Katra mirkļa nozīmīgums “Balthazar” nav atkarīgs no tā, vai tā saturs tiek uzskatīts par sociāla vai pat politiska rakstura alegorijām, bet gan no tā, kā tie mūs padara sajust izbaudot viņu sarežģītību un klusumu, nevis paļaujoties uz bezprāta ekspozīciju, kuru izmanto lielākā daļa filmu. Tāpēc ir pilnīgi loģiski, ka varonis ir tāds pats ēzelis.