100 visu laiku labākās japāņu filmas

Pirmkārt, es gribētu veltīt kādu laiku cienījamiem pieminējumiem un gandrīz garām: nepievilcīgajiem Miko Naruse darbietilpīgajiem peldošajiem mākoņiem, kad sieviete kāpj pa kāpnēm, pelnīšana un piedodamākā kalna skaņa to nepadarīja. Esmu mēģinājis atstāt daudz laika, lai iesildītos viņa darbā, taču tas mani nepārtraukti neinteresē, skumji teikt. Arī Tampopo, Smilšu pils, Cilvēks aiz saules, Eņģeļa ola, Skumjas Belladonna un Tējas garša diemžēl nederēja manai kino paletei. Lai samazinātu plūdmaiņu plūsmu pārmērīgā Akira Kurosawa un Yasujirō Ozu pārpilnībā, es neiekļāvu viņu lielisko klaiņojošo suni, skandālu vai Kagemušu; ne arī uzskatāmi raženais Ozu's I Born But & hellip ;, agrā vasara, vēlais rudens, vienīgais dēls, vasaras beigas, zaļās tējas aromāts pār rīsiem un vista vējā.

Paturiet prātā, ka šis saraksts ir domāts labākajām filmām: Tātad neviena no šīm filmām to faktiski neuzrādīja 100. vietā neatkarīgi no tā. Es tikai gribēju atzīt viņu kvalitāti tik daudz citu dārgakmeņu vidū. Tāpat nav Šohei Imamuras cieto, bet galu galā neapmierinošo Cūku un kaujas, pornogrāfu un pazudušo cilvēku, kā arī Yoshishige Yoshida skaistā apvērsuma un Wuthering Heights, Kon Ichikawa pazemīgā Conflagration, The Heart un desmit melnās sievietes, kā arī Hirokazu Koreeda pieskaroties pēc dzīves, tāpat kā tēvs kā dēls un neviens nezina & hellip; tas viss ir mani satraucis meklēt pēc vētras, kad tas ir beidzies. Visbeidzot, es gribētu veltīt brīdi, lai runātu par Siona Sono darbu: Neskatoties uz neapmierināto neatlaidību un izmisīgo cerību - es nevaru teikt, ka neviens viņa mēģinātais gabals man bija vērts. Aukstā zivs, Tokijas cilts, vainīga romantika un nepārspējami sliktā mīlas ekspozīcija ir visi dūdi, īpaši pēdējie - kas bija vissliktākā filma, ko redzēju šajā ceļojumā caur japāņu kino. Nepanesams.

Ar to no ceļa: sāksim. Šeit ir saraksts ar topošajām japāņu filmām, kas jebkad tapušas.

100. Elles vārti (1953)

Grezni aprīkots laika posma pasākums, Gate of Hell pievilcība slēpjas tās krāšņajā dizaina paletē. Režisors Teinsuke Kinugasa, slavenākais ar savu 1926. gada orientieri Ārprāta lapa , tā ir stingri ievainota pasaka, kuras novērtēšanai nepieciešami apmēram divi mēģinājumi, it īpaši attiecībā uz rietumu recenzijām, kas nav pazīstami ar Japānas Feodālās Japānas godu saistīto kodeksu, taču atalgo ar bagātīgi izstrādātu vērpjot un ļauniem padomiem par pārdabisko briesmu, uz kuru tā attiecas.

99. Vienīgo vilku un mazuļu sērija (1972 ... 74)

Nepāra pretendents uz komiksu franšīzes karali, Vientuļais vilks un mazulis izseko trimdā izpildīto bendi un viņa jauno dēlu, izmantojot septiņu daļu sēriju flickus, kas visi veido šo vietu sarakstā. III daļa: Bērnu grozs Hadesam un VI daļa: Baltas debesis ellē ir visspēcīgākie manā prātā, lai gan katrs no tiem ir pulksteņa cienīgs un no šī gada ir nesen pieejams Criterion Collection. Tā ir siltu raksturu skaņdarbu izlase ar vilinošu darbību un humoru, lai aptumšotu visas formalitātes stāstījumā - tas viss ir skatīšanās vērts un vairāk nekā cienīgs, lai šeit izveidotu savu telpu.

98. Iči slepkava (2001)

Nežēlīgs, ne tikai sašutums, Miikes bezbailīgais stila uzplaiksnījums mazina jebkādu nepieciešamību pēc būtības, koncentrējot uzmanību uz izvirtību un pārmērību no vārda go un izpildot savu solījumu par sāpēm un asinsizliešanu tādā mērā, kā dažas filmas līnijas juridiskajā pusē var pat saprast. Tas ir krāšņi dumjš prieks ar tumsas laizīšanu, kas ir tik ārkārtēja, ka jums tas jāuztver nopietni. Es nevaru necienīt Ichi slepkava par to, ka viņš ir tik ērts savā absurdā - un, lai arī tituliskais varonis izrādās klišejisks garlaicība, Miike agrīnās stadijās atrod pietiekamu impulsu, lai katru reizi apjuktu, apjūktu un pilnībā apburtu ar pieredzi, līdz finišam.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, cilvēks, kurš slēpjas noziegumu antoloģijā Cīņas bez goda vai cilvēcības , ir mākslinieks, kurš šeit pauž tik brīnišķīgu kvalitāti par plašāku japāņu kino: nebaidoties no žanra filmu veidošanas. Battle Royale ir unikāli izstrādāts kā rupji dumjš satīriska komēdija, un, lai arī tā ceļā nonāk humānistu zīmēs, plūdu un nevainojamā komēdiskā laika upes, kuras Fukasaku piesaista pat visnopietnākajām situācijām, padara to par absolūtu sitienu. Takeshi Kitano kārta ir īpaši ievērojama, atmetot visus priekšstatus par cieņu pret visu asprātības un garšas uzbrukumu. Battle Royale ir nekārtīgs, tik daudz ir taisnība, bet tas, kā tas tik nenogurstoši atkal un atkal pārgrupējas kārtējam uzbrukumam skeptiķiem, ir krāšņs. Bez vilcināšanās Fukasaku saprot strupo ieroci, kuru viņš tur rokās, un šūpojas ar pilnu spēku. Fakts, ka tā bija viņa pēdējā filma, vīrieša centieniem piešķir zināmu cieņu - pašnāvības misija, kas skar smieklīgu kaulu, jums ir jābūt komā, lai vismaz reizi vai divreiz nejustos dūriens. Būtiska izklaide.

96. Godzilla (1954)

Klasiska monstru filma, kas vismaz mērogā konkurē ar tādām zvaigznēm kā King Kong un jebkuru Universal universālo oriģinālo sastāvu. Godzilai piemīt ne visai neredzamā cilvēka cilvēcīgums un asprātība vai mežonīgās ilgas pēc būtnes no Melnās lagūnas, taču tas ir jautri. Vērot, kā liels vīrietis nāves grūtā uzvalkā šķērso pilsētas Japānu, ir saistoša pieredze līdz šai dienai, galvenokārt tās neizbēgami pazemīgā šarma dēļ. Tas jūtas šajā brīdī, un, neraugoties uz strauji iepazīšanās efektiem, ir ļoti patīkami palikt tur, jo sen zaudēta laikmeta relikts - un tagad ir labāks laiks nekā jebkuram citam cerēt, ka tas ir maskēts svins Haruo Nakajima atpūšas mierā.

95. Crazed Fruit (1956)

Japānas jaunā viļņa dibinātājs, Crazed Fruit’s koncentrēšanās uz jaunības liesmu atrod savas kājas ar vienkāršu stāstu, kas sniedzas tālu pāri tās pazemīgajiem parametriem: Pārlēkt žogu diviem vīriešiem, kuri ir iemīlējušies vienā un tajā pašā sievietē, lai atspoguļotu iespaidu par pēckara paaudzi kopumā. Šie cilvēki ir sīvi, neatkarīgi un izmisīgi vēlas sevi pierādīt, atkārtojot savas tautas vērtību apgānīšanu. Tas atrod stāstu nišu, kas sasaistās ar sociālo un politisko kontekstu - un pārstāv Jaunā viļņa plašos pirmos soļus. Turpinot šo sarakstu, mēs redzēsim, ka ilgi dzīvojošā kustība uz visiem laikiem devās uz iekšu - vai nu aizrāvusies, vai nobijusies, un, to darot, atrodot nevis tautu stāstījumu, bet gan seksualitāti, izvirtību, vardarbību, alkatību, pārdabiskumu un psihozi. Otrais pasaules karš joprojām var slēpties šajos stāstos, bet es uzskatu, ka tas ir intriģējoši, ka tā risināšana ir tikpat atklāta kā Crazed augļi darīja galu galā ar uzmanību, nevis tēmas eksploziju.

94. Oharu dzīve (1952)

Mūsu pirmais kinoizrāde Kenji Mizoguchi, Oharu dzīve pierāda klasiski aizkustinošu raksturu pētījumu, kura galvenais varonis atspoguļo sieviešu situāciju pēckara Japānā, ko Mizoguči apbrīnojami darīja visas savas karjeras laikā. Plašs, sarežģīts dramatisks darbs, kurā tiek izmantots laiks, lai izceltu likteni, kas ātri kļūst par uzmanības centrā, Mizoguchi ražo vienu no saviem izcilākajiem darbiem tikai tam, kā viņš tik humāniski sasprādzējas un saplīst kopā ar pašu Oharu - režisoru aizkustina grūtības, ar kurām viņa saskaras. Tieši šīs attiecības, kas asiņo tieši caur ekrānu, ļauj filmai savu drāmu pacelt ārpus ticamības.

93. Sapņi (1990)

Norakstīts viņa paša zemapziņas Akira Kurosawa mugurā Sapņi ir gleznains viena cilvēka prāta iekšienes atveidojums: brīvi salīdzināms ar Pastorāls izņemot to, ka trūkst tā jaunā viļņa jutības, lai atbalstītu mērenāku, mierīgāku Kurosavas nakts klejojumu izpēti. Rezultātā iegūto vinješu kolekcija atklāj kaut ko neapstrādātu un unikālu par to, kā dzīve tiek filtrēta caur mūsu zemapziņas objektīvu - un šī varētu būt tikai pati godīgākā filma, ko Akira Kurosawa jebkad ir veidojusi. Gaišs, jauks mazs dārgakmens.

92. Rožu bēru parāde (1969)

Režisora ​​Toshio Matsumoto plaši atklātais Oidipus Rekss (iespējams, izcilākais kinoteātris var piedāvāt), Rožu bēru parāde iezīmē izšķirošo alternatīvas seksualitātes un dzimumu izaicinošu tēlainību japāņu kino un tirgo sevi bez robežām, kas mūsdienās ir pārveidojušas kustību. Tie ir gan svētki, gan cilvēku izteiksmes kritika, izprotot neskaidrību, ar kādu tās varoņi saskaras, kā arī ar savu lēmumu pieņem ar pazemību un prieku. Šis kritiskais pieņēmums par neskaidrībām ir tas, kas nosaka Rožu bēru parāde Panākumi, un, lai gan es nedomāju, ka tas ir ļoti aizgājušā Matsumoto vainagojošais sasniegums, tas, kā viņš savus godalgotos priekšmetus aizstāvēja tik godīgi kļūdaini, ir tas, ko mēs visi šodien varētu mācīties.

91. Paprika (2008)

Salato Kona 2008. gada kinoizrāde bieži ir salīdzināma ar Krisa Nolana Sākums - gan balstoties ap sapņu iebrukuma un piespiešanas jēdzieniem. Es domāju, ka galvenā atšķirība, kas ļauj faniem sadalīties barikādē, ir fakts, ka Nolana mēģinājumam ir lielāka emocionālā rezonanse un rakstura uzmanība, bet tas viss iestrēgst garlaicīgā struktūrā. Kon raksta 85 minūtes un piepilda katru kadru ar reibinošu enerģijas uzplaukumu un krāsu savienošanu starp slāņiem ar tādu brīvību un elastību stāstos, ka Nolana blīvākais darbs vienkārši nespēj sekot līdzi. Galu galā abi ir uzskatāmi par amatniecības un atjautības piemēriem, taču konkursa nav, ņemot vērā to, ko es gribētu likt rupjas dienas beigās. Un atklāt plašo radošo spēku klāstu Paprika tur savā arsenālā, kas vienkārši ir jautra sākuma garša - atliek tikai paķert blu staru un nospēlēt.

90. Eņģeļu ekstāze (1972)

Kā nozares mēroga kustība es jūtu, ka Japānas Jaunā viļņa dominējošie punkti bija balstīti uz dzimumu un vardarbību. Abi ir neatņemami dzīves un mākslas elementi, kas turpina paklājus visā pasaulē, bet es uzskatu, ka maz filmu tos risina iesaistītajā filmā. Eņģeļu ekstāze saprot, ka tā ir paša vulgaritāte. Režisora ​​Kōji Wakamatsu turpmākā nodarbošanās ar tik ekstremālu tēmu ļāva viņam pilnveidot nežēlīgi vardarbīgu personību attēlojumu, un rezultāts ir trakais Sida un Nansī izpēte anarhiskā sevis zaudēšanā, kā arī rūgta romantika. blenderis. Neatkarīgi no jūsu skata beigās, tas ir mežonīgs brauciens.

89. Dekoratīvais matadata (1941)

Starp visiem pirmskara māksliniekiem, kuru atmiņu laiks saīsina, Hiroshi Šimizu, iespējams, ir galvenais starp tiem, kuriem ļoti nepieciešams no jauna atklāt. Neskatoties uz bagātīgo Eclipse izlaidumu, ko izlaida Criterion kolekcija (sāpes iekarot un spēlēt jebkur ārpus Amerikas), viņš, šķiet, nav pieminēts starp nozīmīgākajiem šī perioda režisoriem, un es pilnīgi turos pie pārliecības, ka viņš ir jāaizstāv starp labākajiem no tiem. Dekoratīvs matadata tika izlaists, kad Japāna ievilka Ameriku Otrajā pasaules karā, un tomēr tā ir saistīta ar cerību un vienkāršību, kas domāta civilizētākam vecumam vai vismaz runā par pacifismu, kuru Shimizu varētu dzīvot dienu no dienas, ignorējot konfliktu viņš uzskata barbarisku un izaicinošu toreizējo Japānas ārējo tēlu. Netraucējot šo aprakstu pārāk daudzās politikas jomās, Dekoratīvs matadata ir viens no izcilākajiem Šimizu izstrādātajiem elementiem, un tas ir viņa ilgstošais minimālisms, kas nodrošina tā skaisti nepietiekamo rezonansi.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Es nešaubos, ka tiku satikts ar plaši izplatītu vitriolu, ka tik vispārīgi apbrīnoto klasiku novieto tik zemu, taču jāsaka, ka starp neskaitāmajiem tūkstošiem Ugetsu Monogatari joprojām ierindojas starp 100 labākajām japāņu filmām, kādas jebkad uzņemtas. Man ir īpaša nepatika pret Mizoguchi izsludināto meistardarbu: ilgstoša brūce, kas reizēm ir pārāk vienkārša virziena virzienā, kas bieži iznīcina viņa tik bieži perfekto mākslīgumu un sabojā visu iepriekšējo efektu. To sakot, es melotu, ja nemaz nerunājot par to, cik ļoti fascinējošs man bija šis kinoizrāde, kad biju jaunāks, un, neraugoties uz pēdējā laika sarūgtinošo atkārtoto sēriju sēriju, maģiskajiem mirkļiem, kur viss nostājas savās vietās, un Mizoguči brīnumainā veidā sastādītajam, kinematogrāfiski aizraujoša un galu galā cilvēku pievilcība atkal iezagās manās vēnās. Ugetsu Monogatari daļēji slink uz sarakstu, jo tas ir būtisks darbs, par ko ir kauns, jo es lepojos ar to, ka personisko izvēli izvirzīju pār statusu: bet lietas būtība ir tā, ka es vēlos to mīlēt. Kādreiz pieķeršanās var atkal parādīties, un Mizoguči meistardarbs pacelsies vēl augstāk. Laiks rādīs.

87. Pirmās mīlestības pokers (1968)

Koncepcijā paralēles meklējot tieši līdzīgajiem Bez elpas un Ērika Rohemera meditatīvā sabiedrība Mana nakts pie Maud’s no notiekošā Nouvelle Vague, Pirmās mīlestības pokers ir kluss, skaisti absorbējošs novērojums pārim, kurš sper pirmos soļus kopā, un aicinošais, kaislīgais, drūmais, aukstais, bieži tukšais gaiss, kas ap viņiem karājas, mēģinot izmantot saikni, ko filmas nosaukums tik drosmīgi sola auditorijai. Tas ir maz uzturēts mākslas darbs, kas pacientus apbalvo ar kustīgu cilvēku mijiedarbību.

86. Izārstēt (1997)

Rediģēšana Izārstēt ir nāvējoša. Tas virzās līdz brīdim, kad vēlaties atrauties, Kurosawa piepilda skatītājus ar netiešu izpratni par viņa filmas nežēlību tādā veidā, kā tas dabiski pārspēj sadzīves rutīnu un asinīm izšļakstītos līķus kā elpošana; un tieši šī ārkārtīgi aukstā, gandrīz psihotiskā nāves pieņemšana dzīvē liek man apšaubīt tās vadošo virsnieku Takabi, un cik ļoti ellīgā situācija attiecībā uz vardarbību Japānā ir tik ļoti pieradusi pie brutālām slepkavībām. Kamēr tas pārvietojas gausā pārmeklēšanā, kas sāk mazināt elpas trūkumu, Kiyoshi Kurosawa ir spējis ieelpot skaņdarbu, Izārstēt joprojām ir vairāk nekā cienīgs papildinājums viņa spēcīgajam kino kanonam.

85. Sliktā miega aka (1960)

Akiras Kurosavas vājākā Šekspīra adaptācija joprojām ir viena no viņa spēcīgākajām filmām, kas brīvi izseko Hamletas pasaku ar korporatīvās kritikas barbu, kas gaida spārnos. Neskatoties uz tangenciāli, BSW tiek uzskatīts par vāju godājamās lugas atveidojumu, kura ar dialogu piesātinātā kompozīcija nespēj aptvert Šekspīra drāmas plašumu un svaru, lai gan tas kultivē unikālu Kurosawan stāstu stilu, kas piešķir papildu dimensiju izejmateriālu un veido garšīgi pārliecinošu stāstījuma ritmu. The Bad Sleep Well ir mūsdienīgāks un aizraujošāks nekā iedvesmas avots. Kurosawa faniem, kuri alkst prasmes un smalkumu viņa mūsdienu centienos, ir jābūt redzamam.

84. Tetsuo: Dzelzs cilvēks (1989)

Cīnīšanās Tetsuo ar vāju vēderu ir kā paņemt lodi bez vestes. Sajaukts kopā ar lūžņu rekvizītu jucekli, pārblīvētiem komplektiem un sāpīgiem specefektiem - ir dzīvīgums Tetsuo: Dzelzs vīrs tiekšanās pēc nepatīkamā, kas padara to apbrīnas vērtu. Man ir cieņa pret lētumu, ar kuru tās veidotāji nodarbojās, lai gūtu pēc iespējas vairāk mortified pieredzi: Šokējoši ar viņu sitošo skaņu sajaukumu un drausmīgajiem vienkrāsainajiem vizuālajiem materiāliem, kas to, ko mēs zinām, iemeta mīklainā sfērā. Melnbaltā krāsā krāso pat atpazīstamākos objektus, kas veido Tetsuo pasauli kā drausmīgus nezināmā bastionus, kas rāpjas zem plaisām un satver sevi uz mums, lai sāktu gan vardarbīgu, gan nenovēršami slimu mutāciju metamorfozi. Tas ir darbs, kas aizkavējies par auditorijas smalko jutīgumu - un tieši tam vajadzētu būt labām ķermeņa šausmām. Tetsuo: Dzelzs cilvēks neapšaubāmi ir viens no labākajiem.

83. Melnais lietus (1989)

Dīvaini savlaicīga filma, uzskatot to par kopīgu ar paša Isao Takahata traktātu par Otrā pasaules kara kulminācijā izmesto kodolbumbu cilvēku skaitu un par līdzīgām tēmām, Black Rain’s zemāka par brīnišķīgo Fireflies kaps nekādā gadījumā nenozīmē, ka to nedrīkst ignorēt. Ja kas, tad arī šeit vajadzētu pulcēties pielūdzēju leģioniem, kuri pareizi pulcējas ap Takahatas darbu. Šohei Imamuras pirmais uzsitiens šajā sarakstā, Melns lietus dziļi traģiski, rūpīgi personīgi aplūko kodolieroču sprādziena svaru: Pārdzīvojušā vainas, izstumšanas, skumjas, zaudējuma un notikuma un tā nopietno atzarojumu apkarošana taktiski taisnā virzienā, kas raksturīgs Imamura, tas ir pats tikpat uzkrītošs un tūlītējs kā Hirosima mana mīlestība sapņainā skaidrība.

82. Cilvēces un papīra baloni (1937)

Formālistu klasiķis tajā pašā jomā kā Kenji Mizoguchi cienījamais darbs, izņemot to, ka šeit tikpat cienījamais režisors Sadao Yamanaka izturas ar pazemību, no kuras var mācīties visi, kas plāno ienākt kino pasaulē. Viņa otra slavenā bilde, Miljons Ryo Pot , ir salīdzinoši mierīga, prātīgi sacerēta un prasmīgi dramatizēta pasaka - lai gan, manuprāt, mala trāpās mājās Cilvēces un papīra baloni jo tam izdodas plašāk paziņot par ikdienas dzīves būtību. Tās rotaļīgi ambiciozā nosaukuma komforts sasaucas visos kadros, un, lai arī tas nav mirklis, es uzskatu, ka tas ir ļoti pārliecinošs vai pat pacietīgi kustīgs - šeit ir kaut kas, kas prasa pulksteni.

81. Klusums (1971)

Pielāgots no tā paša romāna, kuru nesen pievērsa Martins Skorsēze, Masahiro Shinoda Klusums kalpo par aizraujošu prožektoru Rietumu un Austrumu kino stilu atšķirībām. Skorsēzes ārēji stoiskais, skarbais tonis ir salocīts par labu daudz pazemīgākam skatījumam zem Šinoda pētnieciskās rokas, ļaujot matiem nožēlot un noskaņoties citādi aizraujoši naturālistiskā, atkailinātā grāmatas uzņemšanā. Aina, kas izceļ Šinoda varenību attīstīt pasaulīgu atmosfēru viņa reliģiskajai pasakai bez nepieciešamības manipulēt, izpaužas kā veca sieviete, kas dzied telpā, kurā ir daudz cilvēku: tikko izteikts vārds atbalsojas ar šo stāstu, kā arī neviens nav tālāk raksturojums - un tomēr tas pārējo filmas daļu ieaudzina ar neizbēgamu vitalitāti, kas tik uzmundrinoši saspringst zem ciešanām un izmisuma, ar kādu saskaras priesteri un viņu mācekļi. Nenovērtēts un pievilcīgs, tā pazemība man katru dienu ir leģendārā itāļu un amerikāņu režisora ​​skaņdarba priekšgalā.

80. Go Go Second Time Virgin (1969. gads)

Nekavējoties apgrūtina sevi, Ejiet Otrreiz Jaunava sasniedz 65 minūšu izpildlaiku ar vienu no vairākām neērtajām izvarošanas ainām. Stāstījuma izveide no nomocītās jaunās meitenes lieliskajām attiecībām ar tikpat jauneklīgu, satrauktu slepkavu, kurš no tālienes vēroja - režisora ​​Kōji Wakamatsu īsais, bet vitālais opuss pats sevi definē, nekad nepievienojot stāstījuma konvenciju pārī. Atstājot pašplūsmā, atklāsmes un sarunas, kinoizrāde pārsteidzoši izmanto savu ļoti zemo budžetu ar bieži efektīvu Japānas Jaunā viļņa raksturu, kā arī konfrontējošu seksuālās vardarbības attēlojumu, kas ir daudz saistošāks, blīvāks un tverīgāks nekā Nagisa Ošimas bēdīgi slavenā mākslinieciskā misfire 1976. gadā (un tas to dāsni izsaka) Sajūtu valstībā .

79. Elles grēcinieki (1960)

Atzīmēts ar mazāk nekā intuitīvu skriptu un neskaidru sižetu, Elles grēcinieki joprojām izdodas izcelt savu vietu šajā sarakstā, lai savādāk kontrolētu artifikāciju. Katrs rāmis ir iemērkts tukšā apgaismojumā un pārklāts ar duļķainu krāsu paleti, kuru laiku pa laikam iedala pīrsingi sarkani stabi, kas kalpo kā smalks atgādinājums par gaidāmo agoniju. Tu redzi, Džigoku ir gaidīšanas spēle: filma, kas savu laiku pavada monotonā reālajā pasaulē, pirms ienirst ellē. Izcilā atklāšanas aina publikai dod asiņu dvesmu, kas provizoriski tantalējas katrā citā ainā, līdz mums beidzot ir atļauts pašiem piedzīvot Tartarus: Kavalkāde ar satriecošām dekorācijām, krāšņām krāsām, pārmērīgām ekstrām un patiesu paniku, kad varoņiem tiek dots laiks pārdomāt savas rīcības sekas. Lai arī tas ir garlaicīgs, tā atmaksa mūs apbalvo ar vērošanas orderiem Elles grēcinieki vismaz vienu reizi - kinoteātrī maz atbilst tā būtībā konfliktējošajam, drausmīgi nedzīvajam pazemes redzējumam.

78. Divdesmit četras acis (1954)

Sekojot jaunas sievietes matriarhālajai vietai skolēnu klases priekšā un tās ietekmei uz apkārtējo sabiedrību, Divdesmit četras acis ir feministisks teksts, kurā trūkst transcendentālās dzimumu neitralitātes kaut kam tik meistarīgam kā Žanna Dielmane, taču tā saglabā savu vietu kā svarīga darbs pie spēcīga centrālā snieguma no Hideko Takamina un Thiassos raksturīgā stāstījuma, kas ilgst no 1928. līdz 1946. gadam, plašā iekšējās politikas un uztveres progresa pētījumā gadu gaitā no miera līdz kara laikam.

77. Pateicības kungs (1936)

Hiroshi Šimizu taktiskā meditācija par mūsu mijiedarbību, Paldies kungs seko cilvēku grupai autobusā un pēta visu emocionālo raksturu stundas garajā braucienā līdz galamērķim (par laimi novirzoties no autobusa brauciena, kas mazliet vēlāk šajā sarakstā beigtos daudz mazāk gludi). Tas ir burvīgs dzejas portrets ikdienas dzīvē, kas šajā sarakstā paceļas virs tik daudzām virspusēji ambiciozām filmām, pateicoties spējai sēdēt un runāt nedaudz vairāk kā 60 minūtes, nepalaidot garām nevienu ritmu. Mazs, mazs dārgums.

76. Kauna iela (1956)

Drebuļi uz opusa malas, Kenji Mizoguchi Kauna iela ir viens no lielākajiem gulbju dziedājumiem - tas, kas izriet no visa līdzšinējā cilvēka kino pieredzes viņa karjerā, un apvieno to savlaicīgā, raksturīgi rūpīgā un izcili cilvēciskā darbā. Dzīvojot prostitūcijas likumības krēslā Japānā, Mizoguchi izveido skaisti kustīgu konfliktu gobelēnu un šķietamo 'amorālismu', ņemot vērā tā patieso seju, kas caurdur uztveri un ļauj mums redzēt pagātnes aizspriedumus. Mūsdienās auditorija bieži izbauda acīmredzami antivaroniskus vai krimināli nepamatotus personāžus, pateicoties GoodFellas un citi lauvojoši, bieži priecīgi sadistiski morāli nesaprotamu varoņu tēlojumi. 1956. gadā, it īpaši likumīgas pārejas laikā, šāda filma, iespējams, bija nedzirdēta. Sievietes no Kauna iela tikai cenšas dzīvot, un tas viņu slogu padara vēl sāpīgāku.

75. Peldošās nezāles (1959)

Pareizi uzskatīts par Ozu lielākajiem mākslinieka sasniegumiem - 1959. gadu Peldošās nezāles izseko ceļojošo izpildītāju trupu un ģimenes problēmas, ar kurām viņi sastopas ceļojumu laikā - it īpaši iepriekš šķirtu partiju atkalapvienošanās, kas draud atbrīvot ienesīgo teātra uzņēmumu. Tās ir tikpat spēcīgas kā Ozu labākās filmas, bet es šeit apšaubu stāstu stāstu, it īpaši struktūru. Turēts pret dažām vēlākām Ozu filmām, ar kurām mēs šeit sastopamies, tā nevar turēt sveci, bet tas vismaz ir rādītājs tam, cik prasmīgs viņš bija mākslinieks. Peldošās nezāles joprojām izdodas sadalīt 75 labākos klusā, apcerīgā formā. Joprojām sēklains.

74. Pastorāls: mirt valstī (1974)

Šūji Terayama ’s Pastorāls ir cildens dīvainības vingrinājums. Būtu naivi, ja kāds dublētu šo dīvainā ‘sirreālā’ nozari, jo Pastorāls ir daudz mazāk smalks nekā tas: Īsais darbības laiks ir pilns ar absurdistu komēdiju un fantastiskām tēliem, kas atmiņā atceras režisora ​​pieredzi nākotnē. Šādas iedvesmas nesaprotami ir maz, ņemot vērā tās sižetu un idejas, kaut arī Terajamas sižeta vaļība, tāpat kā viņa agrākajā darbā, nekādā veidā nemazina pieredzi, kuru viņš mēģina sniegt, un ja viņa magnum opus mēģina izteikt neapmierinātas jaunības dusmas un kaisle, tad tas ir viņa personīgākais turpinājums: krāšņi nofotografēta un silti realizēta aizraujoša prāta izpēte. Filmu ir viegli izveidot dīvainu, bet pēc tam akcentēt vizuālās virtuozitātes ietekmi ar personību, tehniku ​​un režisora ​​spējām, ko vīrietis šeit sasniedz. Tas tiešām ir kaut kas redzams.

73. Perfect Blue (1998)

Animatora Satoshi Kon īpašais talanta sauciens, Ideāls zils atrod fiziskumu pensionētas estrādes elka iekšējā cīņā, cenšoties aptvert viņas jauno identitāti - tas viss ir iesaiņots arvien mainīgajā modernās pasaules grūdienā. Kon vizuālā jutība noved pie gan izciliem, gan tik diemžēl pārspīlētiem kino mirkļiem, bet es domāju, ka reibinošais stāstījuma noformējums Ideāls zils atrod nemitīgumā, ar kuru tās varone spīdzina sevi un, to darot, tiek spīdzināta, izspiež to garām jebkuram režisora ​​žagam. Tas ir metafizisks skaņdarbs, kas ļauj sev padarīt šausmas reālas, un tas tradicionālo animācijas elementu robežas pārspiež kaut ko tumšāku un satraucošu tā drosmes dēļ. Neskatoties uz sevi, Kon, attēloot garīgo degradāciju, nevairās no realitātes, un tas noenkuro citādi datētās dilemmas Ideāls zils līdz šodienai. Aizraujošs, bieži vien mulsinošs animācijas eksperiments.

72. Tumšais ūdens (2002)

Tiešā drausmīgā evolūcija Gredzens , Hideo Nakata s Tumšais ūdens pārstāv režisora ​​otro un, iespējams, vienīgo citu hitu - un tādu, kam izdodas savu stilu vēl vairāk uzlabot. Tas ir apbalvots ar briedumu, kas izvairās no daudzām J-šausmām, un tas pamato dramaturģijas spēku ar viltīgu uzmanību prātam un precizitātei, ko mazākie mākslinieki pilnībā nespētu aptvert. Tā ir pulsējoša tiekšanās pēc kāda neredzēta mērķa, kas atbalsojas katrā ainā, un modes neizbēgamība kļūst par ne tikai baiļu, bet arī piespiešanas ieroci.

71. Jukkoko: mīlestības un nāves rituāls (1966)

Yûkoko: mīlestības un nāves rituāls ir bēdīgi slavena dažu iemeslu dēļ, proti, tāpēc, ka arī tās direktors Juiko Mišima pēc neveiksmīga militārā apvērsuma izdarīja pašnāvību, izmantojot seppuku. Šis vīrietis bija Pola Šradera labākās filmas pamatā, Dzīve četrās nodaļās un koncentrējas uz sevi kā uzskatāmi aizraujošu tēmu - izmantojot Noh iestudējumu un spēcīgo kompozīciju, lai apliecinātu savu bezvārdu vēstījumu. Speciālie efekti, kas izraisa strīpas, savā laikā ir ārkārtīgi iespaidīgi, imitējot Harakiri darbību pārsteidzošā veidā un nodrošinot perfektu pieturzīmi Mišimas patriotismam. Nepadoties.

70. Akira (1988)

Mirdzošs, ar neonu savilkts japāņu animācijas orientieris un tā iekļūšana starptautiskajā centrā, Akira iezīmē revolucionāru punktu no anime un pārsteidz arī mūsdienās ar savām mirdzošajām krāsām, piemīlīgo futūrismu un amorfo, riebīgo titula varoņa drūmo pārveidojumu. Kaut arī stāsta struktūra ir pārblīvēta ar sānu piezīmēm un nespēj atrast skaidru virzienu, kur uzplaukt, Akira darbība un iespaidīgāki animācijas varoņdarbi ir tas, kas padara to par tik ietekmīgu un agresīvi saistošu - sīri ekrāni ar izteiksmīgi veidotām vinjetēm un pārspēj tā progresa vaļīgo žokļu stulbumu, lai iegūtu kaut ko patiesi iespaidīgu. Tā ir apburta, dinamiska un mīļa - cienīga klasika un sākums brīnišķīgam augstas kvalitātes animācijas veidošanas laikmetam.

69. Tiesu izpildītājs Sansho (1954)

Šajā brīdī man jāatzīstas: man nekad nav paticis Kenji Mizoguchi darbs. Neskatoties uz to, ka esmu mēģinājis vairākas reizes tārpot ceļu caur viņa attēliem, nekas nekad nav īsti iestrēdzis. Maz par viņa darbu mani saista un tas, kas tur rakstīts, nolaižas blāvumā, kad viņš to tik strupi pārstāda uz ekrāna. Neapšaubāmi, ka vīrieša darbā ir brīnums, bet tas mani joprojām ilustrē. To visu ņemot vērā, es vismaz atradu mierinājumu savā atkārtotajā skatīšanā Sansho tiesu izpildītājs šim sarakstam - filma, kas agrāk mani bija nomākusi ar tik spēcīga materiāla izšķērdēšanu. Šis mēģinājums uzplauka par jaunu Mizoguchi ikonoklastiskās pieejas novērtējumu, kas viņa agrākajā darbā šķiet brīvs. Tā ir pārpildīta ar dziļi ietekmējošām ainām, un, lai gan es uzskatu, ka filma ir apmēram 20 minūtes pārāk gara, un tā varētu nonākt meistarības sfērā īsāk kustīgā telpā - tā vismaz ir devusi pamatu leģendārajam māksliniekam šajā sarakstā. Varbūt pēc gadiem es šeit liktu Mizoguči darbu augstāk - var tikai cerēt.

68. Onibaba (1964)

Mūsu pirmā filma no Kaneto Shindo, Onibaba griežas stāsts par neuzticību un maldināšanu - divas zaglīgas sievietes, kuras ietekmē pārņemta maska, kura drīz meklē savu darba kārtību. Paranojas atmosfēra, ko Šindo attīstās, pateicoties viņa uzmanīgajam inscenējumam, un burzīgs sižets ir līdzvērtīgs fiksa panākumiem - jaunu rakstzīmju un notikumu apvienošana, lai palielinātu auditorijas satraukuma sajūtu, kā arī viņa galveno spēlētāju sajūtu, lai veicinātu unikāli paralēlu emocionālo saikni. Bet es domāju, ka pāri visam, Onibaba Japāņu šausmu kino klasiskā statusa statuss izriet no viena kadra: Atsevišķs attēls, kas paralizējošajā mierīgumā iesūc tik daudz viscerālās enerģijas, ka mani tas fiziski pārsteidza - neuzdrošinājos atkal ķerties klāt Onibaba baidoties sastapties ar to pašu drausmīgo klātbūtni. Šī viena, perfekti spokojošā kadru komplekta priekšā pārējā filma gandrīz nobāl, salīdzinot ar to: Bet, lai to pilnībā atlaistu, būtu jāizlaiž šādas kontrolētas uzbūves jēga, kā arī tās sensacionāli rīkotā kulminācija.

67. Sonatine (1993)

Tas, kas Takeshi Kitano darbā vienmēr ir iespaidīgs, ir veids, kā viņš piešķir vieglumu pat visnogurdinošākajiem scenārijiem. Gandrīz pazudušie Uguņošana un Vardarbīgs policists abi savā ziņā dalās sarakstā ar savu opusu, Sonatīns , un visi runā par viņa popularitāti dzimtajā Japānā kā seansa komiķi un to, kā šīs saknes smalki iesūcas viņa kino piedāvājumos. Katrs kadrs, kurā viņš dzīvo, spīd - neskatoties uz tumšo un bieži vien nežēlīgo sižetu sastāvu. Tik veikli spēlēt ar mūsu cilvēka morāles un simpātijas uztveri ir tas, kas padara Kitano tikpat aizraujošu figūru, kāda parādījusies no japāņu kino pēdējās desmitgadēs - un tas pierāda, kā tik lietpratīgi teica Rodžers Eberts pēc tam, kad es redzēju Sonatīns , ka graudainajiem noziedzības pētījumiem nav jāupurē dziļums, iesaistoties a-la Tarantino ar viņa virspusējiem monologiem un rupora ‘raksturojumu’. Kitano var darīt abus.

66. Dēmoni (1971)

Jaunā viļņa ūdenszīme Toshio Matsumoto apdullināja 2 gadus iepriekš ar savu izsmalcināto Rožu bēru parāde un 71. gada dēmoni saglabā savu maņu impulsu ar izteikti uzņemtu nakts ainavu, kas katru attēlu iegremdē pilnīgā tumsā - tikai murgainā drūmumā apgaismotās vietās un spēlētājos. Citi režisori ir eksperimentējuši ar šo paņēmienu, iespējams, agrākais ievērojamais piemērs, kas saistīts ar Luisa Malle pratināšanu Elevatorā pret karātavām, taču tikai nedaudzi to ir panākuši līdz tādiem invazīviem efektiem - katrs kadrs izraisīja plašu bailes un, izšķiroši, izmisuma sajūtu. Neatkarīgi no tā, cik tuvu tās varoņi nonāk, lai izbēgtu no pārdabiskajiem uzbrucējiem, nekas nekad nav drošs. Tas, viennozīmīgi, ir eksistenciāls šausmu paraugs.

65. Still Walking (2008. gads)

Es domāju, ka Yasujiro Ozu augstā ēna var mest ievērojamu ēnu pār jebkuru dramatisko filmu veidotāju, un ļoti vērtīgais Hirokazu Koreeda, iespējams, ir galvenais starp nomocītajiem. Vīrietis mēģina izvairīties no salīdzināšanas, pielīdzinot savu darbu Kenam Loacham, vairāk nekā japāņu leģendai, tomēr šāda līdzība ir neizbēgama un izceļ vairākus Koreeda metodes trūkumus. Ozu aicina jūs apsēsties kopā ar saviem varoņiem un pamazām atšķetināt stāsta būtību, turpretī Koreeda ievieto kameru tajā pašā telpā, kur ir drāma, un tikai klusi vēro. Viņa stils ir daudz mazāk tiešs, nedaudz atgādinot Taivānas meistara Hsiao-Hsien Hou tehniku, tomēr joprojām ir vairāk atdalīts.

Tas viss, Koreedas atteikšanās iejaukties, tomēr noved pie dažiem spēcīgi intīmiem mirkļiem vēlāk - kur viņš sāk uzplaukt, jo varoņi ļauj mums pārvarēt sešas atšķirības pakāpes starp viņu un mūsu pasauli. Kaut kas tik vienkāršs kā cilvēks, kurš tuvojas klavierēm, ārkārtēja fokusa atšķirība, uzsverot ainas nozīmi, rada brīnumus, sniedzot auditorijai niecīgus, uzmundrinošus ieskatus viņa varoņu prātos. Patiešām Joprojām staigā ir cerību bastions, kas mudina mūsdienu Japānas filmu veidotājus iekrist ģimenes drāmu lokā un censties to piepildīt ar tādu pašu piespiešanos un iespaidu kā mākslinieki, piemēram, Ozu un Naruse, darīja pirms visiem šiem gadiem. Tā kā uz skatuves ir tādi režisori kā Sions Sono, tā ir dāvana, ka tādi cilvēki kā Hirokazu Koreeda joprojām atrodas līdz krastam virs sārta vēdera un sniedz mums kaut ko tik klusu un valdzinošu priekšpilsētas dzīves portretā.

64. Atzīšanās starp aktrisēm (1971)

Nežēlīgi godīga, raksturīga atklāta filma, kas neatšķiras no nepiedodošās izmeklēšanas Ziemas gaisma - Yoshishige Yoshida Atzīšanās starp aktrisēm seko traumām, kuru dēļ trīs sievietes bija nodevušās savam amatam - režisora ​​pirmajai krāsainajai filmai un aizraujoši: tādai, kas šajā jaunajā, nosarkstošajā krāsu joslu bagātībā novērš lielu daļu viņa ārkārtīgi lielu kameru, lai iegūtu patiesu, kailu patiesības meklējumu. un tā ietekme uz šiem cilvēkiem. Atklāsme savā veidā ir dziedināšanas un Kiju Josidas veids Atzīšanās starp aktrisēm darbojas lieliski kā debates par šo ideju.

63. Narajamas balāde (1984)

Narajamas balāde pārstāv varbūt slavenāko Šohei Imamuras filmu, kas pats par sevi ir tikpat cienītas klasikas pārtaisījums. Kas izceļ Imamura gabalu, ir viņa taktilā pieeja cilvēka rīcībai - aizraujot ar drūmajām atbildēm un mutācijas psihēm, vīrieša vai sievietes prātā ir liels emocionālais spriedzes spēks. Viņa agrākās filmas daudz labāk apstrādāja šādus jautājumus, tomēr es uzskatu, ka tas neizslēdz Narajamas balāde no stāvēšanas viņu vidū. Tās pazīstamais folkloras stāsts ir tikpat rūpīgs cilvēka uzvedības pētījums, un, lai gan tajā nav saslimstības, kas deva kodumu viņa 60. gadu darbam, - Shohei Imamura joprojām nodrošina apmierinoši līdzcietīgu, reālu mākslas darbu.

62. Mandara (1971)

Mandara savā veidā ir viena no kinematogrāfiski aizraujošākajām septiņdesmito gadu sākuma filmām. Izaicinošs, bet universāli atalgojošs tēma, fotogrāfija un tās radītais apbrīnojamais noskaņojums - tas ir viennozīmīgi nepāra darbs, kas, iespējams, ir nonācis šī saraksta augšējos slāņos, ja man būtu bijis laiks ienirt dziļāk savā bagātīgi dīvainajā pasaulē. Pietiek, lai pateiktu: Šī maz redzētā Jaunā viļņa pērle ir absolūti nepieciešama.

61. Pasaka par princesi Kagju (2012)

Cienījamā Isao Takahata 2012. gada atgriešanās formā pēc 1988. gada satriecošā Fireflies kaps , Pasaka par princesi Kaguju ir vienkārši krāšņs. Ģimenes fabula, kas piemērota jebkuram vecumam, tās absolūti skaistais animācijas stils atgriežas pie klasiskā dizaina, kas krāsots baltā segā - ideāls pamats, kas kopš tā laika ir iedvesmojis īpašības vairāk nekā vienā vidē. Tālejošā estētiskā pievilcība Kaguya stāsts nav diezgan aptumšots, bet tā spožā kino piespiešana joprojām ir neizbēgami reibinoša no sākuma līdz beigām un prasa uzmanību no jebkura animācijas cienītāja.

60. Tavs vārds (2016)

Jaunākā filma šajā sarakstā, pagājušā gada Tavs vārds ir atklāsme. Amerikā populārais kino bieži vien var būt tik nedzīvs un cinisks, pat tā indie ainu sāk piesaistīt vairāk slava nekā mākslinieciskie nopelni (lai nediskreditētu acīmredzamos izņēmumus no šī pieaugošā novērojuma). Es to visu saku tāpēc, ka, izpētot mūsdienu japāņu izlaidumus šim sarakstam, ir saviļņojums, ka ir tikpat brīnišķīga filma kā Tavs vārds būt tikpat veiksmīgiem galvenajā plūsmā kā tas bija. Kopš tā laika Japāna ir bijusi gan pārpurvota, gan apveltīta ar daudzām animācijas funkcijām Akira 1988. gadā, un, kamēr raupjie bieži purvina zem tā esošos dimantus, šī spēcīgā plēve viegli izlauzās cauri. Bez ievada vai komentāriem vienkārši redzēt Tavs vārds . Tas ir kaut kas ar sirdi un godīgiem nodomiem, ko mēs visi varētu mācīties no šodienas.

59. Nausicaä no Vēja ielejas (1984)

Nausicaä no Vēja ielejas ir animācijas titāna Hayo Mijazaki cildenās mākslinieka prasmes agrīnā bastions. Stāstu stāstīšana ir izsmalcināta - veidojot kaut kādu drūmu apokaliptisko nākotni, it kā mūsu pašu pasaulē ar virziena brīvību un krāšņu zemes unikālās floras un faunas realizāciju - visi apdzīvoti ar daudzveidīgu vientuļo dvēseļu sastāvu, kas pauž rāpojošu atzinību par viņu nevēlamību. brīnišķīgi. Pirmais no daudziem patiesi sirsnīgiem, oriģināliem un sirsnīgi iedvesmotiem Mijazaki darbiem.

58. Vai dejosim? (1996)

Es domāju, kas šķir Varbūt padejosim? no jebkura cita “dzīvi apliecinoša” kinoizrāde ir tas, cik tas ir nopietns. Akiras Kurosavas paša traktāts par piepildījumu (vai šausminošu tā trūkumu) gadā Ikiru ir krass kontrasts ar nekaitīgo šarmu, kas dabiski dīgst un ieplūst mūsu sirdīs, nevis ķeras pie ciniski virzītiem sižeta punktiem. Tā ir brīnišķīga filma, kurai ir piešķirta tik augsta pozīcija par to, cik priecīgi ir ticams tās stāsts un cik ērti režisors Yoshikazu Suo ir ar savu produktu. Prieks.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshida lielais sasniegums, Akitsu avoti pārstāv kaut ko īpašu rītausmu Japānas Jaunā viļņa sfērā. Jau 1962. gadā Yoshida spēja panākt daudzu tā laika japāņu filmu psihoseksuālo fokusu un ar nevainojamu precizitāti iespiest tās iekšējo dziļumu - aizraujošu raksturu viņš turpināja saasināt tikai laika gaitā. Līdzīgi fantastisku seku sērija viņu nostiprināja kā galveno kustības dalībnieku, bet man tas tā ir Akitsu avoti kas ir visspēcīgākais kā viņa kino ģēnija īpašnieks.

56. Sieva atzīstas (1961)

Mūsu pirmā filma ar ražīgo Yasuzo Masumura, 1961. gadu Sieva atzīstas ir agrīnā Japānas jaunā viļņa vainagojums. Pēc sievietes, kas apsūdzēta par vīra it kā nejaušu nāvi, tā uztver agresijas, cinisma un novirzīšanās viļņus, kas raksturīgi Japānas kino tumšākajai pusei tajā laikā, izņemot bez tā bieži asiņainās, nežēlīgās vardarbības. Mums šeit ir prāta vardarbība, kas izšauta caur rūgtuma dzelžainām balsīm un kuru acis skatījās uz kādu nabadzīgu, uz mūžu ieslodzītu gadījumu, lai salīdzinātu viņu pašu ciešanas. Tā ir aizsegta saslimstība ar Sieva atzīstas kas dod svarīgu ieskatu sabiedrības kodumā.

55. Dievu dziļas vēlmes (1968)

Šohei Imamuras garākā filma, Dievu dziļas vēlmes varbūt ir arī filma, kas vispilnīgāk parāda viņa stilu. Ievērojot izolētas kolonijas saspringto dinamiku un plaukstošo romantiku, kas uzzied pēc tās, Imamura nedaudz novirzītais virziens un gandrīz žurnālistiskās integritātes caurstrāvotais spīdums ļauj izveidot aizraujošu dokumentu par dzimto dzīvi, mīlestību un to, kā mūs nesaraujami pievilina mūsu pašu vēlmes. lai tas būtu ar apzināti kopīgu primāro mudinājumu vai kādu nemateriālu implantu, kas sūtīts tieši no augšas. Galu galā man bija grūti pārvaldīt Imamura principiālo jautājumu: vai ir vieglāk pieņemt, ka mūsu dievi ir nežēlīgi vai mēs esam?

54. Cilvēka stāvokļa 1. daļa: Nav lielākas mīlestības (1959)

Pirmais episkajā filmu triloģijā Cilvēka stāvokļa 1. daļa: Nav lielākas mīlestības ir filma, kas radītu precedentus pēcpārbaudēm - gan stipro, gan vājo pušu sarakstam režisoram Masakai Kobajaši būtu laiks mācīties tikai no aizmugures, nekad neizskaidrojot perfekti līdzsvaru viņa ārkārtīgi vērienīgajam skaņdarbam. Nav lielākas mīlestības ir vairāki nemirstīgi mirkļi, īpaši izpildes aina, kas ilgst 10 minūtes un kurā redzama apspiestā mandžu burbuļa dusmu dusmas, kas pārsniedz bailes, ka visi ieroči un dzeloņstieples iedvesmo kaut ko īpaši skanīgu līdz šai dienai, kā arī loka vairākām rakstzīmēm. Tā ir pārāk ilga, pārsātināta un galu galā neefektīva filma & hellip; bet tas ir arī meistarīgi veikts kara nodevu pārbaudījums. Nelīdzsvarots līdz galējībai, Cilvēka stāvoklis Sākuma nodaļa atrod pietiekami stabilu pamatu, lai izveidotu filmu ne nedz izpildāmu, nedz izcilu: Bet viena tomēr ir vairāk nekā pietiekami cienīga, lai šeit iekļūtu labāko 60 skaitā.

53. Izmetiet grāmatas, mītiņš ielās (1971)

Izmetiet savas grāmatas, Rallijs ielās ir asiņu pieplūdums uz galvas. Spilgts, bezrūpīgs atvienotu vinješu izvietojums, kas spilgti parāda japāņu jauniešu atdalīšanos no vecajām vērtībām. Formālisma noraidīšana par kaut ko pavisam modernāku, futūristisku, sagrieztu gabalos un tomēr pilnīgi nesaprotamu. Tas ir nozares radošais raksturs, kas izpaudies jauniešu prātos, kā rezultātā veidojas pārsteidzošas, pievilcīgas un bieži vien neskaidras sēriju ainas. Tikai dažas filmas no pat Japānas Jaunā viļņa var iedegt to pašu stingri dumpīgo uguni.

52. Sarkanais eņģelis (1966)

Masveidā ražīgais meistars Jasuzo Masumura tieši 1960. gados strādāja pie kolosālām 33 filmām, un viens no viņa uzpūtīgāko darbu izcilākajiem notikumiem ir 1966. gada cildenais Sarkanais eņģelis. Sarkanais eņģelis, kura centrā ir romantiski iesaistīta jauna medmāsa, kas tiek iespiesta karadarbībā, ārkārtīgi labi attīsta savu šausmīgo pasauli: Sākot ar veterānu leģioniem, kas iesieti tīklā ar rētām un ar savām asinīm un sviedriem izšļakstīti uz operāciju galda netīrā, nolaistā kompleksā - viss pirms beidzot tika iemests šī nāvējošā konflikta tīģelī. Jūtamās bailes ir Masumura bagātīgi impresionistiskās malas zīme - un iezīmē viņu kā noteicošo, skumji aizēnoto nācijas kino balsi 1960. gados.

51. Cilvēks bez kartes (1968)

Bēdīgi nepietiekami redzams ieraksts no Hiroshi Teshigahara nevainojamās daiļrades, ko pakļāvīgi aizēno viņa augstais darbs no ’62 līdz ’66, 1968 ’ Cilvēks bez kartes redz stingru ikonoklastisko režisoru pāreju no krasās vienkrāsainās uz pievilcīgajām krāsainajām fotogrāfijām: skatoties pāri industriālās Japānas plašajam labirintam ar drūmu, nedaudz blāvu paleti, kas tik bagātīgi sasaucas ar galvenā varoņa nenovēlēto vēlmi pēc atbildēm. Cilvēks bez kartes skrien šaubu un apjukuma upēs, detektīvi nolaižot dziļā ūdenī, lai veiktu vismazākos iejaukšanās gadījumus, un reti ļaujot sekundei elpot un uzņemt tā visa plašumu.

Tešigahara rotaļīgi urbanizē savu varoņu mokpilno vajāšanu ar pasauli, kas ik uz soļa noliedz katarsi, ar velnišķīgu precizitāti komentējot mūsdienu dzīves nemitīgo nenoteiktību. Viņš atsakās no sava agrākā darba niansētās pārdabiskuma un sirreālisma, iegūstot daudz pamatotāku skaņdarbu, kura rezultātā varbūt pat ir spocīgāka nekā Sīzifes agonija. Sieviete kāpās vai Pitfall’s nedomājošs, nejūtams nāves avanss. Cilvēks bez kartes sit mūs uz mūsu mājas seguma, un tāpēc tas ir tik mulsinošs - tik satraucošs - un kāpēc tas joprojām ir tik svarīgs kino gabals līdz šai dienai.

50. Kukaiņu sieviete (1963)

Mūsu līdz šim cienītā meistara Šohei Imamuras ceturtā filma, kas ir nedaudz cienījamākā Nagisa Ošimas bīstamāk pārmērīgās monētas puse, Kukaiņu sieviete ir piemērs tam, kāpēc Imamura seksuālās politikas redzējums vienmēr bija daudz aizraujošāks nekā viņa pretrunīgi vērtētais mūsdienu. Tā ir greznas vizuālās kontroles filma: tās attēlu ievietošana ar nozīmi un svaru, kā arī garšīgu estētisko spēku, kas vienkrāsaini asiņo tik daudz nozīmes - sievietes ikdienas dzīvi norobežo melnā un baltā jūra, kas tik ļoti pārvēršas par noslēpumu, iekšā Tetsuo: Dzelzs cilvēks . Kaut arī tā drausmīgi pārgalvīgā atklāšanas aina ir vienkārša, šuj Kafkan būra Tome sēklas (kuru lieliski spēlē pelnīti godātais Sachiko Hidari), un tajā tiek dotas norādes par Imamura apburto nosaukumu kustībām. To ir grūti skatīties, un to vismazāk palīdz Imamura tematiskie tempi, taču tas joprojām ir ļoti svarīgs kino.

49. Pulss (2001)

Kiyoshi Kurosawa ar fantastisku draudīgu centienu stabili ir iesitis virs savas klases zem sava pazīstamā vārda brāļa svara, taču neviens no tiem nav pilnībā aizēnojis pārliecinošo 2001. gada vakanci Nospiediet . Pilot ar baiļu un cieši izmantojot savlaicīgas tehnoloģiskās atsauces, nepaļaujoties uz tām tik lielā mērā, ka tas noveco attēlu, Nospiediet ir pārsteidzoši biedējoša mūsdienu spoku izpausme, kas daudz efektīvāk izmanto Yūrei garu pazīstamo seju nekā daudz vairāk slavenu bāla sejas stalkeru attēlojumu.

48. Cīņas bez goda vai cilvēces (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasaku daudzdaļīgā noziedzības antoloģija ir Krusttēvs pacēla katru narkotiku zem uzlecošās saules. Brīvi no Kopolas perfekcionistu skaņdarba nereti valdošā strukturālisma, Fukasaku vardarbību filmē kā džezu, kad viņš gadu gaitā seko valdošajai noziedzīgajai ģimenei. Bieži ienirstot bez maksas hiperstilizētos leņķos un rediģējot, lai nodrošinātu viņa kinētiskās montāžas nemierīgo efektu. Kaut arī tam nav sarežģītas rakstura attīstības, tematiskas izšķirtspējas vai pat pamata garšas, ir kaut kas tik pūslīgi dzīvs Cīņas bez goda vai cilvēcības ka es nevaru to nemīlēt. Katra filma papildina pēdējo un kopīgi pārstāv populistu noziegumu kino zenītu 70. gadu Japānā. Mazais vispār varēja tuvoties.

47. Kvaidans (1964)

Masakai Kobajaši raksturīgā labi izstrādātā šausmu antoloģija Kvaidana ir kniedējoša niršana novecojušo japāņu teiku noslēpumā un ļaunprātībā, viduslaiku saknēs J-Horror asortēto šausmu parādību un neizbēgamo lāstu lomā. Japānas plaukstošajā šausmu skatuves nepastāvīgo žēlastības vai atelpas trūkumu šeit skar meistara roka, kā rezultātā veidojas vizuāli grezna dārgakmens, kas izdodas iedvesmot jaunu dzīvi satraucoši citādi datētiem stāstiem. Bez šaubu ēnas ir visskaistākā šausmu antoloģija, kāda jebkad radīta: izsmalcināta filmu veidotāja neatšķaidītai balsij skaļi un skaidri skanot, ka J-šausmas ir tas, par ko jābaidās. Desmitiem gadu vēlāk mēs joprojām esam iesprostoti tā viltīgajā tvērienā.

46. ​​Tokyo Drifter (1966. gads)

Degošā maverika Seujina Suzuki nosodošā popmākslas ģēnija šķēle, Tokyo Drifter aiziet kā salūts un piešķir vairāk stilistiskās priekšrocības, nekā pat šodien var apgalvot Kventins Tarantīno un Martins Skorsēze. Filmas ugunīgā ietekme īpaši iezīmē to rediģēšanu un pieeju darbībai - neatšķiras no tā, kā Goddard ir bezgalīgi pārmērīgs Bez elpas turpina veidot to, kā mēs griezām. Daudz mazākā mērā Suzuki gabals iekļaujas tik daudzos mūsdienu noziedzības kino rāmjos, taču tas ir spēcīgāks stila piemērs, kas atbrīvo visu vajadzību pēc būtības: tā ieroču spēle iziet kā uguņošana ar nežēlīgiem neona efektiem, kas ar katru krusa krāšņo sārtumu. šāviens. Izgatavojis horeogrāfs meistars spēles augšdaļā - Tokyo Drifter celulozes kino ir saviļņojošākais. Elektriska un joprojām liela jautrības muca.

45. Ugunsgrēku kaps (1988)

Virspusē Hayo Mijazaki universālās auditorijas pasaku apgrieztā versija, Ghiblian ikonas Isao Takahata godājamais Fireflies kaps stāv kā viena no visaugstāk novērtētajām animācijām, kas jebkad tapusi - smaga ar emocionālo svaru, kas radusies, meistarīgi izmantojot mediju. Šajā gadījumā: Fireflies kaps nebūtu tik vispāratzīts vai pat ievērojams, ja tas būtu risinājis minēto stāstu realitātes jomā. Takahata objektīvs tomēr ir uzzīmēts. Viņa attēlos tiek ievadīta elegance un nevainība, kas norāda uz bērnību, kas lieliski komplimentē viņa varoņu likteni. Kaut arī dažiem cilvēkiem ir pārliecība, ka tas notiek kā pārdomāts slēdzis, dažas filmas ir tik prasmīgi izmantojušas animācijas mākslu, lai graciozi akcentētu viņu vēstījuma spēku. Sāpīgi pretkara laikā Takahata izteiksmīgi elēģiskie vizuālie materiāli sāk pretrunā ar ārkārtīgi bēdīgo stāsta uzstādījumu: ļaujot cinisma dvesmai izbēgt no tā necaurlaidīgā estētiskā turējuma, kaut arī tam nav lielas sekas. Fireflies kaps ir spocīga un bieži skaista kara laika pieredze.

44. Samuraju triloģija (1954-55-56)

Režisora ​​Hiroshi Inagaki garšīgi pievilcīgā populistiskā sērija, kas ir izsmalcināta satriecoša izklaide, ir darbības un piedzīvojumu filmu veidošanas orientieris un, iespējams, izcilākā triloģija, lai apburtu apakšžanru. Toshiro Mifune tikpat izcila snieguma vadībā un ar nelielu nobrieduma skatienu, it īpaši pirmās filmas beigās, Inagaki salīdzinoši neuzskarošie un nesarežģītie stāstījumi tiek pacelti tikpat asā un aizraujošā kino darbības tvērienā kā 1950. gadi. jāpiedāvā. Viņa kameras kustība ir saviļņojoša, vadot aktierus ar mežonību un sparu, kas palīdz triloģijai pārvarēt tās stāstu sausās burvestības, pievienojot aizraujošu zobenu spēles secību. Tas nav nekas īpašs dramatiskā frontē, bet lepojas ar pietiekamu aizraušanos ar amatniecību un panākumu pārsteidzošu dvēseliskumu, lai attaisnotu tik augstu vietu. Būtiska skatīšanās piedzīvojumu kino cienītājiem.

43. Birmas arfa (1956)

Kon Ičikavas izrāviens par japāņu karavīra ieslīdēšanu valstī, kuru viņš kādreiz bija okupējis, un mēģinājumus atrast mieru pēckara pasaules sāpēs, Birmas arfa ir izpelnījies saprotamu kritiku par tā bieži notrulināto kara attēlojumu: vairāk dejošu vienību un vieglu sižeta punktu kustību nekā pilnīgs, aizraujošs laiks. Paradoksālā kārtā es domāju, kas palīdz Birmas arfa šo problēmu pārvarēšana ir sirds aiz tiem. Neskatoties uz bagātīgi kontrolēto stāstu stāstīšanu, Ičikava visā filmā aust skaistus attēlus, katru ainu greznojot vismaz vienā ierāmējamā tabulā, kas, vienlaikus veicinot viņa virziena statisko sofomorismu, efektīvi izdodas noskaņot garastāvokli - it īpaši tādā secībā, kur nāves vadīts karavīrus sagriež mīnmetēji, un mūsu varonis pamostas asiņainā līķu jūrā: Ar iedvesmotiem kadriem vairāk līdzinās satriecoši stingrajai Rembranta kompozīcijai nekā jebkurai regulārai kara laika lietai. Tas savā ziņā ir vienkāršots, bet vājums nekad neaizēno kolektīvo ietekmi, ko rada Ičikavas izgaismojošā fotogrāfija un pārliecinošais pazemīgums.

42. Neprāta lapa (1926)

Agrākais šī saraksta gabals, Ārprāta lapa ir klusā japāņu kino priekšstats par skanīgo estētisko balsi: gabals, kas ir informējis par ārprātu un sarosošo radošo dzirksti, kas deg to brīnumainākajiem viņu nozares darbiem arī mūsdienās. Tās patvēruma portretā trūkst kaut kāda līdzīga nianses vai dziļuma Titucut Follies vai pat Kāds pārlaidās pār dzeguzes ligzdu fiktīvā formā - tomēr šī 1926. gada pavērsiena pārspīlētais sasniegums ir plašāks Japānas pirmskara kino novērtējums ārpus dramatiskajiem titāniem, piemēram, Ozu, Mizoguchi, Yamanaka un Shimizu. Tas, kas mums šeit ir, ir viņu joprojām plūstošo kinematogrāfiski izaicinošo, stilistiski provokatīvo un tīši bīstamo darbu avots, kas ir vēl aizraujošāks, domājot par šo traģisko mākslinieku rīstīšanos.

41. Slēptais cietoksnis (1959)

Džordža Lūkasa bēdīgi slavenā mazā franšīze “Zvaigžņu kari” tika uzbūvēta pie Slēptā cietokšņa aizmugures, ar Jauna cerība nozaga visu, bet tas nokārtojās no šī ārkārtas piedzīvojumu stāsta. Ir kauns redzēt, kā šī “neoficiālā pārtaisīšana” tiek galā ar slepkavību, sasmalcinot Kurosavas kinoizrādi, ņemot vērā tā milzīgo sekošanu - jo Slēptais cietoksnis ir daudz vērtīgāks klasiskais kino, nekā Lūkasa sērija jebkad varētu apgalvot. Iepakots ar aizraujošu darbību, jautru raksturojumu un spēcīgu vizuālo izjūtu, kas pierasts pat Akira Kurosavas vispopulārākajiem centieniem. To visu paturot prātā, es par to nelūdzu Zvaigžņu karus - tikai vēlos, lai Kurosavas izcilais darbs tiktu turēts vienā elpā.

40. Cilvēka stāvoklis 2. punkts: mūžības ceļš (1960)

Masakai Kobajaši episkās triloģijas kaujas nokosts gabals Ceļš uz mūžību kalpo kā ievērojama japāņu kara laika epopeja, kas piemērota, lai apstrīdētu jebkuru Glābjot ierindnieku Raienu , ja ne gluži tikpat bīstami kā kaut kas līdzīgs Semam Fulleram Lielais sarkanais vai pat Tērauda ķivere . Tas saglabā netīro ētisko apsēstību Cilvēka stāvokļa 1. daļa: Nav lielākas mīlestības taču to izdodas balstīt ar viscerālu kaujas pieredzi un mērenu, konsekventu pieeju tās varoņiem, ko uzsver viņu dzīvība un nāve nāvējošā cilvēces vēstures daļā. Tāpat kā ar katru nākamo segmentu, Cilvēka stāvoklis nāk tuvāk un tuvāk sava vārda sasniegšanai un, kaut arī 2. daļa neapzinās šo mērķi - tā vismaz mēģina. Vairāk nekā mēs varam teikt par lielāko daļu jebkura tā laika filmu.

39. Varonīgā šķīstītava (1970)

Tūlīt nesaprotami, izteiksmīgi un vizuāli mulsinoši: Varonīgā šķīstītava ir ideāls grunts Yoshishige Yoshida izcilajai filmogrāfijai. Viņa krāšņi svešā estētika bieži dezorientē - katrs kadrs saliek mūsu attiecības ar telpu, katrs sagrieztais sadrumstalotais laiks nav līdzīgs trakojošajai atmiņai iedvesmotajam Alena Resnaisa stāstījumam - un, godīgi sakot, tiek veidots sižets Varonīgā šķīstītava jo īpaši patiesi grūti sekot un saprast. Viņa sadrumstalotais stāstīšanas paņēmiens vēl vairāk noslogo mazāk atvērtas auditorijas vēlmi iegūt pilnīgi saliedētu stāstījuma pieredzi, taču nenosakāmie prieki, kas slēpjas Josidas deformētajā pasaulē, taisnojas par viņu precedentu pār stingri strukturētajām sižetiskajām līnijām. Aprakstīt Varonīgā šķīstītava būtu neiespējami. Nerekomendēt to tikai savas neiespējamības dēļ - tas būtu noziegums.

38. Slepkavības nodomi (1964)

Šohei Imamuras drūmais triptihs no Cūkas un kaujas kuģi, slepkavības nodomi un Pornogrāfi trāpīja tā neapstrīdamajā pīķa centrā ar filmu, kas ar bīstamām detaļām vēro sievietes likteni, kas flirtē starp pazemojošām attiecībām ar savu vīru un nomocītajām attiecībām ar savu izvarotāju. Pēdējā pirmā tikšanās un tai tieši sekojošā aina ir skaisti kodolīgi piemēri tam, cik ļoti neglīta var būt Imamura pasaule - un kā cilvēku kontakts bieži var novest viņa varoņus līdz galējībām, daudzi, iespējams, mēģina diskreditēt kā nepieņemamus. Patiesībā, Slepkavības nodomi nežēlīgs, bet godīgs apspiešanas un kādas slimas brīvības izpēte, izmantojot miesas izteiksmi, izdodas atspoguļot tikpat precīzu ikviena no mums portretu, kas atrodas tajā pašā situācijā kā viņa labākās filmas.

37. Slepkavība (1964)

Masahiro Šinoda dubultizlaiduma gadā 1964. gadā paredzami redzēja divas no izcilākajām filmām, ko valsts vēl ir producējusi, no kurām pēdējā bija Slepkavība . Spilgts komforta mēroga piemērs, Slepkavība tematiski neambicio drāmu, kas no sava vienkāršā stāsta izvelk pietiekami daudz, lai to varētu aplūkot šajā sarakstā iekļautajās smalkākajās filmās: tikpat krāšņi apgaismotas un fotografētas kā jebkura 60. gadu vidus filma ar tikpat precīzu un spēcīgu darbību, kādu jūs varētu sagaidīt no Šinoda. Tas ir nepietiekami garīgā stāvokļa atdarinājums, jo visapkārt tiek atceltas un apslāpētas savvaļas baumas par mērķi, kas veido stāstījumu, kas neparedzamas nesaprotamības brīžos priecājas - ātri pāriet no realitātes uz pagātni, lai atstātu gan auditoriju, gan vairākas satraucošas iespējamo cilvēku grupas. slepkavas uz skuvekļa uzvaras uzvaras un pārliecinoši nāvējošas sakāves robežas.

36. Kailā sala (1960)

Kaneto Šindo stoiskais klusās lauku dzīves pētījums Kailā sala gandrīz nesatur runu dialogu - uzmanība tiek pilnībā novirzīta uz attēliem, lai pastāstītu savu stāstu vai, precīzāk sakot, radītu savu _ sajūtu. Šindo ikonoklastiskā pieeja filmu veidošanā rada dažas skaisti rezonējošas bildes visā viņa filmogrāfijā, bet, kamēr Onibaba un Kuroneko attēli uzlabo viņu stāstījumu mazās vizuālās iedvesmas kabatās - Kailā sala ir 96 minūtes nepieciešamas fotogrāfijas. Tas savijas kopā tā, lai liktu Bergmanim nosarkt, izkopt garastāvokli un ļaut tam uzplaukt kaut kam universālam un ietekmējošam. Klusums un bēdas, kuru Kaneto mazā salinieku ģimene piedzīvo katru dienu, gandrīz kā savādi optimistisks apgrieztais Bēlas Tarras Turīnas zirgs. Tas, kā tai trūkst šīs filmas saspiešanas spēka, Šindo tā vietā pārvēršas par rituālām cilvēka izturības svinībām un dabisko skaistumu, ko šāds piepūle var dot. Patīkama, apgaismojoša un neiespējami absorbējoša maza pieredze.

35. Branded to Kill (1967. gads)

Ja iepriekšminētais Sejiun Suzuki savu stila virsotni sasniegtu ar 1966. gadu Tokyo Drifter , filma, kuru viņa producenti bija tik ļoti apvainojuši, ka viņi saspieda viņa sekojošos attēlus ar stingrākiem budžetiem un izmantoja visas iespējas, lai viņš izmantotu krāsas, Zīmols nogalināt kļūtu par viņa radošo zenītu un par izcilu mākslas piemēru grūtībās. Vīrieša elektrificējošais magnum opus, Zīmols nogalināt seko slepkavam, kurš mēģina uzvilkt vēl nāvīgāku slepkavu, vienlaikus izšļakstot cauri leģioniem un zibensnovedēju romantikai. Tā mūžam asā, nezaudējot smalkumu, provizoriski sasniedz dramatiski vērienīgāku teritoriju un tomēr paspēj iesaiņot iestatījumus, kas pilni ar bezsejas ļaunumiem, lai mūsu anti-varonis varētu notriekt baros. Zīmols Kill’s stils joprojām izdodas meklēt nozīmi neatkarīgi no rezultāta, kas to iezīmē virs pārējās pakas.

34. Likteņa zobens (1966)

Rīcības maestro Kihachi Okamoto stilīgais pilots par skumji atcelto triloģiju The Doom of Doom ir galīgā kinematogrāfiskā katarse. Tas ir prasmīgi horeogrāfisks velnišķīgas zobenu spēles demonstrējums, jo vadošā leģenda Tatsuya Nakadai stājas pretī Toshiro Mifune un bezgalīga bezvārdu gunu bara, kas ir ellīgi noskaņots demonstrēt, cik nāvējošs var būt titulētais ierocis. Desmitiem cilvēku krīt pirms lāpstiņas, it īpaši krāšņi pārgalvīgajā neatrisinātajā pēdējā sižetā, un, lai gan veltījums stāstiem un raksturs labākajā gadījumā ir tangenciāls - atmosfēra un režisora ​​bravūra to visu izglābj no tā, lai kļūtu tikai par vēl vienu darbības izcelšanās spoli. Vērts redzēt to līdz rūgtajam, asiņainajam galam.

33. Hausu (1977)

Cik liels kompliments, kā kāds var maksāt dīvainu filmu, ir tas, ka tā paliek dīvaina. Daudzi no mums ir nodēvējuši kaut ko dīvainu, jo neesam nezinātāji, tikai secinot, ka tā it kā dīvainība nobāl, salīdzinot ar vēlākiem kinematogrāfiskiem atklājumiem. Tāds ir mūsu ceļš caur filmu - tāpat kā tas ir ļoti garlaicīgs veids, kā to pateikt Hausu ir pilnīgi garīga. Pastāvīgi tiek nomocīts dažkārt iedvesmots, bieži sarīvēts, bet vienmēr nenormāls fona rādītājs un piepildīts ar skolēnu ainām, kas cīnās ar turētajiem arbūziem, kuras apēd slepkavas klavieres un izbēg no drausmīgas fantoma kaķu elles, kas ir nolādēta, nolādot katru dvēseli, kas pārkāpj tās slieksni. Būtībā tā ir Ju-On bet ar pašapziņu un galvu reibinošu radošumu iet visu ceļu tikai uz stilu, atsakoties no fona mītusa sižeta, kas tik bieži marsu vajāja māju stāstus ar absolūtu uzticību reibinošai mākslai. Iegūtā pieredze ir krāšņa jautrības krāsns.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawa daudz reklamētais vecuma portrets, Ikiru darbojas kā pārliecinoša paralēle Ozu paša darbam ar cilvēkiem viņu ziemas gados - zaudējot savu minimālisma virzienu Kurosawa daudz tiešākajam, intensīvākajam darbam. Rezultāts ir perforators: vairākas ainas, kurās tiek aplūkotas kinētiskās atsauksmes, tikai pateicoties viņu attēlu stiprumam un klusumam vai skaņas pieplūdumam, kas tos pavada. Es domāju, ka Kurosavas balss dod maz jauna ārkārtīgi spēcīgajam kino kanonam par novecošanos un parasti nespēj sasniegt atklāsmes Meža zemenes vai Pulkveža Blimpa dzīve un nāve neskatoties uz to, ka viņiem salīdzinoši trūkst kinematogrāfiskā tūlītīguma, tomēr nekas no tā nemazina AK darbu satriecošo rezonansi šeit.

31. Neredzīgais zvērs (1969)

Nesalīdzināms jutekliskuma un fiziskās būtības izpēte, Akls zvērs izseko attiecības starp neredzīgo vīrieti un sievieti, kuru viņš gūstā ieslodzījis darbietilpīgi veidotā labirintā, kas paklāts ar cilvēka formas skulptūrām - ar sienām, kas apsegtas acīm un lūpām, kamēr grīda ir noklāta ar nepieejamu ekstremitāšu mudžekli. Tas ir sirreālisms un intriģējošs priekšnoteikums, kas nav logs uz patiesi blīvu tematisko pamatu, lai gan režisoram Jasuzo Masumuram izdodas daudz labāk iekāre un ilgas sakārtot attiecības nekā nemitīgā neveiksmes nazis Nagisa Oshima tik bieži paslīd un sagriež sevi. Lai iegūtu vairāk apcerīgu rakstu par seksualitāti, Yoshishige Yoshida ir būtisks mākslinieks, taču noliegt Masumura pilnīgi unikālo redzējumu šeit būtu krimināli, neatkarīgi no tā, ka tam nav būtības. Tā vietā viņš piepilda savu filmu ar krāšņiem komplektiem un sāpošām sajūtām, kas ķeras pie varoņiem. Stilistiskajā priekšā Akls zvērs absolūti planē.

30. Cilvēka stāvoklis 3. punkts: karavīra lūgšana (1961)

Masakai Kobajaši graujoši spēcīgais noslēgums viņa desmit stundu triloģijai, Cilvēka stāvokļa 3. daļa: karavīra lūgšana kalpo kā kulminācija visam, ko Kobajaši ir izstrādājis visā laikā, vienādās daļās, kas ir iespaidīgi un pārspīlēti, tāpat kā ar citiem gabaliem. Žēl, ka sērija nekad nav līdz galam pārvarējusi ne pārāk garo grāmatas garumu, ne arī piespiedu humānismu, kas laiku pa laikam var apstulbināt tā režisora ​​citādi spēcīgo veidolu: Tomēr bez šiem sastingušajiem mirkļiem mēs nekad nebūtu tikuši apdāvināti ar milzīgu skaisti realizētu kolekciju. ainas, kas būtu varējušas radīt šedevru visi paši. Kareivja lūgšana nav smalkāks par tā priekšgājējiem, tomēr šī sajūta par Kobayashi darbu karājas kā nogurusi rītausma - vēlas jauno dienu pavadīt ar atjaunotu Japānas filmu industrijas krājumu. Gan spēcīgs episkā kino triumfs, gan, vēl svarīgāk, pēdējais solis cauri slavas vārtiem, kas Kobajaši deva bagātīgu māksliniecisko brīvību nākamajā desmitgadē. Rezultāts ir, kā redzēsim, vairāk nekā pāris stundu prakses vērts & hellip;

29. Divkāršā pašnāvība (1969)

Satraucoši drausmīgs radošā procesa izpēte, Divkārša pašnāvība redz koka leļļu spēli, kas iestudēta ar nolūku, ka tās divi vadošie elementi beidz sevi atdzīvināt - ar ēnainām figūrām, kas pavada skatuves, lai turpinātu savu izspēles stāstījumu. Drudžaini biedējoša pasaka, kad fasāde nokrīt un tās murgainie leļļu mākslinieki izveic savus nākamos gājienus - bieži vien kopā ar Masahiro Šinodas pārvietojamo kameru morfē kopas, lai izveidotu šausmīgi savērptu telpas izjūtu. Ārpus tās daudzpusīgās mākslinieciskās ierīces sižets Divkārša pašnāvība ir samērā parasts un neatrod dziļu pamatu, bet tas varbūt ir tas, kas nodrošina tā panākumus: Šinodas rūpīgā pārbaude viņa paša radošajā blokā, kad nevēlamās dēmoniskās rokas velk savas redzes malas, lai padarītu to precīzāku, kā arī izsit no sliedēm nodomi pilnībā. Vai tas būtu viņa iekšējo cīņu pārstāvis, vai darbaspēks, ko direktors nespēj koordinēt - divējāda iedomība Divkārša pašnāvība pārsniedz savu viduvējo fabulu par kinematogrāfisku pieredzi, kas pelnījusi 50 labākos un vairāk nekā piemēru Masahiro Šinodas kā filmas veidotāja kolosālajiem talantiem.

28. Gredzens (1998)

Tā kā nedaudz līdzīgi Ju-On nosmakst zem sava vakanta noguruma, Ringu ’s tukšums ir tā nāvējošākais ierocis. Režisora ​​Hideo Nakatas sūcošā klusuma jūra caurstrāvo un iebrūk katrā garāmejotajā ainā, katru troksni izceļot ar paaugstinātu baiļu izraisītas personas intensitāti, kas pulsē ar adrenalīnu - lai cik ikdienišķa aina būtu. Un tik nozīmīgi skaņas skaitītāji, piemēram, tālrunis zvana šķēlei cauri klusumam ar bezkompromisa mežonību. No tā nevar aizbēgt Gredzens jebkurā prāta stūrī. Neatkarīgi no tā, kur jūs skrienat - tiklīdz jūs sasniegsiet spēli, jūs tikai pagarināt neizbēgamo. Galu galā, kas var būt šausminošāks par nāvi, ko apstiprina mūsu pašu neizbēgamā ziņkāre?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Šindo Kuroneko jūtas kā burbuļojošs šausmu filmu kompozītu mirāža, kas sastrādāta pilnīgi dēmoniskam redzējumam par absolūtu murgu. Sarežģītā morālā dilemma, kas virmo zem virsmas, ir jauna pieeja tiem neapturamajiem gariem, kurus Japānas šausmu mediji ir darījuši zināmu jau no paša sākuma - veidojot patiesu stāstījumu, kas pārvar Shinoda agrāko raupjumu. Onibaba veidot kaut ko īpašu. Tas ir vilinoši nošauts, estētiski saistošs darbs, kas, neraugoties uz subjektu saru niknumu, pārceļ plaisu starp realitāti un draudīgu fantāziju ar izteikti līdzjūtīgu aci. Ne tikai galīgā J-Horror filma, bet arī pasaules dramaturģijas klasika sešdesmito gadu beigās.

26. Spirited Away (2001. gads)

Animācijas veids, ar kuru var pilnībā konkurēt, ir maz Garīgais prom , vismaz radošā nozīmē. Filma ir pārslogota ar satriecošu unikālu dizainu un neaizmirstami izstrādātu varoņu jūru, kas visi kustas un runā tikpat izteiksmīgi kā galvenie. Detalizētais visums, kuru Hayo Miyazaki izdevās izveidot, manuprāt, ievērojami atsver viņa darba raksturīgo nepāra stāstu un tempu, kas nav līdzīgs Akira ar to, ka tas progresējot lec uz priekšu un atpakaļ pēc nejaušības principa, lai iegūtu cita akta materiāla vērtību; kaut arī bezrūpīgas briesmas Garīgais prom nonāk pie tā, ka vismaz ļauj nedaudz ilgāk iemērkt tās spilgtos darbus.

25. Nāve karājoties (1968)

Es šajā sarakstā esmu uzņēmis niecīgas piezīmes atzītai režisorei Nagisai Ošimai un saprotu šādas nostājas infantilitāti: Bet es to daru tikai tāpēc, ka šis patiesi talantīgais režisors tik bieži tiek noslīcināts obsesīvi pārmērīgi ekskluzīvā kinematogrāfā. Imamura salīdzinoši konfrontējošā agrīna darba virkne ir efektīva cilvēka emociju komentāros, taču, tā kā Oshima ir tik maz atstāta iztēlei, es sāku ticēt, ka nekas nav aiz nomākta nepietiekams darbs. Tas ir, sakot, izņemot 1968. gada izcili dīvaino Death by Hanging. Stāsts par izpildītāju, kurš atsakās mirt, Ošima izmanto savu nežēlīgo, bet tomēr uztverošo objektīvu, lai izceltu daudzus sociālos jautājumus, valdības neveiksmes un cilvēku izpausmes - to visu iesaiņo nepārtraukti jautrā farsiskā komēdijā ar pārliecību par sevi, ka filmas veidotājs tik bieži kā Oshima iepriekš šķita tik tālu. Ne agrāk, ne kopš tā laika viņam ir izdevies pielīdzināt šo iedvesmoto šāvienu ar nāvessodu, kas ir kauns, bet vismaz mēs redzējām viņu vismaz vienu reizi planējam.

24. Bēglis no pagātnes (1965)

Tomu Uchida ’s Bēglis no pagātnes ir, vārdu sakot, izņēmuma. Pietiekami kompetenta režisora ​​izdzīvojušās filmas ir vienkārši nesalīdzināmas ar šeit demonstrēto darbu, runājot ar kaut kādu serendipītu zibeni pudelē, kad Učida bija apdāvināts ar īsto stāstu, lai izpildītu viņa kā mākslinieka solījumu. Bēglis no pagātnes izskata vardarbību un sevis radītas skumjas tādā veidā, kā dažas filmas var salīdzināt gan ar laika smiltīm, kad tās līst, gan vairāk varoņu tuvojas dievišķā atlīdzības sniegšanai mūsu varonim - unikāls izaicinošs raksturs abiem saknēm par vai pret kā pret viņš mēģina izvairīties no asiņainā vardarbības ceļa, kuru viņš savos pirmajos gados izgāza caur Japānu. Es to uzskatu Bēglis no pagātnes ir tik viennozīmīgi spēcīgs un, iespējams, pat dziļi apņēmīgs savā rezolūcijā, ka man nav jāsaka nekas cits, kā, protams, lai to redzētu pēc iespējas ātrāk.

23. Pitfall (1962)

Hiroshi Teshigahara pārsteidzošā debija debijā, Pitfall apvieno žanrus ar vecāka gadagājuma maģistra pārliecību un precizitāti, vēl mazāk - režisora, kurš iepriekš tikai ir strādājis ar dokumentālajām filmām. Kaut arī viņš nedaudz cenšas saglabāt savu stāstu saistošs visas 97 minūtes, ko Pitfall piedāvājums ar tā stāstījuma izpildi atsver visus jautājumus. Spēlējot mūsu realitātes uztveri, sajaucot slepkavas, fantomus un sirreālus attēlus - Pitfall bieži ir drausmīgs, jo tā daudzie varoņi izmisīgi cenšas atvairīt savu neapturamo uzbrucēju: Normāls vīrietis, kas ietērpts baltā uzvalkā, vicinot slēdžu. Teshigahara šausmīgā slepkavas cilvēcība darbojas kā pirmais no daudziem sociālajiem komentāriem, kurus viņa darbi veido tikai pēc tēla, nekad neziedojot laiku vai uzticamību, lai virzītu punktu uz mājām. Nav kreiso noslieci, Pitfall saglabā savu spēku kā mokoša kino pieredze: piedaloties vairākos šokējošos sižetos, kas runā par Teshigahara metodes skaidrību un prasmi, viņš injicē pat visvienkāršākos mirkļus ar plašu emociju klāstu, kas tik brīvi dejo apkārt viens otram - pielāgojot humoru līdz šausmām sirdsdarbība. Dažas debijas ir tikpat rūpīgi apzinājušās sava meistara karjeras ceļu.

22. Tokijas krēsla (1957)

Yasujirō Ozu pēdējā melnbaltā filma, Tokijas krēsla nodevas kā gan konteksta elegance vīrieša vienkrāsainajos izbraucienos, gan arī, iespējams, viņa drūmākā iezīme. Ozu ievērojamā novirzīšanās no paša 360 grādu likuma tā vietā, lai sēdētu aiz rakstzīmēm, viņu drūmās sejas, kas aizstātas ar pārmērīgi tukšu, aukstu matu galvu, ir meistarīga atkāpšanās no viņa raksturīgākās saistības ar bloķēšanu un kompozīciju daudz drūmākai lietai - viens viņa atspulgs galveno spēlētāju nepiekāpīgais stāvoklis. Tokijas krēsla ņem norādes no Hollywood noir ar savām ieilgušajām ēnām un dubļainajiem, nepilnīgajiem posmiem, lai radītu visumā nepiedodamu, galu galā bezmērķīgu kino pasauli, kas skarbajās emocionālajās paralēlēs ietekmē mūsu pašu sabiedrību, nevis nesamērīgu distopiju, kas ar laiku noteikti zaudētu spīdumu. Izcils, ļoti nepietiekami aizsegts dārgakmens.

21. Eureka (2000)

Garākā viena saraksta filma šajā sarakstā S Eureka stiepjas uz s - un es uzskatu, ka būtu nepiedodami atklāt kādu no tās sižeta līnijām. Pat visbagātāko gadu pēdējā kino atmiņā, Eureka joprojām ierindojas starp izcilākajiem 2000. gada un pat visas desmitgades triecieniem: svinīgs, vizuāli uzkrītošs un unikāli & hellip; Japāņu skumju portrets. Tikai šādā valstī šādu atturību un melanholiju ietekmējošu cilvēku varēja apvienot ar taustes humora, vieglprātības un neapzināti apsveicama absurda plūsmu - tas viss bija ieausts cilvēka emociju svārstīgā gobelē, kas gluži vienkārši ir jāredz. Neizlasiet nevienu kopsavilkumu - neieskatieties tajā - vienkārši redziet Eureka .

20. Atriebība ir mana (1979)

Režisors Šohei Imamura ir nepiedienīga kino pārspīlēta figūra. Viņa tumšie, sabojātie varoņi un konfrontācijas uzlādētās situācijas izsaka nekaunīgu aizraušanos ar cilvēka dvēseles samaitātību. Atriebība ir mana Mana transponē Ryūzūo Saki stāstu par sērijveida slepkavu no dzīves Akira Nishiguchi ar mokošu izsmalcinātību: dziļi vardarbīga, sociopāta un tomēr nekļūdīgi reāla cilvēka parādīšana ar visām mūsu īpatnībām, kas izceļ viņa amorālās iznīcināšanas ligzdu. Imamura temps ir pretrunā ar plūsmu, kā tas ir paredzēts, bet es uzskatu, ka šajā gadījumā stāsts garantē ilgāku darbības laiku un galu galā sniedz tik viennozīmīgi metafizisku izšķirtspēju tik brutālam darbam - aicinot uz vēju un pašu zemi pieņemt savu pēdējo spriedumu.

19. Jojimbo (1961)

Rīcības kino sfērā maz patīk, kā mums patīk Jojimbo . Kurosavas pievilcīgais vadmotīva pielietojums iedvesmo viņa varoņu soli un darbojas, kā arī sekmējot spriedzi, kā arī jebkurus Morricone rādītājus. Asās darbības secības nedaudz notrulina slinks skaņas noformējums un publiskās strīpas novērtējums - kaut kas patīk Likteņa zobens un Slepkavība nav problēmu ar to, bet tas, ko tā sniedz apmaiņā, ir nepārtraukti komēdija par Red Harvest - Mifune pamatu, izrādot klasisku priekšnesumu, kas trūkst ar fizisku personību un asprātību, darbojoties kā pamatakmens, kas neapšaubāmi ir vislabākais taisni jebkad uzņemta asa sižeta filma.

18. Klausīšanās (1999)

Klausīšanās ir filma ar drudžaini precīzu sava tona kontroli. Pretējā gadījumā trāpītais un palaistais garām Takashi Miike ir padarījis savu vārdu vaļīgas, reizēm auglīgas karjeras aizmugurē, kas atdzīvinājusi tādus pamatklasikālus kā, piemēram, Apmeklētājs Q un Acs - bet maz par viņa režijas stilu ārēji norāda pārliecību un asas prasmes, kas nepieciešamas, lai kaut ko tik pārdroši savērptu kā Klausīšanās . Daudz nobriedušāks nekā jebkurš apkārtējais darbs, Miikes opuss efektīvi pēta vienkāršu pieņēmumu: katru maigo brīdi sabojā ar sirsnīgi drūmu paleti un drausmīgu tempu, kas nosaka katru skatu uz skuvekļa malas, ja kaut kas notiek šausmīgi nepareizi. Klausīšanās pārstāv šī bezgalīgi apbrīnojamā japāņu komforta hipnotizējošo virsotni ar žanra filmu veidošanu: tās kristāldzidrā mīklas atšķetināšana līdz transcendentāli šokējošam efektam. Redzēt ir ticēt.

17. Skrējiens (1985)

Kurosavas slavenākā Šekspīra adaptācija - ja tāda, kas, manuprāt, atdodas pārāk daudz augsnes tās iedvesmai. King Lear ir nevainojams raksts, bet uz ekrāna tas atpaliek no gausas malšanas, kas nespēj atgūt satriecošo sajūtu, kas ir pirmās 85 minūtes. No sākuma līdz neaptverami dziļai aplenkuma secībai - Skrēja ir meistardarbs: Kino mākslinieciskuma šķēle, kurai Kurosavas vairāk nekā iespaidīgajā daiļradē nav līdzības, un neapšaubāmi top 10 apavus. Bet pēc šīs meistarīgi apstrādātās uzkrāšanās un atmaksas Kurosawa turpina stāstu par karali Līru tādā veidā, kas sūcas garlaicīgi - nevērīgs un plakans, neraugoties uz perfekti spēlētās ļaundares Lēdijas Kedejas centieniem. Tas ir patiess kauns Skrēja izšķērdē tik daudz potenciālu, manuprāt, uzticamībai - bet vismaz pirmās puses kvēlspuldze deg pietiekami gaiši, lai nodrošinātu vietu 20 labāko vidū.

16. Princese Mononoka (1997)

Hayo Mijazaki tumšās fantāzijas pievilcība nekad nav bijusi īpaši sarežģīta. Jebkura filma ar ziņojumu parasti to neizdod izsmalcināti un, kā Orsons Velss tik trāpīgi izteicās: “To varētu uzrakstīt uz piespraudes galvas”. Neass un klajš ziņojums par Princese Mononoka tomēr sirdī zvana nedaudz patiesāk nekā prātā. Mijazaki rūpīgi izveidotā plaisa starp vīriešiem un monstriem rada aizraujošu salīdzinājumu ar to, kā senie cilvēki redzēja mūsu pasauli, un kā nenovēršamais viņu civilizāciju sabrukums kādu dienu varētu atspoguļot mūsu pašu. Tās varoņu mistika un mistika ir pamats, kas ļauj Mononoke pārvarēt tradicionāli garlaicīgo ziņojumu filmu slazdus - bez vārda ieslīdēt visur esošajā caurspīdīgajā rindā, katra darbība tai piešķir gravitas un to darot, pastiprinot ekrānā redzamā kino ietekmi. Šeit apskatāmās savstarpējās attiecības runā par Hayo Mijazaki dziļu talantu kā filmu veidotāju - un ka viņa darbs ir vairāk nekā žilbinošs radošums, kas sacelts nemieros.

15. Rudens pēcpusdiena (1962)

Es domāju, lai es varētu komentēt Rudens pēcpusdiena , būtu izšķērdēt elpu, ko es jau esmu iztērējis, pārbaudot filmu, ko Ozu izveidoja vairāk nekā desmit gadus iepriekš, un viņš šeit faktiski pārtaisīja savu pēdējo filmu. Rudens pēcpusdiena ir tikpat elegants, smalks un melanholisks - spēj attīstīt vairākus pirmajā filmā izvirzītos jēdzienus un tos paplašināt. Tas novirzās no dažiem oriģināla elementiem, lai koncentrētos uz citām idejām, ļaujot izcilam māksliniekam reti izspraust līdzīgus dziļumus vienā un tajā pašā veidnē. Ozu visu savu karjeru pavadīs, veidojot ļoti līdzīgas filmas, tomēr katru reizi izdodoties mīnēt jaunas cilvēku mijiedarbības jomas un producējot dažas no izcilākajām jebkad uzņemtajām filmām. Atstājot modē tik godājamu mantojumu, vīrietis varēja beigt savu skrējienu kā vien vēlējās. Rudens pēcpusdiena ir ideāls tuvu viņa mirdzošajai daiļradei.

14. Asins tronis (1957)

Meistarīga adaptācija, ja tāda kādreiz būtu bijusi , Asins tronis paņem Šekspīra nepārspējamo Makbetu un vilto mākslas tekstu, kas pats par sevi stāv. Toshiro Mifune kontrolētā, postošā cilvēciskā nolaišanās slepkavīgajā ārprātā joprojām ir viena no vīrieša izcilākajām lomām - un pats Kurosava savu filmu atzīmē ar izciliem attēliem, kas gandrīz neatbilst savam režisoram, kurš nav atkarīgs no centralizētās ikonoklastiskās prakses. Tomēr tas ir Asins tronis tas padara to tik masīvu. Tik aizraujoši un pārdabiski. Klimatiskais uzbrukums redz vienu no labākajiem varoņu secinājumiem, kāds jebkad ticis filmēts, un cementē to kā mākslas darbu, kas kaut kādā veidā apiet vecāku lugas uzspiedošo ēnu.

13. Tokijas stāsts (1953)

Runājot par pagājušā gadsimta piecdesmito gadu orientieriem, ir maz filmu, kas tik nenovēršami vedina jūsu kā filmas veidotāja vēlmes Tokijas stāsts . Mirdzoša Yasujirō Ozu nevainojamās filmogrāfijas virsotne, kas vienmēr ir labākā, tā ir filma, kurā tiek izmantota atbruņojoši vienkārša kinematogrāfiskā valoda, lai panāktu pīrsingus, intīmus efektus. Publika tiek apsēdināta kopā ar varoņiem - klusiem ceļotājiem pie ģimenes, kas lēnām izslēdz no dzīves pakāpeniski degradējošo vecāko paaudzi. Ozu ļauj visiem saviem varoņiem izteikt balsi, sastāda elegantus un iespaidīgus atklāsmes mirkļus un tikai vienu reizi uz visām 136 minūtēm pārvieto savu kameru. Nav objektīvas “lielākās” vai pat “lieliskās” filmas, bet tiem no jums, kuri izvēlas, ko skatīties, pamatojoties uz šādām vietnēm, man jāpiebilst, ka Tokijas stāsts ir visaugstāk novērtētais Rotten Tomatoes darbs ar neticamu 9,7 vidējo rādītāju. Pietiek, lai teiktu, ka tas ir pacietīgs, refleksīvs skatījums uz dzīvi un vecumu ir aizkustinājis daudzus neizmērojami - un garantē, ka ikviens, kurš lasa šo sarakstu, dod sev iespēju.

12. Ugunsgrēki līdzenumā (1959)

No Kon Ichikawa, kas, iespējams, ir vispievilcīgākā humānisma figūra pēckara japāņu kino, Ugunsgrēki līdzenumā stāsta par vienu vīrieti, kurš zaudēts zaudējumu cīņā Otrā pasaules kara karstumā. Tā ir filma, kas ir drosmīga savā vientulībā un attēlo kara laika situācijas brīvā ainavā, kurā nav dzīves, un kurā ir daudz baiļu tukšuma. Katrā stūrī ir vēl viena Odisejas figūra, kas paredzēta vai nu mūsu iznīcinātā varoņa pavadīšanai, vai iznīcināšanai. Un tāpat kā Homēra episkajā dzejolī, Ičikavas tvēriens plašākai ainai rada blīvi emocionālu pasauli, kurā mūsu varonis ir mīklu gabals, kuru pārvieto un motivē ģenerāļi tālu no priekšējām līnijām. Tā ir filma, kas plosās savā izolācijā, pazūd no mājām un ko izdzīvošanas terors virza uz amorālām darbībām. Meistarīgs darbs, ko veica dīvains, bet tomēr svarīgs nozares darbinieks pagājušā gadsimta piecdesmitajos gados.

11. Samuraju sacelšanās (1967)

Masakai Kobajaši drāmas galvenais spēks ir tas, ka viņš ļauj tai sautēties gandrīz vai pie vainas. Viņa skrupulozās kompozīcijas un nevainojami savlaicīgā rīcība arvien ciešāk riņķo ap centrālo konfliktu - izžūstot katru elpošanas telpas centimetru, kamēr atliek tikai nepieciešamība rīkoties - pamatā ir viņa varoņu pastāvīgi morāles ideāli. In Samuraju sacelšanās , pats akts ir pie rokas pat izlasot virsrakstu, bet vīrietis to spēlē katru otro reizi - smeldzošām auditorijām ar sīku vērpjot pretī pirmajam izvilktajam zobenam, pirms beidzot atrisinājies rūgtajā, nežēlīgajā un galu galā asiņainajā lietā, kas turpinās ar nožēlojamo. stingrība Kobajaši ir tik veiksmīga: nesalīdzināma spēja gan konstruēt savu varoņu situācijas galīgo neizbēgamību, gan arī iejusties viņos ik uz soļa. Samuraju sacelšanās laikā šis selektīvais humānisms sasniedz visdziļākās virsotnes un apprecas ar viena no Japānas izcilākajiem māksliniekiem karjeras kulmināciju.

10. Eross + slaktiņš (1969)

Starp visiem Jaunā viļņa režisoriem, kas ir sinonīmi psihoseksualitātei, neviens nekad nav atbildis saviļņojoši drošajam Yoshishige Yoshida velnišķīgā radošuma labirintam. Turpretī Ošima un Imamura tikai vicinās ar vieniem un tiem pašiem subjektiem, viens pārliecinošāk nekā otrs, un tikai Kiju ar tik apbrīnojami kinematogrāfiskām bravūrām izdodas izurbt savas eksistenciālās kontemplācijas būtību. Nē, kur ir šī uzmundrinošā psihoseksuālā stāstījuma un tās piesauktās estētikas meistarība Eros + slaktiņš , Yoshida episkā 215 minūšu Avangarda līdzība, nesaprotama redzes, skaņas un taustāmu pieskārienu eiforija…

9. Mans kaimiņš Totoro (1988)

Mirkšķinot bērnības burvību, mans kaimiņš Totoro ir bezgalīgi priecīga filma. Es to tikko beidzot atklāju 18 gadu vecumā, bet tas ir neticami skaistums un spēja brīnīties, kas mani atkal aicināja uz jaunāku prātu - vai varbūt vienkārši mazāk cinisku. Bieži vien smagā cilvēku pieredzes nasta liek mums pieprasīt eskapismu vai tieksmi pēc pastāvīga reālisma, bet tas, ko Totoro dara, paceļ to virs jebkuras citas animācijas, kas jebkad izveidota, ir pilnībā ignorēta auditorijas vēlmes un iepazīstina ar stāstu, kas tā vietā ļauj nākt pie tas ir pievilcīgs ar savu sulīgo vizuālo noformējumu, atlecošajiem varoņiem un slēpto dabas dārgumu atklāšanu līdzās vadiem. Tā vietā, lai uzrunātu bērnu, kas mēs kādreiz bijām, Totoro ļauj sev izmantot plašāku piedzīvojumu un cerību sajūtu, kas ieguldīta mūsu planētas dziļākajā noslēpumā. Atlīdzība par šādu ticību ir mirdzošs Japanimation dimants: Gaišs, universāli kustīgs un absolūti būtisks.

8. Cita seja (1966)

Drausmīgi laikmetīga mūsdienu dzīves diagnoze, izmantojot klusi trenētos tumšās fantāzijas krustiņus, Cita seja pēta izkropļota vīrieša pieredzi pēc tam, kad viņa brīnumainā jaunā seja sāk nomākt viņa veco personību. Teshigahara darbs vienmēr ir pietiekami niansēts, lai tas varētu parādīties rokas stiepiena attālumā, vienlaikus klusi raustot zem skeleta pirkstiem, un viņa 1966. gada meistardarbs ir vistuvāk viņa patiesās būtības atklāšanai: Režisora ​​draudīgo kompozīciju un krasu šausmu attēlu atrašana tieši metropolē un skatīšanās uz tās pilsētu bezdibenis ar to pašu atdalīto redzējumu, kas desmit gadus vēlāk tik spilgti atdzīvināja Trevisu Biklu taksometra šoferī. Darbs, kas tajā pašā gadā sāncensis Personu un aptumsuma sekundes par izaicinošo vēlmju, personības un identitātes provokāciju - Cita seja ir vitāli svarīgs kino: Tešigahāras metodes un darba izcilais triumfs tik cieši savīts savā nevainojamajā idejas un atmosfēra būtu noziedzīgi atklāt vēl kādus tās noslēpumus. Paskaties pats…

7. Rašomons (1950)

Viens no maniem personīgajiem vārtiem uz pasaules kino, Akira Kurosawa’s Rašomons ir kļuvusi tik neatņemama kinematogrāfiskās kultūras sastāvdaļa, ka tā ir uzsākta valodā, lai aprakstītu tās varoņu psiholoģisko efektu. Katrs no viņiem sniedz pretrunīgu liecību par šausmīgu izvarošanu / slepkavību. Kurosawa vitalitāte tiek parādīta pilnībā, un tās ir novatoriskas kameras metodes, piemēram, šaušana tieši uz sauli un plīvurošana to caur lapotnes putru, lai katra ainava mežā būtu tikpat abstrakta kā tās kolēģe tiesā. Atbruņojošā vienkāršība Rashomon’s neatvairāms sižeta āķis ļauj komentēt cilvēka patiesību, tikumību un bagātīgi kinematogrāfisko pieredzi, kurā redzami slavenie Kurosavas niknie zobenprakti. Rashomon apkaimē ir maz ko pielikt, ja vien tas turpina justies gadu desmitiem pirms sava laika. Var tikai iedomāties sensāciju, ka šo ceļu redzēsim jau 1950. gadā.

6. Harakiri (1962)

Harakiri ir apmēram tikpat spēcīga, cik filmas iegūst. Režisors Masakai Kobajaši, atklājot apmēram tikpat ietekmējošu kadru kā varētu iedomāties, izstrādā fenomenu, kas joprojām ir viena no visu laiku visvairāk slavētajām filmām: ierindošanās starp visvairāk perfekti novērtētajām filmām lielākajā daļā lietotāju vietņu, neskatoties uz to, kas man bija pirmais pieņem, ka pievilcība samazinās. Tas ir rūpīgi pacietīgs, viltīgi iedvesmots Japānas goda kodeksa pētījums - joprojām sāpoša brūce pēckara 1962. gadā, pie kuras Kobajaši vēršas ne tikai kā tautietis, bet arī kā cilvēks. Katrs asins piliens izlija Harakiri runā par mākslinieka mokošo naidu pret nāvi un vardarbību: Gandrīz tā, it kā viņam sāpētu likt uz ekrāna šādu nežēlību. Mūsdienu pasaulē šāds pārliecinoši cilvēcisks virziens ir dievišķs, lai redzētu, un darbojas kā atslēgakmens filmas noslēgumam. Bez visu iesaistīto cilvēku uzticības, Harakiri būtu aizmirsts kā vēl viena triks drāma, cieši izstrādāta, bet citādi pazemīga. Harakiri šodien sēž šeit, jo Masakai Kobajaši rūpējas vairāk, nekā jūs varētu iedomāties, un es domāju, ka tas savā asajā, svētlaimīgajā elegancē atrodas starp 60. gadu izcilākajām filmām.

5. Septiņi samuraji (1954)

Visuzslavētākā filma, kāda jebkad iznākusi no Japānas, Septiņi samuraji uz nesēja nodedzināja neizdzēšamu zīmi un joprojām sakņojas mūsdienu darbības kinoteātrī. Kurosavas lietus piesātinātā daudzkameru kulminācija vēl neaptumšo Rana pils aplenkuma pravietisko bagātību, taču tā turpina informēt par veidu, kā mēs sadalām darbības secības, pat ja mūsdienu redaktori varētu nepamanīt tā ietekmi. Tālu virs tā ilgstošā kultūras spēka slēpjas Seven Samurai pārliecinošais raksturojums: izveidot visu bagātu personību pasauli, kam ārkārtīgi palīdz Kurosavas pedantiskā metode, lai tā tiktu paplašināta pat līdz mazākajai daļai, lai padarītu viņa redzējumu par feodālo Japānu pēc iespējas aizraujošāku. Šis meistarīgās darbības un spožā stāstījuma būtībā izveidotais tīģelis rada pamatīgu kino gabalu, kas ietekmē, elektrificē un galu galā atstāj mums tikpat drosmīgu un spēcīgu filmas beigas, kādu es jebkad esmu redzējis. Pelnīts štāpeļšķiedrām uz starptautiskā kino panteona.

4. Bāla puķe (1964)

Ja nebūtu tikai divi vārdi, kas izkaisīti lielisko japāņu filmu sarakstā, nosaukums Masahiro Shinoda nebūtu ielecis desmit pēdu attālumā no šī saraksta. Ņemot vērā viņa ieguldījumu lielajā japāņu kino, kas ir raudošs kauns, un domāt, ka šāds meistardarbs ir gandrīz izvairījies no pētniecības, nozīmē kaut ko pateikt par to, cik daudz filmu šeit lūdz no jauna atklāt. Slavēts par atbrīvošanu un klusi izlaists Criterion Collection, Bāli zieds ir viena no visu laiku izcilākajām kriminālfilmām. Vienkārši vērojot spēlmaņa un viņa jauniegūtās mīlestības nonākšanu izmisuma izraisītajā degradācijas un bezkaislības spirālē - tas joprojām ir viens no drosmīgākajiem, redzamākajiem darbiem, lai izvairītos no Japānas Jaunā viļņa lūpām: kadru vienu līdz galam, un tas nodrošina tikpat pārpasaulīgu kino efektu kā jebkurš mazāk ekstrēms Ozu vai Kurosavas darbs. Shinoda nekad netiks turēts kā viens no izcilākajiem, vismaz plašākā sabiedrībā, bet es vismaz ceru, ka cilvēki vismaz tiek mudināti atklāt viņa kino no šī kriminālās pilnības tīģeļa: darbs tikpat neapstrādāts un bez ķēdes kā pārmērīgas pretkultūras pārmērīgi stimulētās rosības un vienlaikus tikpat smalkas un kontrolētas kā jebkura filma, ko es jebkad esmu redzējis. Tās rūpīgais, brīnumainais un neapzināti nepamanīts. Izlabojiet to.

3. Sieviete kāpās (1964)

Ja Kiju Josida un viņa Eros + slaktiņš ir augstas mākslas psihoseksualitātes čempions, tad Hiroshi Teshigahara Sieviete kāpās ir mīts salīdzinājumā. Pārņemts no ilggadējā līdzstrādnieka Kōbō Abe svinētā avota romāna, tešigahāras gandrīz ļaunprātīgā metode šeit ir gan visžēlīgākā, gan spīdzinošākā. Apslāpētās cilvēces blāvās gaismas spīd cauri mainīgajām smiltīm, kas ieskauj mūsu abus bēdīgos varoņus - cilvēkus, kuri saviļņotās izdzīvošanas dēļ ir spiesti atrasties pirmatnējā stāvoklī. Patiešām Sieviete kāpās , izturība ir iesniegšana. Nekas nav svēts. Neviens nav pasargāts no gandrīz ne visur esošo ciema iedzīvotāju nežēlīgajām acīm, kas nosoda mūsu varoņus viņu elles bedrē. Tas ir ideāls koncepts, kuru nevainojami izpildīja Hiroshi Tešigahara, kā arī tas, kas, manuprāt, ir visefektīvākais leģendārā komponista Toru Takemitsu partitūra. Sapulcinot trīs neticami pašpārliecinātus māksliniekus tādā pašā veidā kā De Niro, Skorsēze un Šraders Taksometra šoferis - Sieviete kāpās ir savs, vienādās daļās cilvēks un neizbēgami šausminošs zvērs. Šausminošs, būtisks mākslas darbs.

2. Vēlais pavasaris (1949)

Vēlu pavasaris ir mūsdienu monotonijas atklājums: šīs vietas un laika dēmonu eksorcisms ne tikai tiek turēts slēdzenē, bet arī slēpts tā, it kā tādu nebūtu. Kaut arī sāpīgā vēlme izteikt šīs šausmas nekad nav pilnībā atslābināta, mēs to varam atklāt katras acs stūrī, starp katras rindas vārdiem un bieži vien klusi zvanot katras istabas centrā. Un tik pasaulei, kas ir tik virspusēji piesātināta ar zobainiem smaidiem un maigām melodijām - Ozu Vēlu pavasaris arī valda pilnīga izmisuma atmosfēra: bailes, ka mūs nepieņems - ka katrs izteiciens var novest pie sakāves, un tāpēc mēs vislabāk saucam trasi par neatsaucamu, nevis izmantojam iespēju un stāvam sliežu vidū. Viņa atgriezeniskais paaudžu sadursmes akmens ir tā kodols Vēlu pavasaris uzmanīgi rīkojies ar drāmu, bet es domāju, ka šeit vairāk nekā jebkurš cits viņa darbs (vai varbūt jebkura filma, ko ražoja apkārtējās desmitgades): Ozu izdevās atrast ideālas beigas. Lai sasniegtu skaidru savu tēmu un varoņu jūtu apkopojumu, nav viegls varoņdarbs, vēl jo vairāk atrast brīdi, kas ir tikpat satriecošs kā šeit dzimušais, un tāpēc es iesaku visiem dramatisko rakstu, režijas, iestudējumu vai vienkārši cinephilic procentu likmes Vēlu pavasaris tieši viņu novērošanas saraksta augšdaļā. Uzticieties man: tas jūs stāvēs.

1. Augsts un zems (1963)

High & Low ir pēc būtības neiespējams kinematogrāfisks darbs. Tas stiepjas pēc nenotverama elementa ar tik konfliktētu kodolu, ka, šķiet, nav nekā atrodama. Virspusē tam trūkst niansēta, bet tomēr pārliecinoša septiņu samuraju spēka, kā arī lēnām degošs pokers, kas vēlā pavasara beigās plosās morinošā klusumā. Patiesībā High & Low apvieno abus: tik provizoriski pārvietojoties ikdienas cilvēku vidū, baidoties saslimt ar vairākām slimībām, samaitātību un atkarību - no lielākas alkatības, greizsirdības un nežēlīgas amorālitātes, kas bezgalīgi zūd aiz katra ielas stūra. Tā ir filma, kas šausmās no tā, ko tā redz cilvēka stāvoklī, kaut kas tik ļoti sāp Kurosawa, lai to uzliktu uz ekrāna, un tā ir viņa svārstīgā radošo pašizspiešanas straume, kas nodrošina tās godājamo nozīmi. Augsts un zems līmenis ir drosmīgs, lai sasniegtu pilnīgi bezcerīgu, banālu cietsirdību, kas slēpjas mūsu sirdīs, - cik neglīts un satriecošs ir visa pasaule bez dvēseles pašapkalpošanās piesātinājumā. Varbūt, lai to beidzot pievērstu un atpazītu, mēs šajā procesā kļūstam par labākiem cilvēkiem. Spēj saprast, ka ir labi baidīties, ja vien jūs piekrītat neizskaidrojamā klātbūtnei. Neatmaksājamais. Galu galā vienīgā mierinājums, ko jūs kādreiz varat atrast, ir piedošana. Ja gatavojaties noskatīties jebkuru filmu no šī saraksta: izveidojiet to par šo.