100 visu laiku labākās filmas

Slavenais čīliešu un franču kinorežisors, dzejnieks, dramaturgs un mūzikas komponists Alehandro Jodorovskis Prullanskis reiz teica: Es vienmēr esmu domājis, ka no visām mākslām kino ir vispilnīgākā māksla. ES piekrītu. Vairākos veidos kino patiesībā ir visu citu svarīgo mākslas veidu apvienojums: glezniecība, rakstīšana un mūzika. Nav nejaušība, ka kino ir arī modernākā mākslas forma. Galu galā, lai kino varētu pastāvēt, bija nepieciešama citu mākslas formu evolūcija. Fakts, ka tas joprojām ir populārākais mākslas veids gandrīz kopš tā pastāvēšanas brīža, liecina gan par tās stiprajām, gan vājajām pusēm: tā ir viegli pieejama un līdz ar to vairāk komercializējama.

Paturot to prātā, es ar prieku iepazīstināšu jūs ar The Cinemaholic sarakstu 100 visu laiku labākās filmas . Pirms sākat izpētīt mūsu 100 labāko jebkad uzņemto filmu sarakstu, vēlreiz atgādināsim sev, ka saraksti pēc savas būtības nekad nav perfekti. Tātad, mēs neapgalvojam, ka šī ir pasaules absolūti labāko filmu saraksta Svētais Grāls. Bet es varu jums apliecināt, ka šī saraksta sastādīšanai ir veikti daudzi pētījumi. Tika izskatīti tūkstošiem filmu nosaukumu un apspriesta katra galīgā izvēle. Esmu pārliecināts, ka sarakstā nebūs daudz savu iecienītāko filmu. Trūkst arī daudzu manu favorītu! Taču tā vietā, lai kļūtu par to neapmierināts, izmantojiet šo iespēju, lai redzētu filmas, kuras neesat redzējis. Kas zina, jūs, iespējams, atklāsit savu(-s) jauno(-os) mīļāko(-s)!

100. Šerbūras lietussargi (1964)

Žaks Demijs iekrāso savu romantisko operu ar maigu, neparastu izsmalcinātību, kas izpaužas kā mazliet hipsterisks. Bet šī krāsa nav tikai tā, kas ir uz sienām, drēbēm un lietussargiem. Tas ir arī uz jaunas meitenes vaigiem, kas ir neiespējami iemīlējusies, kad viņa šķērso ielu, lai sveicinātu savu mīļāko un tā prombūtni, kad mēs redzam šo seju plīvurā, jaunā meitene tagad ir kāda cita līgava. Krāsa ir arī tajā, kā cilvēki runā, vai, pareizāk sakot, dzied viens otram. Taču viņu liriskās sarunas nav atskaņas kā vairums dziesmu. Ja viss, sākot no mīlestības profesijām un beidzot ar bažām par naudu, ir pārņemts ar neatšķiramu kaislību, jums nenāktu par labu, ja dotos makšķerēt atskaņas vai prāta meklējumus. Lai gan filma un visas tās melodiskās atklāsmes, ko papildina Mišela Legrāna pārdabiskā mūzika, ir sirdi plosoši romantiskas, visi mūsu varoņu lēmumi, tāpat kā viss dzīvē, noteikti nav tādi.

Tik nogurdinoši labi zināmam sižetam, kas ir bijis neskaitāmu popdziesmu un ziepju operu pamatā, katrs melanholijas pārņemtais “Šerbūras lietussargu” kadrs ir valdzinoši svaigs, pat nepazīstams. To var attiecināt uz to, cik patiesas ir emocijas un cik patiesa ir to izpausme. Darbojoties tik pieticīgā mērogā, kā tas notiek, “lietussargi” sagrauj jūs ar mazākajiem atspīdumiem. Es biju apmulsusi par to, cik liela ietekme varētu būt diviem tukšiem krēsliem, kurus reiz piepildīja divi mīļākie. Demijas mīļi darinātajā gardumā ejam gājienā ar lentītēm un konfeti piesātinātos karnevālos, rotājam Ziemassvētku eglītes un dāvinām viens otram dāvanas, visus savas jūtas iebāzot kaut kur sirds kaktiņos, jo, lai cik grūti būtu izturēt kāda prombūtni vai pagātne ir aizmirst, viss, ko mēs varam darīt, ir dzīvot šodienas fantāzijā.

99. Trainspotting (1996)

Ir nedaudz grūti izskaidrot tādiem sinefiliem kā mēs paši par “Trainspotting” fanātismu. Tas notika ap to laiku, kad narkotiku realitāte bija tikko sākusi iegrimt. Varētu teikt, ka tas glamorizēja narkotiku lietošanu, un zināmā mērā tā ir taisnība. Fakts, kas no tā izriet, bija Denija Boila mēģinājums parādīt narkotiku lietošanas augstākos un zemākos punktus, nenostājoties pusē. “Trainspotting” ir kulta filma, kas stāsta par četriem draugiem un viņu satikšanos ar atkarību. Nežēlīgs un dīvains ir vienīgie divi vārdi, kas to raksturo. Narkomāns, kurš vēlas būt tīrs, tikai ik uz soļa klibot savas dziļākās tieksmes dēļ tikt augstu. Dāsni pārspīlēta ar humoru, filma mēģina ar absolūtu nopietnību pasvītrot faktu: neskatoties uz greznību, ko piedāvā dzīve, jaunatne tos ar lielu apdomību noliedz. Un iemesli? Nav nekādu iemeslu. Kam ir vajadzīgi iemesli, ja jums ir heroīns?

98. Absolvents (1967)

Ak, jaunības dienas! Bezrūpīgi un priecīgi. Izklaide piepildīta bez raizēm. Nav rūpes par pagātni, kas ir atstāta aiz muguras, un nav jāuztraucas par nākotni, kas vēl tikai nāks. Bendžamins Bredoks dzīvoja šo bezrūpīgo dzīvi pēc koledžas beigšanas. Un, kad viņš beidzot atgriezās dzimtajā pilsētā, tur viņš satika Robinsones kundzi. Sāk degt romāna liesma. Dzīve uzņem viltīgus pagriezienus, kad jaunais Bens seksu uzskata par biedriskumu. Kad viņš iemīlas viņas meitiņā, tas kļūst ārprātīgs. Pārdomas rosinoša filma komēdijas tērpā 'Absolvents' ir viena no visu laiku smieklīgākajām filmām. Lomā Dastins Hofmans, tajā ir ikoniskā līnija – “Robinsones kundze, vai jūs mēģināt mani pavedināt?”

97. Veronikas dubultā dzīve (1991)

Varbūt neviens cits filmu veidotājs nesaprata sievietes tik dziļi emocionāli kā Kšištofs Kieslovskis. Vīrietis viņus vienkārši mīlēja, un viņš to demonstrēja ar tādu aizrautību un tuvību, ka jūs nevarat palīdzēt justies sajūsmā par to neapstrādāto emocionālo spēku. “Veronikas dubultā dzīve” varētu būt tikai viņa lielākais mākslinieciskais sasniegums. Filma ir par sievieti, kura sāk just, ka viņa nav viena un ka daļa viņas dzīvo kaut kur pasaulē citā dvēselē. Veronika un Veronika ir divas identiskas sievietes, kuras viena otru nepazīst un tomēr viņām ir noslēpumaini intīma emocionāla saikne. Slavomira Idziaka ļoti stilizētā kinematogrāfija rada filmu ar maigi melanholisku sajūtu, kas tevi apņem un nepalaiž garām. Ir jūtas un emocijas, kuras mums ir ļoti grūti izteikt vārdos, un filma atdzīvina šīs neizskaidrojamās domīgās skumjas un vientulības sajūtas. 'Veronikas dubultā dzīve' ir satriecošs mākslas darbs, kas attēlo cilvēka dvēseli visās tās skaistajās vājībās un maigumā.

96. Cinema Paradiso (1988)

Daudzi cilvēki kino uzskata par izklaidi, brīvā laika pavadīšanu, izklaidi, kam dzīvē nav nekādas nozīmes. Bet es ar dedzīgu kinofilu armiju, kas mani dedzīgi atbalsta, varu ar absolūtu pārliecību apgalvot, ka kino dzīvei ir tikpat nepieciešama kā dzīve kino. Un “Cinema Paradiso” ir skaists, ja ironisks veids, kā izteikt savu viedokli. Veiksmīgais kinorežisors Salvatore kādu dienu atgriežas mājās, saņemot ziņu, ka Alfredo ir miris, un pēc tam viņš atgriežas savā dzimtajā pilsētā 50. gadu Sicīlijā. Jaunais un draiskulīgais Salvatore (iesauka Toto) atklāj ilgstošu mīlestību pret filmām, kas viņu aizvilina ciema kinoteātrī Cinema Paradiso, kur Alfredo ir projektors. Iejūtoties zēnā, vecais puika viņam kļūst par tēvišķu tēlu, jo viņš cītīgi māca Toto prasmes, kas būtu atspēriena punkts viņa panākumiem filmu veidošanā.

Vērot, kā Toto un Alfredo ar godbijību apspriež kino, un redzēt, kā Alfredo sniedz dzīves padomus, izmantojot klasiskus filmu citātus, ir milzīgs prieks. Izmantojot Toto pilngadības stāstu, “Cinema Paradiso” atklāj pārmaiņas itāļu kino un tradicionālās filmu veidošanas, montāžas un demonstrēšanas mirstošo arodu, vienlaikus izpētot jauna zēna sapni pamest savu mazo pilsētiņu, lai dotos uz ārpasauli. Viena no visu laiku labākajām filmām par filmām.

95. One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975)

Viena no retajām filmu pieredzēm, kas liek sajust emociju pārpilnību uzreiz. Dažos gadījumos tas ir smieklīgi, dažos pacilājoši un citos satricinoši. Tas ir arī viens no citiem retajiem varoņdarbiem vienkāršotā, efektīvā stāstu stāstā, stāstot par Rendlu Makmērfiju, noziedznieku, kurš, cerot izvairīties no cietuma, viltojas, ka ir garīgi slims, un neatzīst savu vainu ārprāta dēļ. Nonācis psihiatriskajā slimnīcā, viņš saceļas pret autoritāro medmāsu Retčedu (kuru spēlē tēraudā Luīze Flečere) klasiskā secībā pret haosu. Filma parāda, ka patiešām nav neviena labāka tēla, kas tēlotu personāžus ar šarmu un šarmu, kā pats Džeks Nikolsons, atnesot viņam pelnītu Oskara balvu par viņa sniegumu filmā. Filma, kas sākas kā ilgstoša un sirdi sildoša filma, izvēršas līdz traģiskām, lai arī cerībām bagātām beigām, sekojot satraucošām ainām, kas saistītas ar pacientu pašnāvību un elektrokonvulsīvu terapiju. Tomēr filma nekad nezaudē skatītāju uzmanību un patosu pret ekrānā redzamajiem varoņiem, izraisot patiesas emocijas un uzmundrinājumu par cilvēka garu, kas izplūst pat neatgriezeniskas autoritātes priekšā.

94. Pyaasa (1957)

Sociālo pārmaiņu idejām un skarbajiem komentāriem par sabiedrībā valdošo ļaunprātību un aizspriedumiem “Pjaasa” ne tikai iemiesoja Indijas kino zelta laikmetu, bet arī atspoguļoja pašu Indijas buržuāzi. Tā ir filma ar smalku īpašību par sevi, kur visas nekaunīgās patiesības un skarbās sabiedrības realitātes virmo zem virsmas, gaidot, lai to izpētītu un ekstrapolētu prātīga auditorija. 'Pyaasa' ir mūžīga klasika ne bez iemesla. Pat pēc 60 gadiem kopš izdošanas tas joprojām ir aktuāls arī mūsdienās, jo Indiju joprojām vajā tie paši sabiedrības lāsti – korupcija, naidāšana, materiālisms –, uz kuriem “Pyaasa” tieši vai netieši attiecas.

93. Mūsdienu laiki (1936)

“Mūsdienu laiki” ir humoristiska filma ar spēcīgu vēstījumu. Šajā attēlā ir ietvertas Čaplina zīmīgās cerības un nabadzības tēmas, un šajā attēlā galvenā uzmanība tiek pievērsta mašīnu un citu tehnoloģiju sasniegumu negatīvajai ietekmei uz ļaudīm, uzmanības centrā izraisot rūpnīcas strādnieku, kura dzīve iet cauri daudziem līkločiem, cenšoties tikt galā ar jauno pasauli. Lai gan spieķis ir asaras saraustoši smieklīgs, tas viss ir ietverts skumju traukā. “Modern Times” izmanto gudrus, smalkus elementus, lai šad un tad uzdotu svarīgus filozofiskus jautājumus. Kulminācija ir viena no visu laiku aizkustinošākajām, kas ietver skumju laimes veidu un bez īstas atbildes vai rezolūcijas. Šī filma, iespējams, ir Čaplina vislabāk uzrakstītais darbs, un ir pārsteidzoši, cik aktuālas šeit izklāstītās idejas ir arī mūsdienās. Neapšaubāmi, izturējis laika pārbaudi, ceļš, ko Modern Times veic, lai dalītos savās domās, iespējams, ir šī kinematogrāfiskā triumfa labākais aspekts.

92. The Thin Red Line (1998)

Terensa Malika atgriešanos filmu veidošanā pēc 20 gadu pārtraukuma iezīmēja šī lieliski satriecošā kara drāma, kas pēta nevis karu, bet gan kara cīņas emocijas. Filma pēc būtības ir patiesi malikiska ar lielāku uzsvaru uz vizuālo, nevis stāstu, ļaujot jums izbaudīt tās pieredzi. Filmas ģēnijs slēpjas Malika redzējumā par skaistumu saskatīt kaut ko tik tumšā un asiņainā kā karš. Ir vajadzīgs absolūts ģēnijs, lai kaut ko tik brutālu un asiņainu kā karš pārvērstu par tik hipnotisku pieredzi, kas pārsniedz kara realitāti un ļauj iesūkties tā varoņu emocijās. Tā ir tik aizraujoša pieredze, kas liek sajust cilvēkus aiz ieročiem un bumbām. Tās ir izpostītas dvēseles, tāpat kā mēs, kas ilgojas pēc smalka pieskāriena, kurām pietrūkst savu mīļāko un sievu elpas siltuma, vienlaikus saskaroties ar visneglītāko realitāti, kas atrodas tālu no tām. 'The Thin Red Line' ir gluži vienkārši pieredze, kāda nav cita; tāda, kas jāredz, jājūt un jāpārdomā.

91. Blade Runner (1982)

Ridlija Skota filmas “Blade Runner” pēdējā daļa, manuprāt, ir vislielākā distopiskā filma, kas jebkad uzņemta. Lai gan Metropolis ir apstrīdama izvēle, ir jāievēro neautentiskie vizuālie attēli, kas saistīti ar vācu ekspresionisma kino. No otras puses, “Blade Runner” ir vairāk nekā ideāls, lai izveidotu pasauli, kas cieš no finansiālas nevienlīdzības, iedzīvotāju skaita uzplaukuma, visa dabiskā trūkuma, jo šeit nevar uzticēties pat miesai. Mirgojošais apgaismojums ir kontekstuāli dabisks, jo tā ir elektroniskā pasaule, un Džordans Kronenvets to izmanto līdzīgi kā ikdienas apgaismojošos objektus film noir. Lai gan tas, iespējams, nerada tik tālejošus jautājumus kā “Kosmiskā odiseja”, tomēr liek mums aizdomāties, vai androīdi sapņo par elektriskajām aitām.

90. Fargo (1996)

Vardarbīga, smieklīga, silta un nežēlīgi intensīva “Fargo” ir viena no labākajām 90. gadu amerikāņu filmām un viena no lielākajām krimināldrāmām, kas jebkad uzņemta. Filma ir par vīrieti, kurš nolīgst divus vīriešus, lai nolaupītu viņa sievu un izspiestu naudu no sava bagātā sievastēva. Brāļu Koenu izcilais tumšā humora lietojums filmā caurstrāvo siltumu, kas piešķir filmai ļoti atšķirīgu nokrāsu. Tieši šis meistarīgais komēdijas, drāmas un vardarbības sajaukums padara “Fargo” par tik neaizmirstamu kino pieredzi. Šis burvīgais sākuma kadrs ar sniegu piepildīto Minesotu, ko lieliski papildina spocīgs rezultāts, nosaka filmas toni un rada dziļu skumju sajūtu, kas slēpjas zem vardarbības un humora, ar kādu filma ir piepildīta. Frānsisa Makdormanda nepārprotami ir filmas zvaigzne un nozog šovu, attēlojot grūtnieces policijas priekšnieku, kas ir nokļuvusi ļaunuma un brutalitātes pasaulē, bet viņai izdodas atrast gaismu un cerību. “Fargo” ir emocionāli neapstrādāts, brutāli intensīvs, satriecoši smieklīgs un sāpīgi reālistisks tīri aizraujoša kino gabals.

89. Dzēšgumija (1977)

“Eraserhead” ir mācību grāmatas gabals par atmosfēras šausmām. Stāstot stāstu par vīrieti ar dīvainiem matiem, kurš mēģina viens pats izveidot sava veida ģimeni, šī filma ar katru minūti pārvēršas sirreālā murgā. Izmantojot skaņu un tuvplānus, lai radītu klaustrofobisku baiļu sajūtu, un saskaņojot to ar sižetu, kam pirmajā noskatīšanās reizē ir maz jēgas, Deivida Linča debija izrādās viena no izcilākā režisora ​​labākajām izrādēm, un tas pats par sevi ir ļoti slavējams. “Dzēšgumija” rada distopisku pasauli, kas ir izšļakstīta ar neglītām ēkām un mehāniskiem elementiem, kas iegremdēti ļaunā melnbaltā krāsā, un iemet tajā varoņus, kurus apkārtējā vide vairāk vai mazāk mulsina. Lai gan ir gandrīz neiespējami noskaidrot šī attēla nozīmi, ir jāsaprot, ka tas nekad nav paredzēts. Izmantojot gan vizuālo, gan sirreālo stilu, “Dzēšgumija galvu” ieliek skatītāju prātos absolūtu diskomfortu un atrod veidu, kā manipulēt ar viņu domām. Tikai daži attēli ir tik skaisti strukturēti, taču nenoliedzami draudīgi kā šī, un to var izdarīt tikai kāds, piemēram, Linčs.

88. Bērnība (2014)

“Boyhood” ir patīkams atgādinājums par pagājušajiem neapvaldīta prieka, nelokāma optimisma un mutuļojošas nevainības gadiem. Tas balstās uz skaistuma, prieka un emociju atgūšanu no parastās cilvēku dzīves, nevis no jebkāda pastiprināta dramaturģijas (maize un sviests lielākajai daļai filmu). Ir aizraujoši vērot, kā no ainas uz ainu mainās ne tikai tēlu fiziskums, bet arī pamanīsi pārvērtības viņu modē, frizūrā, mūzikas gaumē un vispār dzīves skatījumā. “Bērnība” tādā veidā, kā to dara tikai dažas filmas, pārkāpj kino robežas un kļūst par niecīgu mūsu pašu eksistences un pieredzes daļu. Linkleters vēlreiz atgādina, kāpēc viņš ir labākais biznesā, kad runa ir par vienkāršu stāstu stāstīšanu par vienkāršiem cilvēkiem.

87. Days of Heaven (1978)

Terence Malika evolūcija par pilnībā kontrolētu, autoritatīvu kino vizionāru ir viena no lielākajām lietām, kas jebkad ir noticis ar amerikāņu kino. No viņa agrīnajiem darbiem ir skaidrs, ka viņš izmisīgi gribēja izlēkt no parastajām kino robežām. Tām filmām kā “Badlands” un “Days of Heaven” bija šķietami vienkārši stāsti, taču tās bija filmas, kas mēģināja būt kaut kas vairāk. Kaut kas vairāk nekā tikai stāsts. Pieredze. “Days of Heaven” to sasniedz izcilāk nekā “Badlands”. Daudzi cilvēki bieži ir kritizējuši filmu par tās vājo sižetu. Es nevarētu teikt, ka tie ir pilnīgi nepareizi, bet stāsts jebkurā gadījumā nav vissvarīgākais filmas aspekts. Maliks šeit izmanto kino vizualitāti, kas liek uzsvaru uz stāsta noskaņu, nevis pašu stāstu. Viņa nolūks nav padarīt jūs emocionālu, izmantojot varoņu nožēlojamo stāvokli, bet gan ļaut jums tos novērot, sajust ainavu skaistumu un tās vietas aromātu. Un radīt šādu viscerāli aizkustinošu pieredzi nav nekas cits kā brīnums.

86. Fireflies kaps (1988)

Spēcīga, aizkustinoša filma, kas ir līdzvērtīga visos iespējamos aspektos, un pārējās dzīvās darbības filmas izceļ kara laupījumu. Šī japāņu animācijas filma koncentrējās uz Otrā pasaules kara šausmām, koncentrējoties uz brāļu un māsu pāra dzīvi, salauza manu sirdi tādā veidā, kā nevienai citai filmai nav izdevies, un joprojām turpināja stingrāk uz tām līdz pašām beigām. Tā kā tā ir kara filma, tā dara brīnumus arī cilvēku frontē, lieliski realizējot un attīstot maigās attiecības starp Seitu un Setsuko, saskaroties ar Otrā pasaules kara likstām. Ziņa ir skaļa un skaidra. Neviens karš nav patiesi uzvarēts, un visu slavu, kas saistīta ar uzvarām, pavada arī vaimanas par karā iznīcinātām nevainīgām dzīvībām. Es apsveicu filmu par to, ka tā nav atklāti emocionāli manipulatīva, liekot mums sakņot tās varoņus; taču nekļūdieties, tā spēcīgais un bezkompromisa skatījums uz karu un brāļu un māsu pāra travestijām padarīs jūs pilnīgā juceklī. Tas ir TIK skumji. To sakot, es nevaru to darīt citādi. Tā ir pilnība tās sirdi plosošākajā formā.

85. Manhetena (1979)

Romantika Vudija Allena filmās vienmēr ir bijusi sāpīgi patiesa un nomācoši reālistiska, neskatoties uz brīnišķīgi skarbo humora izjūtu, ar kuru viņš tās apvij. Kamēr “Annija Hola” joprojām ir viņa drosmīgākā filma, “Manhetens” mākslinieciski ir nobriedis darbs. Filmā Alens spēlē garlaikotu, apmulsušu ņujorkieti, kurš nesen šķīries, satiekas ar vidusskolas meiteni, bet galu galā iemīlas sava labākā drauga saimniecē. Alens nedaudz mazināja šīs filmas humoru, lai ļautu mums patiesi sajust skumjas, kas pārņem viņa varoņus, kas padara to par tik emocionāli nogurdinošu pieredzi. Tas ir tikai dziļi smeldzīgs portrets ar nestabilām attiecībām un nepilnīgiem cilvēkiem, kas cīnās ar sevi un savu eksistenci, izmisīgi meklējot laimi, ko viņi nekad neatpazītu un nesasniegtu. Un tieši šī saldi smalkā, skaudrā cilvēka stāvokļa apzināšanās padara Manhetenu par tik spēcīgu filmu.

84. Marketa Lazarova (1967)

Čehu ikonas Františeka Vlāčila bezķermeniska sapņu ainava Marketa Lazarová gluži vienkārši ir viens no neticamākajiem mākslas darbiem no 20.^thgadsimts. Tā avangardiskā pieeja kino valodai tik tikko atbilst šī bieži vien nosodošā frāzes pagrieziena robežām, jo ​​tas ir kaut kas vairāk. Satriecošs skata un skaņas sakausējums, ko nesasprindzinājušas konvencijas, struktūra vai kāds rakstīts likums, nemierīgi kinozinātnieki gadu gaitā ir iepļaukuši filmas formu. Salīdzinājumam, viss pārējais izskatās tik stingri kontrolēts - tik nedabisks un izdomāts izpildījumā. Marketa Lazarová ir neapstrādāta, viscerāla un pārsteidzoši dinamiska. Īsāk sakot: tā ir bezmaksas – īsts iespēju virsotne, lai izpētītu katru collu kinematogrāfisku mediju. Tāpēc tā ir viena no labākajām filmām, kas jebkad uzņemtas.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain ir Holivudas zelta laikmeta visizteiktākais mūzikls. Nav iespējams aizmirst Džīnas Kellijas tēlu, kas dejo pie ielas luktura, kad mēs runājam par mirdzošajiem mirkļiem kino. Filma ne tikai apburoši atzīmē savas prasmes, bet arī kino pāreju no vizuāla medija uz rezonējošu un stimulējošu. Monumentāls sasniegums kinoteātrī Technicolor, Kellijas režijas centieni sākotnēji uzjautrinoši atteicās no kritiķu un skatītāju puses. Es uzskatu, ka šīs klasikas aktualitāte kļūst arvien spēcīgāka ar katru dienu, jo plaisa starp filmas aptvertajiem laika periodiem (reālā dzīve un dzīve) un tagadni pieaug. Mēs zaudējam saikni ar svarīgu laikmetu, un šī filma pārņem jūs ar savu nostalģiju.

82. Neskaties tagad (1973)

Ir ļoti grūti atrast vizuālās mākslas darbu, kas būtu tikpat hipnotisks kā Nikolasa Rūga “Dont Look Now”. Daudzējādā ziņā šis šedevrs ir kā riebīgais punduris beigās. Tas ir skaisti krāsots ekstātiskā krāsā, taču tajā ir ietverta dzīves sliktākā daļa: nāve. Neatkarīgi no tā, cik efektīvs ir Sazerlenda varonis, es uzskatu, ka šī ir emociju vadīta filma, jo Roegs meklēšanu pēc zaudētās mīlestības nostāda vairāk nekā pārliecinošu stāstu. Gotiskais pamats ir ļoti spēcīgs līdzeklis, lai apliecinātu, cik svarīgas ir saites, uz kurām tas balstās, kā arī tēva un ģimenes mīlestība, kā arī piešķirt neskaidru formu spokiem, kas vajā galveno varoni. Dažas vietas ir kā cilvēki, dažas spīd un citas nē.

81. Cīņas klubs (1999)

Ik pa laikam pienāk kāds mākslas darbs, kas nosaka paaudzes psihi. Kas attiecas uz kino, 50. gados bija “Rebel Without A Cause”, 60. gados bija “Absolvents” un 70. gados bija “American Graffiti”. Un pat pēc divām desmitgadēm “Cīņas klubs” kā cimds atbilst mūsu paaudzes prātojošajam, neapmierinātajam un pret iedibinājumu vērstajam ētikam. Tāpat kā daudzas lieliskas filmas, arī “Cīņas klubs” ir ļoti šķeļošs, un to var filozofiski interpretēt dažādos veidos – daži uzskata, ka tas definē mūsdienu vīrišķību, bet citi domā, ka tas slavina vardarbību un nihilismu.

Būtībā filma ir trilleris, un no POV stāsta par vārdā nenosauktu galveno varoni, kurš cieš no bezmiega un ir neapmierināts ar savu vienmuļo darbu, kurš krustojas ar enerģisku ziepju veidotāju, vārdā Tailers Dērdens. Dērdens un galvenais varonis drīz izveido pagrīdes “Cīņas klubu”, lai neapmierinātie sabiedrības locekļi varētu izgāzt savas dusmas. Taču drīz Tailera plāni un stāstītāja attiecības iziet no viņa kontroles, izraisot eksplozīvu kulmināciju (burtiski!)

Līdzās velns rūpju attieksmei, ko tas propagandē, “Fight Club” ir arī raksturīga mūsdienu leģendas Deivida Finčera virziena iezīme. Drūmā krāsu palete, asā montāža un gludais kameras darbs ir iedvesmojis virkni tumšu trilleru pēc filmas. Deviņdesmito gadu ūdensšķirtnes filma.

80. Pirms saulrieta (2004)

Lūk, patiesība par cilvēka evolūciju, ko neviens jums neteiks: cilvēce drīz zaudēs sarunu mākslu. Tehnoloģiskajiem sasniegumiem ir liela blakusparādība: cilvēkus arvien mazāk interesē patiesas sarunas, jo viņiem ir tehnoloģijas, aiz kurām paslēpties. Un tieši tāpēc sērija Before Series izturēs vēl vairākus gadu desmitus. Filmu sērija par diviem cilvēkiem, kas iesaistīti īstā sarunā, ir retums pat šai paaudzei. Nākotnē šādas filmas vispār netiks uzņemtas. Tāpēc nākamās paaudzes ar bijību un brīnumu atskatīsies uz triloģiju Pirms. Un nebrīnīšos, ja triloģija atradīs savu pelnīto vietu ne tikai kinovēsturē, bet arī katras kinoskolas bibliotēkā.

Trīs filmu vidū “Pirms saulrieta” izceļas ar to, ka tā ir sirdi plosošākā. Filma, kas pēc būtības ir par spēcīgāko cilvēka vēlmi: vēlmi būt kopā ar kādu, ar kuru varētu pavadīt visu savu dzīvi. Ja paskatās cieši, “Pirms saulrieta” galu galā kļūst par spoguli, kurā ieskatoties, var spriest par savām attiecībām: kur tu kļūdījies? Kurš patiesībā bija tas jums? Kādas iespējas palaidāt garām? Kas varēja būt? Tā ir viena no retākajām filmām, kurā jūsu pieredze dzīvē bagātinās un pabaros jūsu pieredzi ar filmu.

79. Matrica (1999)

Ģeniāla, gudra ideja, ko uz ekrāna realizēja Vačovski, kā rezultātā tika radīta filma, kas daudziem skatītājiem lika kļūt piesardzīgiem par realitāti, kurā viņi atradās. Tā ir taisnība, kad 'Matrica' ​​tika uzņemta, atpakaļceļa vairs nebija, tā mainījās. lietas. Filma ne tikai ielauza jaunus pamatus savā stāstā, bet arī mainīja zinātniskās fantastikas un asa sižeta filmu ieceres pēc tam. Filmas “Matrica” kā filmas panākumi slēpjas arī tajā, kā tā meistarīgi mijas starp tēmām, tostarp filozofiju, eksistenciālismu un pat reliģiju, vienlaikus valkājot darbības un zinātniskās fantastikas filmas aizsegu. Neo spēja manipulēt ar simulēto realitāti, lai veiktu šķietami neiespējamus varoņdarbus, un ložu laika izmantošana — darbības paņēmiens, kas šobrīd nav nekas cits kā ikonisks, palielina filmas atjautību. Tagad žanrs var būt pārpildīts, taču, kad tas iznāca pirmais, var droši teikt, ka publika neko tādu nebija redzējusi.

78. Septītais kontinents (1989)

Nosaukt Maikla Hanekes “Septīto kontinentu” par šausmu filmu man izklausās ļoti nepareizi, taču tā to atsaucas lielākā daļa cilvēku, kuri to ir redzējuši. Ir grūti ar viņiem strīdēties, jo, skatoties šo filmu, cilvēks jūtas bezcerīgs, nomākts un nobijies. Tā kā šī 1989. gada klasika ir saistīta ar ģimeni, kas ienīst pasauli un dzīvi kopumā, tā ieņem aukstu un attālu nostāju, lai vēl vairāk izolētu trīs spēlētājus no pārējās sabiedrības, kas lēnām, bet noteikti liek skatītājiem dziļi justies līdz viņiem kā savējiem. eksistence uzņem tumšus apgriezienus. Tā kā Hanekes debijas skaņdarbs ir viena no satraucošākajām filmām, kas jebkad rotājusi sudraba ekrānu, tā ņirgājas par skatītāju un nekad nelaiž vaļā. Ja skatītāji to sauc par šausmu filmu, tad viņi to dara, atsaucoties uz biedējošu filmu, kas nav līdzīga nevienai citai. Neskaidrības un reālisma aptverts, Septītais kontinents ir personisks, intīms un biedējošs patiesa stāsta pārstāsts, kas atstāj jūs klusumā, jo vismaz pāris minūtes pēc tā beigām jūs nevarat izrunāt nevienu vārdu.

77. Zodiaks (2007)

“Zodiaks” nav tavs parastais trilleris; tas ir lēns un vairāk koncentrējas uz noskaņojumu un personāžiem, nevis uz sižetu. Ir aura, ko Deivids Finčers veido tik ļoti, lai varētu kaulos sajust filmas noskaņu. Tā nav filma, kas atstās jūs laimīgu, kad tā beigsies. Tā ir arī filma, kurā sliktais uzvar, bet labie zaudē. Un tāpēc tas ir tik labi. Ne tikai labs, bet arī moderns šedevrs. Ja filma spēj jūs saraustīt veselas divarpus stundas un liek jums domāt dienām ilgi, tajā noteikti ir daudz lietu, kas nav ikdienišķa trilleri. Manuprāt, ‘Zodiac’ ir Finčera labākā filma, kur viņš ar savu disciplīnu un prasmju klāstu parāda, kāpēc reizēm mazāk ir vairāk.

76. Magnolia (1999)

“Magnolija” neapšaubāmi ir Pola Tomasa Andersona personiskākais darbs. Histēriskā noskaņa, ko Andersons piesūcina filmā, ienes zināmu emocionālu plūstamību melodrāmā, kas savā enerģijā ir tik neticami aizraujoša un katarsiska. Filmas darbība pilnībā norisinās Sanfernando ielejā ar dažādiem savstarpēji saistītiem varoņiem, kas piedzīvo dažādus dzīves posmus, cīnoties ar saviem iekšējiem dēmoniem un emocionāliem konfliktiem. Andersons mīl šos cilvēkus, viņš tos pazīst un saprot, bet uzrāda tos kā tādus, kādi viņi ir, neatvainojoties; nežēlīgi kaili cilvēki, neapstrādāti un tīri, kas saskaras un pārvar savas visdziļākās bailes un vājības. “Magnolija” ir tik īpaša, ka tā ir filma, kas tik daudz stāsta par tās veidotāju. Mums ir dots ieskats Andersona dzīvē, vietā, kurai viņš pieder, un cilvēkiem viņa dzīvē. Visā filmā ir tik daudz Andersona. Tāda filma kā “Magnolija”, ja to būtu iestudējis jebkurš cits režisors, būtu jutusies novecojusi un šķita gandrīz kā sava laika produkts, taču ar Andersonu tas tikai palielina filmas pievilcību.

75. Rozmarijas mazulis (1968)

'Rozmarijas mazulis' ir tumšs, savīts mākslas darbs, kas spēlējas ar nevainību, lai radītu šausmu sajūtu. Saistībā ar sievieti, kurai grūtniecības laikā rodas sarežģījumi, filma ar savu sižetu iet pavisam jaunu ceļu, ļaujot rituāliskiem elementiem spēlēt galveno lomu. Šajā filmā ir tik daudz kas iemīļots, sākot no labi uzrakstītiem varoņiem līdz pat attālai prātojošai videi, kas ieskauj katru atgadījumu. Visā attēlā vienmēr ir jūtama spriedze, un tas daļēji ir pateicoties klusajai, ilgstošajai kinematogrāfijai, kas izpildīta ar Polaņska šauru režijas stilu. Mia Farrow šeit sniedz karjeras labāko sniegumu kā Rozmarija Vudhausa, sieviete, kura kļūst vājāka, cīnoties ar sāpēm, kas rodas saistībā ar bērna nēsāšanu. Kopumā šīs filmas tvertajai atmosfērai atbilst tikai dažas citas, un veids, kā tā iesūcas jūsu ādā, patiešām ir kaut kas cits.

74. Labais, sliktais un neglītais (1966)

Leģendāru aktieru atveidoti aizraujoši tēli, nevaldāma, brutāla šaujamieroču darbība, aizraujoša mūzika un spraiga kinematogrāfija – “Dolāru” triloģijas trešā daļa, kas tiek uzskatīta par spageti vesternu dzimšanu, ir ielaidīgs, valdzinošs, izklaidējošs kino vislabākajā izpausmē. Blondie or No Name (The Good), profesionāls ieroču izpildītājs un Tuco (The Ugly), meklētais ārpus likuma, neviļus veido uzticību, kad viņi katrs uzzina svarīgu detaļu par zelta krātuvi, ko paslēpis bēguļojošs konfederāts. kura nogalināšanai nolīgts slepkava Angel Eyes (The Bad). Trio ceļojums veido satriecoša sižeta būtību, kas beidzas ar klasisku vesterna stila skatienu uz leju. Klints Īstvuds Blondijas lomā ir machismo tēls, Lī Van Klīfs Eņģeļa Eyes lomā ir ļaunuma personības, savukārt Eli Valahs Tuko lomā piešķir raksturu sarežģītību un impulsu un niknumu divu lielāko zvaigžņu vienkāršākajai, bet košajai darbībai Labais pret ļaunumu. Taču vadības groži uz visiem laikiem ir režisora ​​Serhio Leone rokās – viņš izmanto plašus tālmetienus un intensīvu tuvplāna kinematogrāfiju, lai radītu spriedzi procesā. Žanru definējoša filma Kventins Tarantīno, viens no lielākajiem mūsdienu vesterna paudējiem, savulaik saukts par pasaulē labāko režisēto filmu.

73. Ceļojošie spēlētāji (1975)

Pārāk ilgi Teo Andželopula intīmo, smalki salikto eposu zināja tikai daži filmu entuziasti, un, iespējams, to novērtēja vēl mazāk. Tā staltā, pakāpeniskā kinematogrāfiskā pieminekļa uzcelšana mūsu ezotēriskajām, noslēpumainajām attiecībām ar laiku ir saprotama, ne visiem. Bet ziņkārīgajiem mūsu vidū ir zināms, ka tas sniedz mierinājumu, sniedz gudrību un dāvā uztveri, kas palīdz atrast konstantes, pie kurām pieķerties šajā universāli un nežēlīgi dinamiskajā pasaulē. Starp daudzajām lietām, kas šajā filmā ir pareizi, ir tās senatnīgā uztvere par Orestes pasakas atklāsmēm. Ar traģisko figūru saistītā mitoloģija ir tverta ar prātu stindzinošu pazemību, tomēr filmai caur savu elastīgo redzējumu izdodas mūs aizvest līdz melanholiskam, ieilgušam skatam uz 20. gadsimta vidus Grieķiju. Tās laicīgā elegance attaisno vēstures skatīšanos, stāvot blakus trupai: no ārpuses iekšā. Mēdz gan nojaust tās skarbumu, gan pārdomāt tās tapšanu. Tā ir reta antifašistiska vēstures stunda, jo tā mums nekad nepasaka, ko domāt. Tas tikai parāda mums, ko just. Andželopuls un kinematogrāfs Džordžs Arvanītis mūs novieto vietās, kas aptur sirdi un izskalo tās ar šī perioda postošo ļaundarību. “Ceļojošie spēlētāji” ir pazemīgs, rets dārgakmens, kas jūtas tā, it kā tas būtu izglābts no nemieru noslogotajām ielām un izdzīvojis badā. Vienkāršāk sakot, mēs neesam to pelnījuši.

72. Kešatmiņa (2005)

Maikls Haneke bieži tiek apsūdzēts par to, ka viņš vienmēr strādā drūmos stāstos. Šis raksturojums ir pilnīgi negodīgs, jo tas, ko viņš dara, ir sniegt humānu ieskatu tumsā, kas mūs visus aptver, kā mūsu kļūdainā uztvere noved pie mokošas izolācijas un kā mūsu maldi samazina mūsu iespējas pārvarēt minēto izolāciju. “Caché” ir ne tikai apjomīgs, dedzīgs dokuments, kas norāda uz 1961. gada Sēnas upes slaktiņa ļaunumu un mūsu kā sabiedrības necilvēcību, bet arī poētiski universāls rakstura pētījums. Džordžs, mūsu galvenais varonis, dzīvi un savu klātbūtni uztver kā sabiedrisku būtni izkropļotā prieka izjūtā. Viņš bēg no komforta, uzticoties un komunicēt ar citiem. Viņš izbauda savu atsvešinātību, tāpat kā viņš atsvešina daudzus, kas viņam ir tik dārgi. Ar to Haneke izsmej paaudzi, kas vēlas palikt viena. Viņa kamera dažkārt ir neparasti tālu, tāpat kā daudzi no mums attiecībā pret apkārtējo vidi. Bet viņa kontrolē mums ir jāsastopas ar savu nepiedienību, savu neuzmanību, mūsu realitāti. Viens no izaicinošākajiem kino darbiem, ko jebkad būsiet redzējis.

71. Bišu stropa gars (1973)

Spāņu meistars Viktors Erice pirms aiziešanas pensijā uzņēma tikai trīs mākslas filmas. Tādas filmas kā El Sur, Cidonija “Saules koks” un jo īpaši Bišu stropa gars, viņa nenosakāmā debija, liek mums visiem vēlēties, lai viņš joprojām uzņemtu filmas. Parabalisks stāsts par diviem bērniem, no kuriem viens pēta savu eksistenci ar nevainīgu, bieži vien mulsinošu aizraušanos, bet otrs ir apsēsts ar filmu “Frankenšteins”, kas tika spēlēta viņu vietējā teātrī. Tā noslēpumaino Spānijas centra portretu ir atstājis valdzinošu neskaidrību Ericei raksturīgais neitrālais virziens, kas reti tiek izmantots kinematogrāfiskai metodei par labu klusai novērošanai. Rezultātā iegūtais darbs ir mulsinošs, aizraujošs un liks jums aizdomāties par pašas dzīves noslēpumainību: tās neatbildamajiem jautājumiem, tās lielajiem noslēpumiem un to mulsinošo nepieņemamību. Lai atstātu jūs pilnīgi izpostītu vai nesalīdzināmi aizkustinātu, nav šaubu, ka “Bišu stropa gars” būs svarīga pieredze.

70. All the President’s Men (1976)

Votergeits. Viens vārds, kas nolaida priekškarus Ričarda Niksona prezidentūrai un lika cilvēkiem saprast, ka pat prezidenta auguma cilvēks var noliekties līdz zemākajam iespējamajam līmenim, lai paveiktu savas lietas. Kamēr prezidenta biedri bija aizņemti ar viņa radīto nekārtību sakopšanu, divi reportieri to sajuta. Neraugoties uz draudošajiem draudiem, viņi nenogurstoši strādāja, ķērās pie pat vissīkākajām priekšrocībām un dažkārt radīja briesmas, lai nodotu faktus cilvēkiem. Pamatojoties uz tāda paša nosaukuma grāmatu, kuru sarakstījuši žurnālisti Bobs Vudvards un Kārlis Bernsteins, “Visi prezidenta vīri” ir vērīgs novērojums par to, kādai jābūt patiesai žurnālistikai. Režisors Alans J Pakula, šī filma tika nominēta astoņām akadēmijas balvām, galu galā iegūstot trīs un, starp citu, zaudēja labākās filmas kategorijā “Rocky”.

69. Ēnu armija (1969)

Manuprāt, izcils salīdzināšanas punkts Žana Pjēra Melvila darbu jaunpienācējiem ir Stenlija Kubrika darbs. Abi praktizē ārkārtīgu tehnisku precizitāti un izstaro absolūtu pārliecību par katru darbu, ko viņi ir veikuši ilgās un radoši ienesīgās karjeras laikā. Tomēr lēta, bet izaicinoša sūdzība, ko ikviens var iesniegt amerikāņu režisoram, ir viņa 'bez dvēseles'. Cilvēka izpausmes vakance. Melvilas gadījumā tas tā nav. Filmā “Ēnu armija” Melvila varoņi deg ar rūgtu izmisuma dzirksteli, kas liek ikvienai viņu darbībai izplūst ar cilvēcību. Kara pretošanās kustības nāvējošajā pasaulē viens nepatiess gājiens var izraisīt pilnīgu iznīcināšanu, un tieši ar iepriekšminēto žēlastību un virtuozu kontroli pār savu kino Melvils iešūt pilnīgi ticamas, pārliecinoši mirušas pasaules sēklas. “Ēnu armija” ir viens no klusākajiem, intriģējošākajiem un monumentālākajiem darbiem, kas iznācis no franču kino – un palaist garām tik noziedzīgi aizmirstu klasiku nozīmētu nodarīt sev nopietnu lāča pakalpojumu.

68. The Shining (1980)

Ar Stīvena Kinga klasikas adaptāciju Stenlijs Kubriks 1980. gadā izveidoja filmu, kas turpināja no jauna definēt šausmu žanru. Šeit no dzimšanas baidās ne tikai stāsts vai varoņi. Vide un veids, kā tas ir filmēts, lieliski palīdz ļaut prātu satriecošai spriedzei iekļūt skatītāju prātos. Filma seko Džekam Torensam, nesen ieceltajam The Overlook Hotel apkopējam, un viņa ģimenei, kad viņi noslēpumainajā ēkā pavada pilnīgā izolācijā. Ar satriecošu priekšnesumu un izcilu kameras darbu Kubriks nodrošina, ka filmas saturs dziļi iegrimst mūsu zemapziņā. Veids, kā viņš manipulē ar skaņu un atmosfēru, ir absolūti neticams un rada neaizmirstamas, kā arī mugurkaulu vēsas divarpus stundas. 'The Shining' pasaule ir skaisti tumšs, cieši satverot jūs aiz apkakles visa elpu aizraujošā trešā cēliena laikā.

67. Ķīniešu kvartāls (1974)

Ir film noir un neo-noir, un tieši starp tiem sēž Džeiks Gitss, glīti ģērbies ar kraukšķīgu fedoru, lai izteiktu komplimentu par smīnu uz viņa sejas. Lai gan viņš ir liels Polanki cienītājs, vienmēr ir kaut kas, kas neatbilst viņa filmu galaproduktam. Izņemot Ķīniešu kvartālu. Šis izcilais šedevrs ne tikai radīja identitāti sev, bet arī vienmēr to uzlūko filmu veidotāji, kuri aizņem tā stilu, lai radītu savai filmai identitāti. Polaņskis savā darbā ir burvis, kurš mūs apmāna ar atšķiramiem vadiem, kā arī klasisko noir ritmu un iestatījumu. Bet tad seko Ķīniešu kvartāla pēdējais cēliens, kas tik ātri izjauc visas konvencijas, kas sākotnēji tika pievienotas līdzīgām noslēpumainajām filmām, un jūs pārņemat nepārvaramu šoka un izmisuma sajūtu. Tā neveiksme pārspēt Krusttēvu II mani joprojām mulsina, taču pēc pusgadsimta cilvēki ir aizmirsuši Sicīliju, bet nekad ķīniešu kvartālu.

66. Sātana tango (1994)

Atzīšanās numur viens: es gandrīz nekad neredzēju Bēlas Taras plašo, brīnišķīgo šedevru. Varētu pieņemt, ka tas ir visu laiku kinofila favorīts, un izcilā reputācija, ko tas ir uzkrājis Amerikas mākslas namu aprindās un dažu visinformētāko kino kritiķu vidū visā pasaulē, mani ieinteresētu. Taču tās milzīgais ilgums (apmēram 432 minūtes) un lorisam līdzīgais temps, ko tik ļoti izbaudīju Tarra “Werckmeister Harmonies”, šķita biedējoši. Atzīšanās numur divi: es pirmo reizi redzēju ‘Sátántangó’ vienā piegājienā. Mani hipnotizēja tās pragmatiskā reālās pasaules izjūta un pacietīgā, apdomīgā kino izjūta. Tas vairāk novēroja, nekā atspoguļoja un domāja, nekā sniedza glīti veidotus paziņojumus. Tā mītiskais, drūmais reālisms bija pārāk labs, lai būtu patiess, un pārāk brutāls, lai to realizētu ar tādu skaistuma aci.

Viss, ko es gribēju darīt līdz beigām, bija aizvērt visus savus logus un ietīties tumsā, jo filma man bija līdzīga tam trakajam baznīcā un tās vaimanām bija pārāk liela jēga. Atzīšanās numur trīs: es ar pacilātību ziņoju, ka “Sátántangó” saprātīgās sociālās un politiskās pārdomas man ir sākušas kļūt skaidras, jo esmu pie tā vairākkārt atgriezies. Īpaši atmiņā paliekoša bija vasara, kas pavadīta, aprijot Lāslo Krašnahorkai romānu, kas kalpo kā filmas izejmateriāls. Viss, ko tagad varu darīt, ir cerēt arī turpmāk gūt labumu no šī laimīgā negadījuma.

65. Eksorcists (1973)

Viljama Frīdkina filma “Eksorcists” ir lieliski režisēta. Vīrietis ir bēdīgi slavens ar neregulāro karjeras ceļu, kurā klasiķi sakrīt ar šoku (un bieži vien abas grupas krustojas, lai meklētu aizraujošus kinematogrāfiskās nekaunības izpēti). Ar savu labāko filmu Frīdkins nolēma uzņemt drāmu, kas gluži nejauši bija par dēmonisku apsēstību: viņa sarežģītajiem varoņiem piešūt patosu un viscerāli pārtulkojot oriģinālautora Viljama Pītera Blatija tekstu, kas iesprostots starp ticību un kropļojošām šaubām. Gala rezultāts diviem brīnišķīgiem māksliniekiem, kuri strādā savas spēles virsotnē, lai radītu mirdzošu amerikāņu kino klasiku: tādu, kas aptumšo gandrīz visas filmas savā žanrā (izņemot, iespējams, neapzinīgi šausminošo “Wake in Fright” vai Tobe Hoopera brīnišķīgo turneju -spēks Teksasas motorzāģu slaktiņš ). Vienkārši satriecoši.

64. Suspiria (1977)

Jo savos sapņos mēs ieejam pasaulē, kas ir pilnībā mūsu pašu — Dž.K. Roulinga. Un kā būtu, ja viens no kino visvājākajiem prātiem izlemtu uzsmidzināt savu zemapziņu uz filmas gabalu. Tiek uzskatīts, ka Dario Ardžento filma Suspiria ar savu dīvaini strukturēto stāstu pārkāpj kinematogrāfisko loģiku. Bet es uzskatu, ka tas ir neoekspresionisma šedevrs, kas aptver kino patieso būtību, kas ir likt mums justies patiesi, patiesi dzīviem. Ardžento izprot telpas vērtību un tāpēc vairāk pievēršas kinematogrāfijai un scenogrāfijai, kas ir viņa filmas dominējošie iemītnieki. 'Suspiria' ne tikai pārstāv Ardžento stilu, bet arī visu itāļu šausmu, žanru, ko uzbudina mākslas estētika.

63. A Man Escaped (1956)

Nevainojami precīzs un iedvesmojoši ekonomisks, Roberta Bresona ak, tik retā bullseye pārsteidza ar 1956. gada filmu “A Man Escaped”. Vīrieša kā filmas veidotāja dzīvsudraba spēku virsotne, tā seko franču pretošanās aģenta Fonteina mēģinājumiem izbēgt no arvien bīstamāka nacistu cietuma un atrod nozīmi katrā atsevišķā kadrā. Sākot no satriecoši cilvēciskā galvenās lomas atveidojuma, ko veidojis neaktieris Fransuā Leterjē, kura iekritušie vaigi un izplūdušās acis tik pārliecinoši izteica dzīves kara laikā satriecošo smagumu, līdz Bresona minimālismam, kas spēj izkopt dedzinošas tuvības starp skatītājiem un izmisušajiem. vīrietis: No biežām POV un elegantām kompozīcijām, kas nav pārspīlētas ar paņēmieniem, Bresona apkārtējie darbi dažkārt ir noslīkuši. Es nenojauktu nevienu kadru – un tādējādi filma kalpo kā absolūti nozīmīgs izglītošanas veids topošajiem filmu veidotājiem: Gleznot. kaut kas tik spilgts un blīvs, lai tas nekad nejustos valdonīgs.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

Šādos laikos nav labākas filmas par “To Kill A Mockingbird”, lai izskaidrotu neonacistus par kastu, ticības un rases patieso nozīmi. Afroamerikāņu vīrietis tiek apsūdzēts par baltās sievietes pieticības pārkāpšanu, kas atrodas rasuiski sašķeltas Amerikas laikmetā. Rasu netaisnību kulminācijā, kad tiesa, pilna ar baltajiem cilvēkiem, cīnās par viņa asinīm, vienam vīrietim ir jācīnās pret savu lietu. Viens baltais vīrietis, vārdā Atikas Finčs. Viņš drosmīgi cīnījās, lai izvirzītu faktu, ka visi vīrieši ir radīti vienlīdzīgi tiesas priekšā, neatkarīgi no tā, vai tā ir krāsaina vai nē. Viņa pūles ir veltīgas, jo tiesa atzīst vīrieti par vainīgu. Bet tas, kas paliek ar skatītāju, ir mācība, ko Atticus Finch ieaudzina savos bērnos. Tas ir, “jūs nekad īsti nesaprotat cilvēku, kamēr neapskatāt lietas no viņa viedokļa”. Pamatojoties uz Hārpera Lī bestselleru ar tādu pašu nosaukumu, “To Kill A Mockingbird” ir viena no visu laiku labākajām filmām.

61. Aizmugurējais logs (1957)

Trillera šedevru filmas no mums regulāri uzkrātajiem notekūdeņiem atšķir tas, ka pēdējā filmā pagriezieni notiek zibenīgi, vairāk balstoties uz mūsu šoku, nevis uz pagrieziena patiesumu, lai radītu ietekmi. Taču tādās filmās kā “Aizmugurējais logs” sīkas lietas ir redzamas no laika, kad ratiņkrēslā brauca profesionāls fotogrāfs L.B. Džefs Džefrijs skatās pa savu aizmugurējo logu, uzkrājoties pilienam, līdz tie sāk plūst, liekot nekaitīgajam Džefam aizdomāties, ka otrpus pagalmam dzīvojošs vīrietis ir izdarījis slepkavību. Hičkoks meistarīgi izmanto savu kameru kā iluzionista rīkus, lai noturētu savus skatītājus saspringtus, apmānītus un minējumus, līdz atklājas žoklis. Caur Džefa obsesīvi vajājot savu interesējošo tēmu, Hičkoks komentē vujerisma kļūdas, to, cik tas var būt vilinošs, un vientuļā pilsētas dzīvesveida drūmumu, kas pie tā noved. Vēl neticamāk, tas ir tikpat daudz komentārs par skatītāja vuaerismu kā Džefa; kā mūs savaldzina Džefa valdzinājums. Skatīties, kad netiek novērots, ir ļauns prieks; Hičkoks to zina, apbrīno un piesaista mūs ar to.

60. 4 mēneši, 3 nedēļas un 2 dienas (2007)

Dažas filmas tevi aizkustina; daži liek jums smieties; daži salauž tavu sirdi. '4 mēneši, 3 nedēļas un 2 dienas' pieder īpašai filmu kategorijai: tām, kas liek jums satraukties un nervozēt. Kā jūs jau domājāt, šādas filmas, iespējams, ir retākās no retajām šķirnēm. Filma seko diviem draugiem, kuri mēģina noorganizēt abortu Rumānijas brutālajā Čaušesku komunistiskajā režīmā. Viscerāla un bezkompromisa filma satver jūs aiz kakla un nekad nelaiž vaļā. Šīs filmas skatīšanās ir kā sajūta, ka jūtat satricinošu sajūtu, kas rodas, nervozi gaidot, kad kāds no jūsu mīļajiem pēc operācijas iznāks no operāciju zāles. Tas nav tikai reālistisks kino tās labākajā izpausmē; tā ir arī viena no visvairāk dzīvi mainošajām filmām, ko jebkad būsiet redzējis.

59. Pagājušais gads Marienbādē (1961)

Alana Resnē 1961. gada filma 'Pagājušais gads Marienbādē' ir vistuvāk sapņa vizualizēšanai, un tas tiek darīts pēc iespējas dīvainākā veidā. Mūzika, kas lielāko daļu izpildlaika aizņem fonu, darbojas kā nomierinošs līdzeklis, kas nostāda klausītājus miegainā stāvoklī. Neskatoties uz to, ir gandrīz neiespējami novērst acis no ekrāna, jo visā attēlā notiek tik daudz, lai gan tiek parādīts tikai maz. Man patīk domāt par 'Pagājušais gads Marienbādē' kā filma, kas iedomāta no zemapziņas, tās atkārtošanās un mulsinošā rakstura dēļ. Arī varoņi ir neizpratnē par dīvaino pasauli, kurā viņi ir nonākuši. Tas ir nobriedis un izsmalcināts gabals, un es uzskatu, ka galvenais sižets – kurā ir iesaistīts vīrietis un viņa attiecības ar dīvainu sievieti, kura skaidri atceras tikšanos iepriekšējā gadā, lai gan viņa par viņu neatceras to pašu – man šķiet ļoti ieskaujošs, oriģināls, kaislīgs, romantisks, sapņains un, protams, izcils.

58. Savvaļas zemenes (1957)

Vai esat kādreiz bijis ceļojumā, kur jums nav nekā labāka kā skatīties pa logu? Noteiktu laiku tu skaties uz skatu ārpusē, pirms domas steidzas iekšā, un tas, kas ir ārpusē, tagad ir tikai šablons – tas vairs nenotur tavu uzmanību. Tā notiek ar Isaku Borgu, Bergmana klasiskās noskaņas skaņdarba galveno varoni, kas atradis savu vietu neskaitāmos visu laiku labāko filmu sarakstos, tostarp tajā, kuru 1963. gadā sastādījis Stenlijs Kubriks. Viņš ceļo kopā ar vedeklu, lai saņemtu grādu. Doktors Jubilaris no viņa alma mater. Viņai viņš nepatīk un viņa plāno pamest dēlu. Taču mūsu profesoru, kuru atveido izcilais Viktors Šestrēms, nākotne īpaši neinteresē. Viņa domas un līdz ar to filma, ko katapultēja daudzi cilvēki, ar kuriem viņš saskaras savā ceļojumā, izgaismo tikai viņa pagātni. Skatoties caur Bergmana piedodošo, pārliecināto objektīvu, viņa atmiņas ir vienkāršas, pazīstamas un cilvēciskas. Viņi neslavina viņa dzīvi un nenoraida viņa sasniegumus. Tie ir nekārtīgi, tāpat kā vairums mūsējo, un apzināti sagrozīti. Kad viņš beidzot ierodas vietā, lai saņemtu godu, mēs saprotam, ka viņam nekad nebija vajadzīga atlīdzība. Viņš to jau dabūja tajās zemenēs, ko savāca kopā ar savu bērnības mīļoto, tirgotāju, kurš viņu atcerējās, nemierīgajās attiecībās ar sievu, labajās un sliktajās, atpestīšanas un nepiedodamās. Tāpat kā mēs šīs noslēpumainās, neizskaidrojami aizkustinošās filmas veidolā.

57. Spēles noteikumi (1939)

Žana Renuāra atjautīgā, kodīgā manieru komēdija spēj pārsteidzoši labi noturēties pēc visiem šiem gadiem, vienlaikus paliekot tikpat rotaļīga un spocīga kā jebkad. Izdošanas brīdī no tās izvairījās gan kritiķi, gan skatītāji, kā rezultātā Renuārs pēc katastrofālās pirmizrādes izgrieza ievērojamu filmas daļu — daļu, kurā lielākoties bija Oktāvas varonis, kuru atveidoja pats Renuārs. Diez vai pārsteidzoši ir tās auguma pieaugums kopš tā laika. Filma savā viltīgajā, autoritatīvā žonglēšanas ar varoņiem, tēmām, toņiem un uzstādījumiem vienmēr ir ļoti izklaidējoša, taču nekad nav mazāk cītīga vai mazāk grezni izstrādāta kā šī perioda labākie pasaules kino. Tās skrupulozi veidotie vizuālie attēli pulsē ar izsmalcinātību, taču pūles nekad nav redzamas, un filma liek jums brīnīties, cik dziļi jūs bijāt sapinušies tās prasmīgi veidotajā atmosfērā. Kinematogrāfs Žans Bašelē un Renuārs spēlējas ar kameru tādā veidā, kas piešķir filmai gaisīgumu, taču viņu nerimstošā kontrole padara to par pastāvīgi intriģējošu pasākumu. Ja ar to visu nepietiks, jums jāzina, ka Alēns Resnē reiz teica, ka filma bija vislielākā satriecošā pieredze, ko viņš jebkad piedzīvojis kinoteātrī. Būtu grūti atrast spilgtāku ieteikumu.

56. Trešais cilvēks (1949)

Film-noir ir žanrs, kas saistīts ar filmām, kas grezno tumšas gatves, noslēpumainus, pavedinošus varoņus, noslēpumainību un krēmīgu melnbaltu, kas to visu pārklāj. Lai gan daudzi no šiem attēliem ir intriģējoši un piedāvā labu laiku, daži izmēģina kaut ko novatorisku un atšķirīgu. Trešais cilvēks ir viens no lielākajiem film-noir, kas jebkad radīts, jo tas izcili labi stāsta savu pārsteidzošo stāstu, izmantojot iespaidīgus holandiešu slīpumus, pārsteidzošu gaismu un skaistu mūziku. Filma ir saistīta ar vīrieti un viņa paša veikto izmeklēšanu par viņa finansiāli nodrošinātā drauga slepkavību. Sižets Trešais cilvēks ir izklāta ar romantiku, tumšu humoru, pagriezieniem un spriedzi. Savā sirdī filmu var saukt par saldu mīlas stāstu, taču, ņemot vērā visu pārējo, par aizrautību var šaubīties. Atskaņojot meistarīgi uzrakstīto scenāriju, Kerolas Rīdas magnum opus ir tāds, kas notur jūs sēdekļa malā visu ceļu no tā pazemīgā, vieglprātīgā pirmā cēliena līdz beigām, kas var būt visgudrākais fināls jebkuram attēlam. kādreiz redzēs.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmara Bergmana traģiskā ģimenes drāma skar skumjas, kas ir gan nevainojami izmisīgas, gan drudžaini steidzamas. Tas nav pacietīgi veidots ainas pēc ainas un tiek piegādāts uz šķīvja līdz beigām. Jūs esat spiests to ieelpot jau pašā filmas sākumā, kas iepazīstina ar galvenajiem spēlētājiem un viņu rūdītajām, viegli uzliesmojošajām bēdām ar krāšņiem tuvplāniem, kas padara viņu smacošo diskomfortu spilgti pamanāmu. Tas viss ir pārklāts ar nepielūdzamu sarkano krāsu sārtumu, ar kuru ir apgleznotas mājas sienas, kurā notiek stāsts. Bergmans liek mums apzināties nāves smaku, kas ieskauj sievietes ar tik iespaidīgu virzienu, ka faktiska nāve nav iemesls satraukumam. Sieviešu raksturīgās vardarbīgās ilgas padarīja visu filmā par spocīgu, ar asinīm piesūcinātu atmiņu manā prātā. Svena Nykvista konsekventi fascinējošos vizuālos materiālus rūdījis Bergmana smalkais raksts un aktieru meistarīgi izdzīvotās izrādes. Šķiet, ka spožā Līva Ulmane mistificē un aizrauj katru reizi, kad uz viņu ir vērsta kamera, savukārt neticīgās Ingrīdas Tulinas un Harietas Andersones darbs ir tik neaptraipīts, ka saskarsmē ar savām jūtām šķiet invazīvi. Bergmanis nedod mums skaidras idejas, ko ņemt līdzi mājās, bet noliedz visas citas sajūtas, izņemot tās, ko piedzīvo viņa varoņi. Mēs brīnāmies, cik tālu sniedzas viņa piekļuve mūsu emocijām, un viņš to paplašina ik uz soļa. Galu galā “raudiem un čukstiem” nav jātic, tas ir jādzīvo.

54. Reiz Rietumos (1968)

Varbūt tā ir Morikones spocīgā partitūra vai varbūt Delli Kolli redzējums, kas ir tikpat plašs kā Rietumos, vai varbūt nesatricināmais graudiņš, kas rosās Bronsona un Fondas acīs, un varbūt tā ir visu šo aspektu kulminācija gandrīz katrā maestro Serhio Leones kadrā. . Ja jums ir nepieciešams vesterns, kurā ir gan Džona Forda skaistums, gan Sema Pekinpa nepielūdzošais mežonīgums, tad Leonei vienkārši nav neviena tuva. Savā magnum opusā viņš panāk to, kas viņam prasīja 3 filmas iepriekš, lai radītu mistisku pasauli nekurienes vidū. Lai gan virspusē var nebūt nekā garīga, filmai ir dievi. Dievu kroņi, kas piepildīti ar 10 galoniem šaujampulvera, un smiltis, ko viņi norij kopā ar ūdeni. Arī Henrija Fonda antagonista loma, iespējams, bija šīs desmitgades lēmums, jo viņa ledus zilās acis nelīdzinājās jebkam, ko Rietumi bija redzējuši.

53. Annija Hola (1977)

Neviens nevar apgalvot, ka saprot mulsinošo, visaptverošo mīklu, kas ir mīlestība kā Vudijs Allens. Un neviena Vudija Allena filma ne tuvu nevar to parādīt tās patiesajā, savdabīgajā krāšņumā kā šis stāsts par Alviju Singeru, neirotisko, nihilistisku komiķi Ņujorkā, kurš iemīlas 'vairāk nekā iemīlēties' dīvainajā, lidojošā, jautrajā Annijā Holā un tad izkrīt no tā. Filma arī pēta dzimumu atšķirības seksualitātē, izmantojot Alvija un Annijas “Iņ un Jaņ” attiecības. Beigās pat Alvijs pieņem mīlestību kā neracionālu, traku un absurdu, bet dzīvē nepieciešamu. Vairāku novatorisku stāstījuma paņēmienu izmantošana, piemēram, ceturtās sienas improvizēta nojaukšana, ātra pagātnes un tagadnes maiņa, izmantojot vienmērīgus griezumus, subtitros parādot, kā Elvijs vai Annija jūtas, runājot kaut ko pavisam citu, un pievienojot vārdu ' stāsts stāstā” kā kulmināciju, paceliet jau tā saistošo stāstu. 'Annie Hall', iespējams, ir pirmā patiesi modernisma romantika par celuloīdu, un tā ir iedvesmojusi romantisku komēdiju paaudzi tās vietā. Tomēr neviens nav tik burvīgs kā tas, kuru viņi cenšas atdarināt.

52. M (1931)

Balss ierakstīšanas tehnoloģijas parādīšanās — parādība, kuras virsraksts apzīmēja 1927. gada nosaukumu “Džeza dziedātājs”, izraisīja absurdu filmu dialogu piesātinājumu. Tehnoloģija tika uzskatīta par pašsaprotamu kā tiešs jauninājums, nevis rīks, ko izmantot kopā ar iedibināto kinematogrāfisko valodu. Frics Langs, cilvēks, kurš sāka savu karjeru mēmā kino ar virkni meistarīgu darbu, tostarp Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen un izcilo Metropoli. Viņa pāreja uz skaņu sasniedza kulmināciju 1931. gada “M” — filmā, kas pretēji visiem apkārtējiem avotiem bija likvidējusi gandrīz visus apkārtējos trokšņus. Rezultāts ir klusa sarunu sērija ar nepārvarami nedzīvu atmosfēru: tāda, kas tik efektīvi pamato tās stāstījumu. Attiecīgais stāsts pārsteidz bērnu slepkavu un Vācijas valdības nekompetenci viņa notveršanā – savas ķenguru tiesas izveidošana, lai sodītu slepkavu. Tas, ko Lenga šeit saka, ir neticami brieduma vēstījumā: taisnīgums, kas ir pelnījis kalpošanu, ir pilnībā iedragāts tā laika politiskajā kontekstā — ar Nacionālsociālistiskās partijas reģistrēto eitanāzijas politiku un arvien vardarbīgākiem ideāliem, kas izpaužas kā ļauns audzējs tautas apsūdzībās. . Pītera Lora patosa un mocīta humānisma bagātā izrāde palīdz iemiesot dziļo “M” viltību, kas ir neizmērojami aizkustinoša līdz pat mūsdienām.

51. 12 Angry Men (1957)

Atbildi, vai puika bija vainīgs vai nē, mēs nekad neuzzināsim. Bet vienu lietu 12 Angry Men apstiprina, ka loģika vienmēr ņems virsroku pār intuīciju, ja muļķu pasaulē ir viens saprātīgs cilvēks. Un vai muļķība ir slimība vai tikai neziņas blakusprodukts? Sidnija Lūmeta drāma neprasa izmantot smadzenes pār sirdi, bet gan censties sasniegt punktu, kurā varat pieņemt lēmumu, abiem strādājot vienlaikus. Līdzās aizraujošajam scenārijam, kas lepni iekļaujas ikvienas kinoskolas mācību programmā visā pasaulē, kameras darbs un inscenējums ir tieši no japāņu jaunā viļņa klasikas. Lepojas ar neaizmirstamu priekšnesumu no ansambļa aktieru sastāva, 12 Angry Men ir Amerikas kino piemineklis.

50. Pilsētas gaismas (1931)

Ne daudziem agrīnajiem filmu veidotājiem mūsdienu kultūrā ir tāda atpazīstamība un popularitāte, kāda patīk Čaplinam. Tas varētu būt daudzu iemeslu dēļ. Viņa filmas uzrunā ikvienu un ir satriecoši jautras, taču viņa stāsti melanholiskas situācijas aplūko humoristiskā gaismā. Tā tas ir ar viņa, iespējams, vispersoniskāko attēlu “Pilsētas gaismas”, kas stāsta par klaidoni un viņa centieniem atstāt iespaidu, kā arī palīdzēt nabaga aklai puķu meitenei. Viņš to dara zem fasādes, izliekoties par bagātu vīrieti, lai piesaistītu viņas uzmanību, taču, to darot, rodas problēmas. Ja filma mūsdienās joprojām ir tikpat smieklīga un aizkustinoša, kā tas bija pirms vairāk nekā 75 gadiem, tas parasti nozīmē, ka tajā kaut kas tiek darīts pareizi. 'City Lights' ir atstājis savas pēdas pasaulē ar nabadzības un dzīves attēlojumu smagajos depresijas gados, kas ir tik labi izpildīts un jūtams, ka tas nekad neaizkustina skatītājus, vienlaikus dodot viņiem cerību labāka rītdiena.

49. Nāc un redzi (1985)

Neticami prasmīgās filmu veidotāju komandas otrā puse, režisors Elems Kilmovs bija precējies ar Larisu Šepitko - spožo virtuozi, kas veidoja filmas 'Wings' un 'The Ascent'. Kad viņa tik skumji gāja bojā autoavārijā, Kilmova pabeidza darbu pie sava izcilā nepabeigtā projekta “Ardievas” (kurš varēja vienkārši ieņemt šo vietu) – un es domāju, ka visu šo kontekstu padara tik spēcīgs tas, kā vīrieša bēdas ieplūst katrs viņa darba kadrs. Kilmova kino valda neizteikts niknums un izmisums: valdot savā milzīgajā emociju smagumā, un tikai dažas jebkad uzņemtās filmas ir pulsējušas ar tik spēcīgu sajūtu kā Nāc un redzi . Iespējams, labākā kara filma, kas jebkad uzņemta, tās ellišķīgais Vērmahta iebrukuma Baltkrievijā attēlojums atbalsojas ar apdullinošiem sprādzieniem, murgainiem vizuāliem attēliem un pasaulei, kas lēnām tiek iztukšota – tās ainas uzņemtas krāšņā, dobjā gaismā. Tomēr visās šajās mokās Kilmovs atrod ceļu uz izpratni tās pārpasaulīgi nobriedušajā noslēgumā. Iespējams, apņemoties pārdomāt dzīves nepastāvību, viņš beidzot atrod spēku apglabāt savas nelaiķes sievas kaulus. Var tikai cerēt.

48. Septītais zīmogs (1957)

Jau no pirmajiem Bergmana ikoniskā dokumenta attēliem par ticību, bailēm un apmierinājumu jūs varat apburt. Skarbs, graudains skats uz jūru, piekrasti un uz tās drosmīgo bruņinieku un viņa liktenīgo sastapšanos ar nāves personifikāciju nosaka filmas objektīvo skaidrību, pat ja tas atstāj vietu pavedinošai, gandrīz biedējošai neskaidrībai, kas pastāvīgi klātesošs. “Septītais zīmogs” savās niecīgajās 90 minūtēs gūst labumu no nepārspējamā Maksa fon Sīdova un aktieru grupas, kas Bergmana pārsteidzošo materiālu, kura pamatā ir viņa luga “Koka gleznošana”, paceļ negaidītā līmenī. fabula, kas nodota paaudzēs, un tā rosina iztēli daudz plašāk, nekā tā pati spēj cerēt. Gunara Fišera dzirkstošais, izteiksmīgais melnbaltais nodrošina, ka mokošā intensitāte rāpo zem mūsu ādas. Straumei līdzīgā plūstamība ir stāstījuma rezultāts, kas izvērsts ar cildenu pārliecību un taustāmu nelīdzenumu. Tas var būt pavisam vienkāršs stāsts, kura klēpī tomēr ir vērtīgas idejas, taču tas ir šūts ar tik sarežģītu un drosmīgu audumu, ka nevar vien noskatīties uz to atkal un atkal, lai tas pārvērstos paliekošā atmiņā.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellīni piesardzīgi, pacietīgi un poētiski mīkstināts virtuozs ir pilnībā parādīts viņa Zelta palmas zara laureā, kas savā dvēseliskajā un ēnainajā glamūrā tver dzīvesveidu, kas šķiet pārāk netverams un dažos veidos pārāk reāls. Tā temps pasvītro galvenā varoņa bezmērķības sajūtu un liek mums peldēties simfoniskajā dzīves vibrācijas izkārtojumā un to, cik tas viss ir īslaicīgs. Šo galveno varoni atveido karjeras labākais Marčello Mastrojanni, kurš izmanto šo laika dāvanu, lai piepildītu acis ar neatvairāmu pasaules nogurumu. Apšaubot atsevišķu “La Dolce Vita” sadaļu nozīmīgumu, kas var šķist bez filozofiskas nozīmes vai stāstījuma nozīmes, ir jānoraida iespēja ļaut pikantajām detaļām pārņemt sevi un pēc tam apsvērt sekas. Kad Nino Rotas debesu partitūra ieved mūs reibinošajā Romas pasaulē, kas redzama ar Fellīni iluzoro aci, jūs redzat tikai to, ko viņš vēlas, lai jūs redzētu, un tas ātri kļūst par to, ko vēlaties redzēt arī jūs.

46. ​​Psiho (1960)

Cilvēkus labākajā gadījumā var raksturot kā savdabīgus. Cilvēka prāts, kas spēj paveikt daudzas pārsteidzošas lietas, spēj arī deģenerēties līdz neaptveramam. Alfrēda Hičkoka filmai “Psiho” ​​nav nepieciešami ievadi, jo tā tur augstu galvu mūžīgo kinoteātru vidū. Papildus tam, ka tas ir klasisks, tas ir arī skumjš komentārs par cilvēku neveiksmīgo morāli. Un tas nav Normans Beitss! Beitsas kundzes kodīgais tvēriens, kas Normana dzīvi sagrāva bērnībā un galu galā arī pieaugušā vecumā, ir atgādinājums par to, kā mīlestība var būt smacējoša. Slaveni, Hičkoka kungs pieņēma dīvainas “Psiho” ​​politikas, kas ietvēra neļaut filmā iekļauties vēlīnās personas. Tas tika pieņemts, lai nodrošinātu pilnīgu taisnīgumu filmas pulsējošajai kulminācijas ainai. Trilleris savā patiesākajā formā “Psiho” ​​ir stāsts par dēlu, viņa māti un viņu neveselīgo īpašumtiesību saikni. Hičkoks bija tik dedzīgi sargāts par finālu, ka viņš reklamēja filmu ar šo atzīmes līniju – Nedodiet beigas — tas ir vienīgais, kas mums ir!

45. Solaris (1972)

Tarkovska “Solaris” līdzinās filmā attēlotajām parādībām. Tā ir pieredze, kas man liek aizdomāties par katras molekulas, kas veido Visumu, aizmirstību, sākot ar tās dziļi iesakņojušos jēdzienu un beidzot ar evolūciju par būtni, no kuras es nevaru šķirties. Mēs, iespējams, apzināmies zinātniskās dimensijas, bet vai jebkurš instruments var aprēķināt mīlestības vai bēdu daudzumu, ko cilvēks satur sirds nanogramā? Vai kaut kas var atrast smadzeņu šūnu, kurā mīt neaizmirstama atmiņa? No Baha burvīgās mūzikas sākuma secībā līdz daudzgadīgajai lielceļa ainai, Tarkovska laika izmantojums, lai atrautu skatītāju no normālas pasaules funkcionēšanas, ir meistarīgs. Solaris ir sfēra, kurā emocijas liek jums saviļņoties ar ārprātu, taču kurš gan nejustos, ja ārprātam ir patīkami pieskarties, un tas ir pietiekami viscerāls, lai atbrīvotu jūs no sevis.

44. Šindlera saraksts (1993)

Svarīga filma, kas lielā mērā gūst labumu no Spīlberga dramatiskā nojauta, tā ir tikpat satraucoša un jūtīga pieredze pati par sevi. Filma, tāpat kā daudzas citas šajā sarakstā, ir meistarklase kaut kā, ko man patīk saukt par vienkāršotu, ietekmīgu stāstu stāstīšanu. Stāstījums seko Oskaram Šindleram, vācu uzņēmējam, kurš holokausta laikā izglāba vairāk nekā tūkstoš ebreju dzīvības, nodarbinot tos savās rūpnīcās. Visi trīs galvenie aktieri, Liams Nīsons Oskara Šindlera lomā, Ralfs Fainss Eimona Gota lomā un Bens Kingslijs Ičaka Stērna lomā ir lieliskā formā, izrādot sirsnīgākos priekšnesumus. Aina, jo īpaši filmas beigās, kur Šindlers salūzt, ņemot vērā, cik vēl dzīvību viņš būtu varējis izglābt, ir dziļi aizkustinoša un paliek manā prātā kā viena no spēcīgākajām, sirdi atveidojošām ainām kinoteātrī. Tas, ka filma tika uzņemta melnbaltā krāsā, reti, neregulāri izmantojot krāsas, lai simbolizētu vai izceltu kādu svarīgu elementu, palielina pieredzi. Viegli, Spīlberga labākā filma, tā joprojām ir būtiska filmu skatīšanās pieredze.

43. Lorenss no Arābijas (1962)

Kino kā medijs kļūst grandiozāks. Pateicoties jaunākajām tehnoloģijām, mūsdienu filmu veidotāji piedāvā mums kādu viscerālu kino pieredzi. Bet ir dažas filmas, kas uzņemtas pirms CGI bija modē, un kuru milzīgais un monumentālais mērogs nav atradis līdziniekus. Deivida Līna episkā vēsturiskā drāma, kuras pamatā ir viņa dzīve T. E. Lorenss , viena no Lielbritānijas slavenākajām figūrām, ir viena no šādām filmām. Tajā galvenā loma ir Pēters O'Tūls Lorensa lomā, un tajā ir aprakstīti viņa piedzīvojumi Arābu pussalā Pirmā pasaules kara laikā. Jau pašā sākumā Deivids Līns glezno krāšņu kustīgu attēlu bezgalīgajam tuksnesim visā tā krāšņumā, un tam palīdz kinematogrāfs Fredijs Jangs un aizraujoša Morisa Džāra. Bet tas nekādā gadījumā neupurē emocijas ekstravagances dēļ. Pamatā “Arābijas Lorenss” ir satriecošs Lorensa rakstura pētījums – viņa emocionālās cīņas ar personīgo vardarbību, kas raksturīga karam, viņa paša identitāte un viņa dalītā uzticība starp viņa dzimto Lielbritāniju un tās armiju un viņa jaunatklātajiem biedriem. arābu tuksneša ciltis. Šī veselīgā kvalitāte padara “Arābijas Lorensu” par vienu no ietekmīgākajām filmām, kas jebkad pastāvējusi.

42. Meklētāji (1956)

Neapšaubāmi visu laiku izcilākais vesterns, izcilākā Džona Forda karjeras filma 'Meklētāji' ir amerikāņu klasika, viena no labākajām piecdesmito gadu filmām. Lai arī tolaik to apbrīnoja un cienīja, tā plosošais, satriecošais spēks netika atzīts dažus gadus, taču septiņdesmito gadu sākumā tas tika slavēts kā žanra klasika un, iespējams, visu laiku izcilākais vesterns. Laiks noteikti ir samazinājis daļu no filmas spēka, taču ne to spēcīgo, nikno Veina sniegumu, ne arī rasismu filmā, kas veicina dusmas un dusmas. Filmas virzošais stāstījums Ītans un viņa meklējumi ir mūžīgi, tikpat spēcīgi kā toreiz, iespējams, jo vairāk tāpēc, ka daudzi smalkie stāsta punkti tagad ir skaidri.

41. Pather Panchali (1955)

Filma, kas pasaulei atnesa Indijas kino un iedeva kino vienu no labākajiem autoriem Satjadžitu Reju. Pamatojoties uz Bibhutibhusana Bandopadhaja romānu, “Tēvs Pančali” stāsta par nabadzīgu ģimeni, kas cenšas zelt cauri daudzām dzīves likstām. Var iebilst, ka tas romantizē nabadzību, jo skatītājs ir liecinieks daudzajiem pārbaudījumiem, ar kuriem saskaras ģimene, pelnot iztiku. Neskatoties uz to, tieši mirkļi, kas mijas ar maestro Ravi Šankara mūziku, paliek ar skatītāju. Mīlīgās attiecības starp Appu un viņas māsu Durgu, vilcienu secība, kas ir viens no filmas svarīgākajiem notikumiem, paceļ filmu pavisam citā līmenī. “Pather Panchali” gadu gaitā ir kļuvusi par vienu no kulta filmām un regulāri tiek iekļauta visu laiku labāko filmu sarakstos, un tas ir pelnīti.

40. Kasablanka (1942)

Būtiskākā amerikāņu klasiskā filma. Iespējams, tā šarmā ir kaut kas tik lipīgs, ka jūs joprojām tajā iemīlaties, pat visus šos gadus. Neatkarīgi no tā milzīgā atkārtotas skatīšanās faktora, tā neaizmirstamais rezultāts (As Time Goes By!) un izcili citējamais dialogs ir spēcīgs arguments. Vienkārši sakot, tas ir kārums, kad visi lieliskas kino pieredzes elementi ir klāti vajadzīgajā daudzumā!

Sižets ir maigi izsakoties vienkāršs, brīžiem gandrīz vai banāls. Cinisks, sirds salauzts vīrietis, kurš vada Kasablankas slavenāko naktsklubu, nonāk krustcelēs, kad uzrodas viņa mīļotā dāma ar savu vīru. Sižeta elementi šeit ir slavenie tranzīta burti, bet stāsts ir tieši par diviem mīļotājiem, kas atrodas uz Otrā pasaules kara sākuma stadijas fona, un Bogārta varoņa grūto lēmumu — palikt vai atlaist. Tomēr, tāpat kā daudzām šī žanra filmām, izpildījums paveic savu viltību, pārvēršot 'Kasablanku' par vienu no visu laiku saistošākajām romantiskajām drāmām, kas ir arī neticami labi nospēlēta; Hamfrijs Bogārts un Ingrīda Bergmane ir visaugstākajā līmenī, un viņus prasmīgi atbalsta tādi spēlētāji kā Pols Henreids, Klods Reinss un Konrāds Veidts.

39. Berijs Lindons (1975)

Skatoties uz kino kā mākslas veidu, nevar noliegt Barija Lindona pilnību, sākot no skaistas kinematogrāfijas, valdzinošām dekorācijām, izcilas mūzikas līdz spēcīgai režijai. Kā stāsts tas stāsta par jauna vīrieša dzīvi 18.gadsimta Eiropā, kad viņš kāpj pa kāpnēm pretī aristokrātijai, lai pēc tam viņu atkal novestu uz leju nelāga likteņa dēļ. Attēlā ir dažas no lieliskākajām ainām, kas jebkad ir uzņemtas, un gaisma, krāsas, fiziskās iezīmes utt. tiek izmantotas kā žoklis. šī filma ir darījusi, izmantojot neuzticamu stāstītāju. Tas ir auksts un attāls, reti dodot skatītājiem iespēju just līdzi galvenajam varonim. No šī viedokļa Berijs Lindons ir grezns rakstura pētījums ar bagātīgiem varoņiem, reālistisku pieskārienu un poētisku emociju izpaušanas veidu. Tas vienkārši ir kino savā labākajā līmenī.

38.Ģenerālis

Viens no vecākajiem nosaukumiem sarakstā “Ģenerālis” kalpo kā atgādinājums, ka daudzi mūsdienu sižeta meistardarbi atrodas ļoti ilgā ēnā, ko aizēno neviens cits kā mēmā komēdiju ģēnijs Busters Kītons. Lepojas ar tikpat iespaidīgu daiļradi kā pat Čārlijs Čaplins, pēdējā mākslinieka piemīlīgais klaidonis Kītona gadījumā maina vietas ar apburoši muļķīgu varoņu kavalkādi; to visu ieskauj brīnišķīga kinematogrāfiska zinātkāre, kas paplašināja medija robežas tādās filmās kā Šerloks jaunākais un Operators. Tas viss, pat nepieminot viņa lielisko opusu — 1927. gada darbu Ģenerālis: pēc konfederācijas inženiera, kurš steidzas brīdināt savu pusi par Savienības karaspēka virzību Amerikas pilsoņu kara laikā. Tās stāstījums veido paraugu Džordža Millera nesenajai filmai 'Mad Max: Fury Road' un gandrīz katrai jebkad uzņemtajai kaķa un peles filmai, kas izturas ar tās jautrajām komēdijām, iespaidīgajiem specefektiem un bravūras trikiem, kuru dēļ Kītons apdraud savu dzīvību vēl vairāk. nekā vienu reizi, lai slavētu savu mīlošo auditoriju. Ģenerālis joprojām ir viena no labākajām asa sižeta filmām, kas jebkad uzņemta — tāda, kas izklaidējas ar katru savas būtības unci un spēj izsaukt tik daudz izcili apstrādātu episkā mēroga momentu, lai konkurētu ar jebkuru ar CG pārslogotu šodien uzņemto romānu.

37. Blow Up (1966)

Laiks ? Šūpojošie sešdesmitie gadi. Vieta? Londona. Pilsēta, kas žilbina un žilbina. Spilgts un krāšņi. Sekss, narkotikas un rokenrols. Kopumā diena Tomasa dzīvē, modes fotogrāfam, kurš dzīvo, teiksim, apšaubāmu morāli. Notikumiem bagātā dienā, pārbaudot kāda pāra fotogrāfijas, kuras viņš diezgan slepus iemūžinājis parkā, viņš atklāj tajā mirušu ķermeni. Viņš dodas uz to pašu vietu un atrod ķermeni, kas ir vīrietis no pāra. Baidījies, viņš atgriežas savā darbnīcā, lai atrastu to izlaupītu, bet palicis viens fotoattēls, kurā redzams mirušā ķermenis. Nākamajā dienā ķermenis pazūd. Kurš viņu nogalināja? Un kāpēc ķermenis pazuda? Kāpēc Tomass juta, ka viņam seko? Filma 'Blow Up' ir režisora ​​Mikelandželo Antonioni klasiskā darbība, kas gadu gaitā ir iedvesmojusi daudzus filmu veidotājus, tostarp Braienu De Palmu un Frensisu Fordu Kopolu.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Galvu reibinošā, sirreālā mīlestības un sirdssāpes epifānija nekad nav pētīta tādā veidā un tādā mērā, kā to dara “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Piesātināts ar skaistiem attēliem un izgudrojošu partitūru, kas līdzinās klusā laikmeta skaņu celiņam, un nav iespējams izskaidrot visu par 'Nevainojamā prāta mūžīgo sauli'. Nav šaubu, ka filma ir slāņota ar grūti izsekojamu stāstījumu — lai gan patiesībā tā ir vienkārša, tiklīdz sāc sekot, tā ir viena no tām filmām, kas ir bagātīgi atalgojoša tikai tāpēc, ka nevari atturēties no aizmigšanas no ļoti pārdomātās koncepcijas un dziļi aizkustinoša. filma, ka tā ir. Bet izrādes īstā zvaigzne ir tās rakstnieks, Čārlijs Kaufmans , kurš filmas “Nevainojamā prāta mūžīgā saulīte” formā, iespējams, būtu uzrakstījis visu laiku izcilāko scenāriju kino vēsturē. Filma, kas ir ne tikai unikāla savā veidā, bet arī bezgalīgi skatāma, un katrā skatīšanās reizē var atrast kaut ko jaunu.

35. Taksometra vadītājs (1976)

Filmā “Taksometra šoferis” Martins Skorsēze mums sniedz vienu no visvairāk satrauktākajiem, maz ticamākajiem, tomēr dīvainākajiem mūsu laika varoņiem Trevisā Biklā. Filma seko viņam, kad viņš kļūst par taksometra vadītāju, lai tiktu galā ar savu bezmiegu, un vēro, kā viņu lēnām pārņem viss apkārtējās pilsētas neprāts. Patiesais veids, kā filma uzvar Taksometra šoferis, ir tas, kā tai izdodas piezagties jums, lēnām izkļūstot cauri slinkumam un šausmām, kas, šķiet, aizskar Trevisu Bikli. Šajā ziņā tas pamatoti izpelnījies savu atšķirību kā psiholoģisks trilleris vairāk nekā drāma, bieži strādājot vairākos līmeņos, nevis vienkārši abi. Dažiem filma var būt satraucošs skatiens tās tumšās tēmas, vēl drūmākas attieksmes un saujiņas vardarbības dēļ, taču skatītājiem, kas vēlas paskatīties tai garām, tas nav nekas cits kā izcils mēģinājums izprast filmas daļu. cilvēka psihi, kas visbiežāk izpaužas modrības formā. Es domāju, kurš gan nedomā par to, kā piekrist mūsu laika nepareizībai un to atdot? Tā ir dziļi iesakņojusies vēlmju piepildījuma fantāzija, ar kuru “Taxi Driver” ļoti efektīvi rotaļājas. Filma tagad tiek plaši uzskatīta par vienu no vissvarīgākajām filmām, kas jebkad uzņemta, un iepazīstināja pasauli ar Skorsēzes spēku.

34. Paths Of Glory (1957)

Pirms Stenlijs Kubriks devās tālāk, lai izpētītu neizskaidrojamos sabiedrības aspektus, kas ne tikai pārsniedz laiku, bet arī skatītāju gaidas no sevis, viņš izveidoja šo aizraujošo kara skaņdarbu, kuru es ierindoju līdzās “Nāc un redzi”. Atšķirībā no pēdējās, Paths of Glory savu sirdi plosošo WW atveidojumu iegūst no tā paša cilvēcības sekluma, kas dominēja Kubrika pēdējos darbos. Kubrika pasaulē dēmoni nav klāti ar asinīm un dubļiem, bet ar medaļām un lepnumu, un elle ienirt vissvētākajā vietā, tiesā. Laikā, kad nozare bija pieņēmusi pievilcīgo 3 sloksni, Kubrika vienkrāsains krāsoja karu ar vienu toni. Ķermeņi, lupatas, kazarmas, dūmi, pelni, viss, kas maskējās ar parasto satraucošās mokas skatu.

33. Trīs krāsas: sarkana (1994)

Mākslinieka nāves skumjākā daļa ir tad, kad jūs domājat, ka viņu pēdējais darbs ir viņu visu laiku lielākais darbs. Tā tas notika ar poļu autoru Kšištofu Kīslovski un viņa pēdējo filmu “Red”. Kīslovskis jau bija paziņojis par aiziešanu no filmu veidošanas pēc filmas pirmizrādes Kannās 1994. gadā, taču viņa traģiskā nāve gandrīz divus gadus pēc paziņojuma par aiziešanu pensijā padara to vēl dziļāku. “Sarkans” ir pēdējā daļa viņa augsti novērtētajā triloģijā “Trīs krāsas”, un tā stāsta par jaunu sievieti, kura sastopas ar vecu vīrieti pēc tam, kad viņa ar savu automašīnu nejauši notrieca viņa suni. Vecais vīrs ir atvaļināts tiesnesis, atrauts no dzīves un jebkādām emocijām un pavada savu laiku, spiegojot citus cilvēkus. Starp abiem veidojas maz ticama saikne ar smalku romantisku pieskaņu. “Sarkanais” ir par nejaušībām un sakritībām, kas mūs pārsteidz ikdienā, un par mūsu nespēju apzināties tā skaistumu un nozīmi. Visā filmā valda neizskaidrojama melanholijas sajūta par cilvēka likteņa un laika traģēdiju un to, kā mēs kā cilvēki pasaulē esam vienā vai otrā veidā saistīti. “Sarkans” ir pārsteidzošs varoņdarbs filmu veidošanā un vienkārši viena no labākajām filmām, kas jebkad uzņemta.

32. Sjerramadres dārgums (1948)

Kā norāda nosaukums, dārgumu meklēšanas mums bieži asociējas ar pulsējošo piedzīvojumu un ar to saistīto adrenalīna pieplūdumu. Taču ir ļoti maz stāstu, kas stāsta par emocijām, kuras cilvēki piedzīvo, dodoties ceļojumā, lai iegūtu šo zeltu. Mēdz teikt, ka likstas atklāj tavu patieso raksturu. 'Sjerramadres dārgumi' stāsta par stāstu, kurā tieksme pēc zelta ienes personāžos nepatīkamas izmaiņas, galu galā izraisot viņu individuālo pamestību. Lai gan galvenā uzmanība tiek pievērsta alkatībai, kas sabojā sirdsapziņu, skatītājam paliek cilvēka rakstura izpēte nelabvēlīgās situācijās. Traģisks stāsts par alkatību un nodevību, šī filma ieguva akadēmijas balvu par labāko režisoru, labāko adaptēto scenāriju un labāko otrā plāna aktieri. Gadu gaitā tas ir kļuvis par kulta klasiku kino mīļotājiem visā pasaulē.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fantastika — termins, ko apzīmē žurnāliem vai grāmatām, kas īpaši izceļ vardarbību, seksu un noziedzību. Šie elementi lika žurnāliem pārdoties kā karstas pankūkas. Tarantino izmantoja šos elementus, sajauca tos trīs stāstos un radīja stāstījumu, kas bija ne mazāk kā kino ģēnijs. Viena no unikālākajām popkultūras filmām, kas ir uzņemta, skatītājs tiek iepazīstināts ar maficīta hitman Vincenta Vega, viņa partneri noziedzības un motormutes Žila Vinnfīlda, gangstera sieva Mia Wallace, bokseris Butch Coolidge un aizraujas ar pasauli. tā stilīgā attieksme pret noziedzību un vardarbību. Viens no svarīgākajiem filmas aspektiem, kas veicināja tās panākumus, bija Samuela L Džeksona sniegums. Kā slepkava Džūlss Vinnfīlds, kurš citē Bībeles pantus kā punktus, viņš bija fenomenāls. Viena no šī laikmeta izcilākajām filmām “Pulp Fiction” ir kļuvusi par mācību grāmatu topošajiem filmu veidotājiem visā pasaulē.

30. Alžīras kauja (1966)

Dažas filmas ir izmantojušas politikas nastu tādā veidā, kas bagātina to kinematogrāfisko efektu, bet atstājiet viltīgā uzliesmojošā itāļu maestro Džillo Pontekorvo ziņā, lai ņemtu vērā joprojām kūsošo 50. gadu beigu Francijas koloniālās Alžīrijas iedzīvotāju apspiešanas uzliesmojumu un pārvērstu to par kaut ko. pilnīgi pārliecinoši. Joprojām senatnīgās paralēles, ko Pontekorvo apbrīnojami neitrāls novērojums par terorismu un terorismu, ko šodien velk abas puses, padara Alžīras kaujas piedzīvošanu par aizraujošu intelektuālu izaicinājumu mūsu izpratnei par melnbalto karu, kā arī Miklosa vēsumu. Jančo neizdzēšamā filmogrāfija. Turklāt tā kinohronikas rediģēšanas metodes ir orientieris filmu komunikācijā, un, manuprāt, tas daudz vairāk izmantoja Nouvelle Vague trakulīgās griešanas paņēmienus nekā daudzi tā pētnieciskie virsraksti. Reiz redzēts, nekad neaizmirstams - 'Alžīras kauja' ir gluži vienkārši izcils pasaules kino gabals.

29. Goodfellas (1990)

Režisora ​​sapnis ir radīt filmas epohālu laika posmam, kurā tā tapusi. Taču Martinam Skorsēzei tas ir ieradums. Katru desmitgadi viņš ir bijis A-Lister, viņš ir uzņēmis filmu, kas tiek uzskatīta par vienu no šī perioda izcilākajām. Viņš veidoja filmu “Taxi Driver” 70. gados, “Raging Bull” 1980. gados, “Goodfellas” 90. gados, “The Departed” 2000. gados un “The Wolf Of Wall Street” 2010. gados. Un tā ir 1990. gada gangsteru drāma, kuras pamatā ir patiess stāsts par mafiozu līdzstrādnieku Henriju Hilu, kas kļuva par vienu no žanra etaloniem. Filma, kuru pirmajā personā stāsta Hils, stāsta par viņa uzplaukumu un kritumu Ņujorkas mafijas sastāvā no 1955. līdz 1980. gadam. Pretstatā visai gangsteru izšķērdībai filmās “Krusttēvs” vai “Rētas seja”, “Labie puiši” attiecas uz autentiskas ikdienas gangsteru dzīves nianses, koncentrējoties uz Hila attiecībām ar sievu Kārenu, kā uz varoņdarbiem ar saviem bandas biedriem. Bet Skorsēze izmanto visas bultiņas savās triku virpuļņās, lai padarītu šo lietu vilinošu, piemēram, šis leģendārais tālsekošanas metiens , daži neaizmirstami dialogi un Joe Pesci sprādzienbīstama darbība Tomija DeVito, Hila vētrainā līdzgaitnieka lomā. Runājot par nozieguma žanru, “Goodfellas” ir tik labi, cik tas ir.

28. Raging Bull (1980)

Martins Skorsēze ir pazīstams ar to, ka savās filmās attēlo stāstus par salauztiem, kļūdainiem, bieži pašiznīcinošiem varoņiem. Un viņš bieži ir pārlūkojis vēstures annāļus, lai patiesos stāstos atrastu savus kritušos varoņus. ‘Raging Bull’ ir leģendārā boksera Džeika LaMotas dzīvesstāsts, kura pašiznīcinošā un uzmācīgā niknuma, seksuālās greizsirdības un dzīvnieciskā apetīte, kas viņu padarījusi par čempionu ringā, iznīcināja attiecības ar sievu un ģimeni. Filma ir pilnībā uzņemta melnbaltā, lai patiesi attēlotu laikmetu, kurā tā tika uzņemta, un tumšo, nomācošo noskaņu, ko tā noteica. Skorsēze gaidīja, ka šis būs viņa pēdējais projekts. Tādējādi viņš savu filmu veidošanā bija ļoti prasīgs. Tikpat veltīts bija Roberts De Niro, kurš galvenajā lomā. Viņš ieguva 60 mārciņas un faktiski trenējās kā bokseris. Viņš pārņem LaMottas īsi sapludinātās manieres ar ugunīgu pilnību, pilnībā iegremdējot sevi raksturā. Viņš saņēma pelnītu naudu par savām nepatikšanām. Šis ir Skorsēzes-De Niro lielākais triumfs. Intensīvs, spēcīgs magnum opuss.

27. Krusttēvs: II daļa (1974)

Otrās daļas vēsturē ir zināms, ka tikai dažas filmas atbilst pirmās kārtas godībai, dažos aspektos tās pārspēj. Ja tiks izveidots saraksts ar šādām filmām, “Krusttēvs: II daļa” būs tā dārgakmens. Pirmā mantojuma ievērošana pats par sevi bija milzīgs uzdevums, taču šis krusttēva sāgas turpinājums ne tikai izdevās, bet arī paplašināja savu mantojumu, lai kļūtu par daļu no lielākā amerikāņu stāsta par organizēto noziedzību, kāds jebkad ir stāstīts. Filma piedāvā divus paralēlus naratīvus; viens nodarbojas ar Maiklu Korleoni kā Korleones “ģimenes uzņēmuma” jauno vadītāju, otrs demonstrē izcilo Robertu De Niro kā jauno Vito Korleoni un viņa nākšanu pie varas. Abi stāsti ir prasmīgi noausti, nodrošinot vilinošu stāstījumu, kas ne reizi vien neatbrīvo skatītāju. Als Pačīno šeit paveic dažus no saviem labākajiem darbiem, viņa jaunatklātais skatiens praktiski grauž ainavu katru reizi, kad viņš parādās ekrānā. Viena no tām gandrīz ideālajām filmām, kuru var noskatīties neatkarīgi no laika, vietas un pēdējās skatīšanās reizes, un jūs joprojām esat pilnībā pakļauts un nobijies. Ja I daļa ir svētais altāris, II daļa ir maize un vīns.

26. A Clockwork Orange (1971)

Pirmā lieta, kas, iespējams, nāk prātā, lūdzot aprakstīt šo filmu vienā vārdā, ir 'satraucošs'. Vienīgā filma sarakstā, kuru es uzdrošinos apskatīt vēlreiz, es pieķēru sevi vairākas reizes, skatoties šo filmu. “Pulksteņmehānisms” ir sociāls komentārs savā bezkompromisa izteiksmē, sniedzot izteiksmīgus attēlus, no kuriem nekad nevarēs atgūties. Tas ir tumšs, tas ir savīti, un tas nesniedz atpestīšanu tiem, kas to meklē filmā ar, iespējams, drūmāko distopijas atveidojumu no sabiedrības viedokļa. Un tajā, manuprāt, slēpjas filmas panākumi, virzot mājās satraucošu vēstījumu. Netradicionāls jebkurā veidā, ko varat iedomāties, tas nodrošina mūs ar varoņiem, kuri ir līdz sirds dziļumiem spītīgi un nododas ultravardarbībai un izvarošanai; tas komentē lietu sociālpolitisko stāvokli visskarbākajā veidā, kādu vien varat iedomāties, rada apjukumu, jo Alekss Delaržs (kuru spēlē harizmātiskais Malkolms Makdauels) tiek pakļauts necilvēcīgiem pārveidošanas veidiem un beidzas, atstājot auditoriju farrago no visām lietām, ko šī satraucošā pieredze liek jums justies uzreiz. Patiešām, Kubricka proporciju darbs.

25. Vertigo (1958)

Stāsts par 'Vertigo' ir šāds – bijušais detektīvs Skotijs (Džeimss Stjuarts) cieš no akrofobijas saistībā ar incidentu, kas noticis dienesta pienākumu pildīšanas laikā. Viņu uzrunā vecs draugs, lai uzraudzītu viņa sievu Madlēnu, kuru viņš uzskata par apsēstu. Sākotnēji skeptiski noskaņotais Skotijs drīz vien kļūst pašiznīcinoši apsēsts ar skaisto dāmu, kura, šķiet, ir daudz vairāk, nekā viņa pieļauj. Alfrēda Hičkoka spožums slēpjas apstāklī, ka viņa labākās filmas, kuras ir aizraujoši noskatīties pirmo reizi, šķiet, paver skatītājam jaunu izpratnes slāni katrā nākamajā reizē. Protams, virspusēji skatoties, “Vertigo; ir labi izstrādāts psiholoģiskās slepkavības noslēpums. Bet, to skatoties atkal un atkal, tā tēmas par vīriešu agresiju un sievietes tēla veidošanu vīrieša prātā sāk izvērsties kā bezgalības kaste un aprīt jūs. Iespējams, vissmalkāk novecojošā filma, kas jebkad uzņemta, un Vertigo lēni degošo spožumu liecina fakts, ka pēc pretrunīgām atsauksmēm filma tiek plaši uzskatīta par vienu no visu laiku izcilākajām filmām. Trilleru meistara meistardarbs.

24. Hirosima, mana mīlestība (1959)

Dzimusi no franču kreisā krasta vizionāra Alēna Resnē prāta, “Hirosima mon amour” ir filma, kas raud ar pārpasaulīgu spēku. Tās stāsts par laiku, kas savijas ar atmiņām un abu rētu ievainojumiem, kas notika Hirosimā Otrā pasaules kara laikā, un tas tika izstāstīts caur diviem cilvēkiem — vienu francūzi, vienu japāni —, mēģinot apkopot dominējošo vēstījumu par tur nodarītajiem postījumiem. Izņemot to, ka no šādas muļķības neko nevar iegūt ne intelektuāli, ne emocionāli. Tas ir starptautisku bēdu pārņemts darbs, kas sniedzas tālāk par pašu konfliktu un patiesībām un represijām, kas cilvēkus vajā katru dienu. Caur atomu sprādziena atbalsošanos mēs atrodam nelielu daļu no tā, kas ar mums ir tik nepareizi. Fakts, ka Resnais vienkārši saprot šo neaizskaramo apjukumu, nevis mēģina to novērst, padara “Hirosimu mon amour” par vienu no lielākajiem kino šedevriem.

23. Random Balthazar (1966)

Roberta Bresona pamestais šedevrs ir jūtu vingrinājums. Tas novērš skaidra galvenā varoņa vai galvenās tēmas definēšanu, ja vien neskaita brīnumaino dabas spēku, kas ir Baltazars, un, ja uztverat filmu pēc nominālvērtības, tad ne. Bet, ja ļaujat viņam būt jūsu piekļuves punktam filmas emocionālajai un tematiskajai ainavai, ir grūti no tās atgriezties bez atlīdzības. Baltazar savdabīgais, liesais un vēsais vizuālais stils retrospektīvā šķiet gandrīz krāšņi; tās mierīgais trauslums ietīts rezignētā, īpaši gudrā kontroles izjūtā. Pat tā taustāmais godīgums slēpj pētītas pūles nedaudz aizturēt, lai savā uzstādījuma un rakstura vienkāršībā barotu bagātību, kas skatītājiem atstāta atklāt un dažos elpu aizraujošos gadījumos iztēloties. Tā kā aktieri tik maz runā par savām grūtībām, mēs piedzīvojam nejaušus, nepamatotus nežēlības aktus un jūtam slāpējošās skumjas. priekš viņiem. Formā, kurā pat izcilāko mākslinieku mērķis ir tikai uzlabot skatītāju sajūtas, pielāgojoties pārbaudītajam, Bresona attēli sniedza man lirisku veidni, uz kuru balstīt manas līdzjūtības lielumu, lai pat novērtētu, cik šī līdzjūtība ir apzināta. .

Tas viss mani atgriež pie sākotnējās domas. Nozīmes piešķiršana katram mirklim “Baltazarā” nav atkarīga no tā, vai mēs pieņemam, ka tā saturs ir sociāla vai pat politiska rakstura alegorija, bet gan no tā, kā tās mūs padara justies izbaudot to sarežģītību un klusumu, nevis paļaujoties uz bezprātīgo ekspozīciju, ko izmanto lielākā daļa filmu. Tāpēc ir pilnīgi loģiski, ja galvenais varonis ir tāda paša nosaukuma ēzelis.

22. Andrejs Rubļevs (1966)

Manuprāt, 'Andrejs Rubļevs' ir izcilākais piemērs krievu autora Andreja Tarkovska koncepcijai par tēlniecību laikā. Liela daļa viņa pēdējo darbu bija abstrakti, jo viņš nodarbojās ar neticami personiskām tēmām un vizualizāciju, kas bija izkaisīta dažādos laika periodos. Ar “Andreju Rubļevu” Tarkovskis tvēra pašu laiku un pēc tam noglāstīja to ar mākslinieka dvēseles dziļākajām nokrāsām. Tarkovskis, iespējams, ir vienīgais režisors, kurš spējis sasniegt augstāko sasniegumu mākslinieka represiju attēlošanā. Viņš pēta Krievijas nomācošos režīmus, kas valstij ir tikpat vietējie kā tās dziļā literatūra, kas pārsteidzoši ir apšaubījusi visnepieciešamākos jautājumus par garīgo un metafizisko. Daudzas no Tarkovska vēlākajām iezīmēm, tostarp dabas plūsmas filmēšana, var novērot Andreja Rubļeva ceļojumā. Tā ir filma, kas tevi filmē, sagrauj un liek aizdomāties — gan filmas laikā, gan ilgi pēc titru izspiešanas.

21. Piedzīvojums (1960)

Kā jūs jūtaties par neatrisinātu noslēpumu? Vai nepabeigts stāsts? Vai jūs meklējat noslēgumu, izmisīgi to meklējot? Vai arī jūs pieņemat faktus un tad virzāties tālāk? Vai tā nav visa dzīve? Piekāpties un virzīties tālāk? Filma “L’Avventura”, kas atnesa Mikelandželo Antonioni atzinību visā pasaulē, ir stāsts par jaunas sievietes pazušanu, braucot ar jahtu pāri Sicīlijas krastiem. Viņas meklējumi satuvina bijušo mīļāko un labāko draugu, un sākas satraucošas attiecības. Lai gan stāsts ir saistīts ar pazudušas sievietes meklējumiem, tā patiesais mērķis ir veidot stāstījumu, nekoncentrējoties uz kādu nozīmīgu notikumu un joprojām spējot aizraut skatītājus. Centrālo varoņu patiesie motīvi nekad netiek līdz galam izskaidroti, un, filmai beidzoties, skatītājs ir spiests samierināties ar to, ka daži notikumi tāpat kā dzīve paliek neizskaidroti. Neapšaubāms šedevrs!

20. Breathless (1960)

Ilgi pirms tam, kad Kventins Tarantīno iekļuva Amerikas indie arēnā ar savu mežonīgi savdabīgo pieeju filmu veidošanai, kas akcentēja stilu pār būtību, bija šis cilvēks vārdā Žans Luks Godārs, kurš bezbailīgi pārņēma tradicionālās kinematogrāfiskās gramatikas un neapdomīgi tās lauza. leju, no jauna definējot un veidojot filmas tā, kā mēs to redzam šodien, izmantojot filmu “Breathless”. Iespējams, nevienai citai filmai nav izdevies tvert jaunības īslaicīgo neprātu tā, kā to dara “Breathless” ar savu neapdomīgo enerģiju un reibinošo noskaņu. Neparastā lēcienu izmantošana uzmundrina priekšnoteikumam raksturīgo neprātu, jo Godārs nežēlīgi met jūs prom no saviem varoņiem, aicinot koncentrēties uz sižeta fragmentētajiem aspektiem, nevis stāstam kopumā. 'Breathless' ir viena no nozīmīgākajām filmu debijām kino vēsturē, un, lai gan tā turpina polarizēt kinofilus un kritiķus, nevar noliegt tās ietekmi uz mūsdienu kino.

19. Septiņi samuraji (1958)

Akira Kurosava ir viens no oriģinālākajiem, ietekmīgākajiem un atsaucīgākajiem režisoriem, kāds jebkad ir dzīvojis. Rodžers Eberts reiz teica par Kurosavu. Varētu apgalvot, ka šis lielākais režisors nākamajiem piecdesmit gadiem nodarbināja asa sižeta varoņus, un viņš nevarēja būt patiesāks. Sergeja Leones 'Dūre dolāru', kas, domājams, ir radījusi spageti vesterna žanru, iedvesmojusies no Kurosavas 'Yojmbo'. Arī mūsu pašreizējais ieraksts ir tehnisks un radošs ūdensšķirtne, un tas ir iedvesmojis neskaitāmus tiešus pārstāstus, kā arī daudz vizuālo elementu mūsdienu kino . Episkā drāma atspoguļo septiņu stāstu ronin (bezmeistarīgie samuraji), kuri ķeras pie ieročiem, lai aizstāvētu nabadzīgo civilizāciju, kurā viņiem vairs nav vietas, no uzbrukumiem bandītiem 16. gadsimta Japānā, kas beidzas ar sīvu kulminācijas cīņu. Taču filmas “Septiņi samuraji” spožums slēpjas apstāklī, ka tas stāsta virkni labi izstrādātu stāstu, kas aptver dažādus žanrus galvenās drāmas ietvaros. Visā filmā ir asa sižeta, piedzīvojumu, romantikas un pilngadības elementi. Tas sastāv arī no tik bagātīgi attīstītiem varoņiem kā rets steiks, kas vēlāk kļuva par vairāku žanru pamatelementiem. Patiešām iedvesmojošs mākslas darbs.

18. Dzīvības koks (2010)

'Dzīvības koks' ir augstākais kino veids: tas vienkārši nestāsta stāstu, bet gan cenšas mainīt jūsu dzīvi. Tā ir filma, kurai būs vajadzīgs laiks, lai jūs pāraugtu, un, kad tā notiks, jums būs grūti pastāvīgi par to nedomāt. Neparasti vērienīga un vērienīga kinematogrāfiskā poēma “Dzīvības koks” ne tikai lūdz skatītājiem vērot, bet arī pārdomāt un sajust. Vienkāršākajā nozīmē tas ir stāsts par sevis atrašanas ceļojumu. Sarežģītākajā veidā tā ir meditācija par cilvēka dzīvi un mūsu vietu lielajā lietu shēmā. Nav nozīmes tam, kādai ticībai tu tici un vai vispār tici augstākai būtnei. Īstā brīnuma sajūta filmā rodas no burvības, kāda ir pati dzīve. Filmas skaistākais aspekts ir tas, ka ar laiku tā kļūst labāka, piemēram, labs vīns.

17. Tuvplāns (1990)

Mūžīgais izcilais irāņu autors Abbass Kiarostami bieži redzēja skaistumu un dzeju visneprātīgāk ikdienišķajās cilvēku dzīves epizodēs. Ar maldinoši vienkāršiem sižetiem un naturālistiskiem uzstādījumiem Kiarostami izpētīja universālas tēmas, kas nemanāmi pārsniedza kultūras barjeras, kas radās viņa kino cilvēcības dēļ. Filma “Tuvplāns”, iespējams, ir viņa visveiksmīgākais darbs un viens no oriģinālākajiem, atjautīgākajiem darbiem. jebkad radīto kinematogrāfisko mākslu. Filma ir veidota kā dokumentālā fantastika, lai aprakstītu reālu tiesas prāvu pret vīrieti, kurš uzdevies irāņu kinorežisoram Mohsenam Makhmalbafam. Aktieru sastāvā ir cilvēki, kuri faktiski bija iesaistīti tiesas procesā, filmā atveidojot sevi. 'Close Up' ir pārsteidzošs cilvēka identitātes pētījums, kas redzams ar parasta cilvēka acīm, kurš cīnās ar sevi un savu dzīvi, un aiz izmisuma skumjām un patiesas mīlestības pret kinomākslu viņš iekāpj sava elka ādā, lai zināt, kā ir būt patiesi dzīvam, apbrīnotam un cienītam. Šī ir augstākā līmeņa filmu veidošana.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brisele (1975)

Šī franču avangarda filma, kurā galvenās lomas atveidotāja ir Delfīna Seiriga, nav tikai kino pieredze. Tas ir tuvāk vingrinājumam – pārbaudījumam un ietekmē jūs tā, kā dažas citas filmas ir paveikušas pirms vai pēc tam. Neatkarīgā skaņdarba uzmanības centrā ir trīs dienas vientuļas, nemierīgās mājsaimnieces dzīvē, kad viņa veic savu stingro grafiku, kas piepildīts ar ikdienišķiem mājsaimniecības darbiem. Viņa ir māte un atraitne, kas vakaros veic seksa darbus kungiem, lai nopelnītu iztiku. Problēmas rodas, ja otrajā dienā viņas rutīna ir nedaudz traucēta, izraisot domino efektu, kas atspoguļojas nākamajās stundās. Žanna Dīlmane ievelk cilvēku tās lēnajā un meditatīvajā pasaulē ar Akermana raksturīgo režisora ​​zīmi, kas ietver diētisku atmosfēru un hipnotisku auru, ko rada meistardarba mierīgā, smalkā un pacietīgā personība, kas ir sāpīga esamības monotonijas svinēšana.

15. Rashomon (1950)

Viens no sava laika netradicionālākajiem un eksperimentālākajiem filmu veidošanas darbiem ‘Rashomon’ vēro meistaru darbā, pilnībā izliekot savas stāstu prasmes. Vienkāršāk sakot, tas ir stāsts par incidentu, kas notika, izmantojot četrus ļoti atšķirīgus viedokļus — apsūdzēto, upuru un to personu, kas apgalvoja, ka ir aculiecinieki. Tā izceļas no visiem tehniskajiem apsvērumiem ar gandrīz nevainojamu montāžu un meistarīgu režiju, taču filma gūst panākumus tematiskajos jautājumos, ar kuriem tā nodarbojas; jautājumi par absolūtas patiesības esamību. Vai patiesība tiešām ir tik objektīva un netaisnīga, par kādu to liek domāt, vai arī ar to ir saistīta kāda subjektivitāte? Parasti tas ir objektīvs vai vismaz tiek uzskatīts par tādu, šķietami nav citu versiju. Šī filma to apšauba tādā veidā, ka pats skatītājs paliek aizkaitināts ar jautājumiem, bieži komentējot arī to, kā cilvēki dažkārt nav līdz galam godīgi pat pret sevi. Tas ir tik tematiski sarežģīts, cik tas var būt, tomēr šķietami tik vienkārši, kā jūs vēlaties.

14. Stalker (1979)

Nevar pārspīlēt tā mazāko pēcnācējus, tostarp ļoti veiksmīgo televīzijas seriālu “Westworld”, “Stalkera” milzīgo ietekmi uz vizuālo stāstījumu. Idejas – filozofiskas, garīgas un zinātniskas –, kā arī to veiklā, krāšņā kinematogrāfiskā izpēte filmā “Stalker” ir atstājusi iespaidu uz daudzām zinātniskajām fantastikām, kas nāks pēc tam. Tādu filmu veidotāju kā Terenss Maliks ir atspoguļojies ne tik daudz slīdēšanas, transu izraisošā un punktos, abstraktā ritmā vai dvēseli aizkustinošā monohromatiskās sēpijas izmantošana ārpus zonas un vietu iespiedošās krāsas Igaunijā. un Lavs Diazs, lai nosauktu dažus, bet ilgstošu pacietību un pazemību. Lielā mērā nododot filozofiskos valdīšanas laikus skatītājiem, Tarkovskis atstāj tik daudz vietas, lai skatītāji paši varētu atklāt vairākas filmas metafiziskās šķautnes, ka pat tās nepārspējamā literārā un vizuālā dzeja šķiet tikpat daudz mūsu kā viņa izdomājuma izdomājums. un viņa līdzstrādniekiem”. Un tomēr filma paliek savrup, ievedot mūs neizdibināmajos prāta un sirds noslēpumos, un mēs nekad tos neatrisinām, jo ​​taisnais ceļš nekad nav īstais.

13. Fanija un Aleksandrs (1982)

Gandrīz 35 gadus pēc sākotnējās iznākšanas Bergmana pēdējā režisora ​​​​filma ir tikpat aizraujoša kā toreiz kritiķiem visā pasaulē, kuri, šķiet, cīnījās, lai nodrošinātu, ka viņu viedoklis par to tiktu uzklausīts. Šie viedokļi bija daudz dalošāki nekā šodien, taču filmas vietu Bergmana filmogrāfijā joprojām ir grūti definēt. Pēc toņa, struktūras un milzīgā apjoma tas atšķiras no visa, ko Bergmans bija darījis līdz šim. Taču tas ir arī neapšaubāms visu viņa tematisko un vizuālo instinktu apvienojums, kas krustojas šajā dzīvi apliecinošajā ģimenes gobelenā 1900. gadu sākumā Zviedrijā. Šķiet, ka tā gleznainā pārpilnība jau pirmajā noskatīšanās reizē piesaista visu jūsu uzmanību ar dziļi ieskaujošām sarkano, zaļo un maigo, silto dzelteno toņu variācijām, kas veido tik reibinošu krāsu paleti, ka tās trūkums – kad viss ir klāts baltos, melnos un skarbi zilajos – šķiet sodošs. Bergmana rūpīgi izstrādātās hronikas izstaro ģimenes piknika dvēseli, un tajās ir pazīstamas cilvēku saites, kuras gadu desmitiem turēja patiesa, trausla pieķeršanās. Šajā dāsni veidotajā dzīves atveidē dzimšana un nāve ir nejaušas. Mazajā pasaulītē šie tēli, tāpat kā vairums no mums, mīt, apkārtnes prieki ir viss, uz ko var cerēt, un viņiem ar tiem pietiek, kā arī mums. Vai tas viss ir ilūzija? Vērojot, kā šis gigantiskais ansamblis dara tādus brīnumus, tā varētu domāt. Ja tā ir, ticiet man, jūs nevēlaties, lai tas tiktu sagrauts.

12. Apokalipse tagad (1979)

Ir kara filmas, kas parāda kara sarežģījumus (piemēram, 'Enemy At The Gates'), dažas citas, kas žēlojas un riebjas pret to (piemēram, 'Pianists'), un pēc tam ir drosmīgā 'Apokalipse tagad', kurā nav viedoklis vai secinājums, bet tā vietā grafiski attēlo kara šausmas, vienlaikus slavinot karavīrus, kas tajā piedalās. Līdz šim notiek debates par to, vai “Apokalipse tagad” atbalsta karu vai ir pret karu. Mīli vai ienīsti to; droša lieta ir tāda, ka jūs to atcerēsities. Viens no problemātiskākajiem iestudējumiem Holivudas vēsturē, rakstnieka un režisora ​​Frensisa Forda Kopolas pēdējais griezums beidzās ar viņa tehniski izcilāko darbu. Priekšnoteikums ir vienkāršs – kapteinim Vilardam ir jāizbeidz ar ārkārtēju aizspriedumu pulkvedis Kurcs, kurš ir ienācis ienaidnieka teritorijā un aizgājis no AWOL. Taču Vilarda novājinošais ceļojums pa Vjetnamas mokošajiem kaujas laukiem (kuru paaugstina Vitorio Storaro elpu aizraujošā kinematogrāfija) joprojām ir iegravēts prātos arī pēc titriem. Ietver vienu neaizmirstamu ainu pēc otras, kā arī Mārtina Šīna kā Vilāra, Marlona Brando kā Kurca un Roberta Duvāla kā 'napalmas entuziastu' pulkvežleitnants Kilgors, 'Apokalipse tagad', kā pareizi norādīja Kopola, nav par Vjetnamu. Tā ir Vjetnama.

11. The 400 Blows (1959)

Fransuā Trufo “The 400 Blows” ir īsts mākslas darbs, kas izriet no patiesām sāpēm. Patiesi sirsnīgs un dziļi personisks darbs, Trufo veltīja filmu savam garīgajam tēvam un starptautiski atzītajam kino teorētiķim Andrē Bazinam. Pēc savas būtības izteikti autobiogrāfiska, paša Trufa bērnība bija nemierīga, un tas ļoti skaidri atspoguļojas filmā. No ārpuses filma ir par nepilngadīgo un pusaudžu likumpārkāpumiem, ko bieži vien izraisa sabiedrības un vecāku nevērība. Paskatieties mazliet dziļāk, un jūs atradīsiet filmu par cerību; ceru, ka tas ir gan intensīvs, gan terapeitisks. Antuāns Doinels, galvenais varonis, savā ziņā ir stingrs pašas sabiedrības pārstāvis, sabiedrība, kas slēpj savas neveiksmes aiz noteikumiem, sodiem un spriedumiem. Filma plūst kā upe un aizved skatītājus cerību, izmisuma, empātijas un pat milzīgu dusmu ceļojumā. Ja kādreiz esat vēlējies redzēt, kā izskatās šedevrs, meklējiet tikai '400 sitienus'.

10. Mulholland Drive (2001)

Deivids Linčs nav filmu veidotājs. Vīrietis ir sapņotājs. Un “Mulholland Drive” ir lielākais sapnis, ko viņš jebkad sapņojis. Sapnis, kas sevī ietver visas emocijas, kas aptver cilvēka eksistenci. Ir grūti izskaidrot vai aprakstīt tādu filmu kā “Mulholandes brauciens”, jo šī ir filma par pieredzi un to, ko jūs no tās paņemat, nevis sižetu, kas balstīts uz tradicionālu stāstījumu, kas sniedz atbildes, ar kurām jūs ar prieku varētu doties mājās. Linčs bieži ir teicis, ka viņa vīzija par filmu pamatā ir balstīta uz daudzām idejām un sajūtām. Un tas kļūst par vārtiem, lai izprastu tik sarežģītu un daudzslāņainu filmu kā “Mulholland Drive”. Tas ir sapņu, ambīciju, vēlmju un murgu labirints. Linčs zina, kas mūs visvairāk biedē un kas mūs noved pie ārprāta. Un tieši šis satraucoši intīmais cilvēka zemapziņas atspoguļojums padara “Mulholland Drive” par tik dziļi mokošu mākslas darbu. Tādu, kas apņem jūs ar siltuma un maiguma sajūtu, pirms iegriežas tieši caur jūsu galvaskausu.

9. Velosipēdu zagļi (1948)

Vienkāršība ir augstākā izsmalcinātība – Leonardo Da Vinči. Viens no grūtākajiem uzdevumiem filmu veidošanā ir izdomāt, kad beigt savu filmu. Velosipēdu zagļu beigas ir tik tonāli sinhronizētas ar sākumu, jo mēs sākam no Antonio, ikdienas cilvēka, kas izkļūst no pūļa, līdz Antonio, ikdienas cilvēkam, kurš izklīst pūlī. Dzīve pēckara Romā ikdiena bija pārvērtusies par cīņu, un gandrīz neviens nevarēja izkļūt no šī posta purva. Ir ļoti maz filmu, kas sniedz tik dziļu ieskatu iekšienē kā Velosipēdu zagļi. Tā ir filma, kas salauzīs tavu sirdi gabalos un tomēr iedvesmos dzīvot pilnvērtīgi. Reti kura filma ir tik vienkārša savā priekšnoteikumā, kas savā vēstījumā ir tik izcili efektīva. Ir praktiski neiespējami aizmirst filmu, kad esat to noskatījušies. Lai gan filmas lielākais sasniegums ir tas, cik daudzus neatkarīgos filmu veidotājus tā iedvesmojusi, kuri līdz pat šai dienai kā iedvesmu min “Velosipēdu zagļus”.

8. Tokijas stāsts (1953)

“Tokijas stāsts” ir tas, pēc kā tiecas katrs filmas veidotājs, kurš vēlas izstāstīt jēgpilnu stāstu. Acīmredzot, visi no tiem neizdodas! Nav labāka piemēra filmai, kas atveido episko stāstu tik vienkārši, bet meistarīgi, efektīgi un neaizmirstami. Ar 'Tokyo Story' Jasudžiro Ozu sasniedza kaut ko tādu, kas ir katra dzīvā filmu veidotāja sapnis: mūžīgi dzīvot skatītāju sirdīs un prātā. Ikviens, kurš ir redzējis 'Tokyo Story', zinās, par ko es runāju. Filma stāsta par novecojošu, tradicionālu japāņu pāri, kurš apciemo savus bērnus Tokijā, lai nonāktu pie skarbās atziņas, ka viņu bērni ir pārāk aizņemti ar savu dzīvi, lai rūpētos par viņiem, un ir kļuvuši ārkārtīgi attālinājušies no viņiem kultūras un emocionāli. . Filmā tik lieliska ir tās universālā tēma, ar kuru ikviens un jebkur var būt saistīts. Ozu filmu veidošanas stils nodrošina arī to, ka jūs esat iegrimis stāstā, kas sniedz dziļu ieskatu mainīgajā cilvēka psihē mainīgajos laikos. Vienkārši izcili!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' ir gluži vienkārši lielākais mīlas stāsts, kāds jebkad ir uzņemts filmā. Periods. Tā tik viegli varēja būt luga vai pat dzeja. Ar skaistiem, valdzinošiem attēliem un izsmalcinātu, dvēseli caururbjošu mūziku “In The Mood For Love” stāsta par sarežģītu stāstu par diviem vienkāršiem indivīdiem. Divi indivīdi, kuri pārdzīvo bailes un iemīlēšanās vilinājumu; un reiz iemīlējies, milzīgās sāpes atstāt to nepilnīgu. Filmā “Mīlestības noskaņojums” ir attēlota mīlestība tās visneaizsargātākajā formā. Un, to darot, tas atklāj mūsu pašu ievainojamību un to, cik bezpalīdzīgi esam mīlestības priekšā. Reti kura filma tik nenovērtēta un atturīga pēc noskatīšanās atstāj tik iespaidu.

Es neesmu pārliecināts, vai režisors Wong-Kar-Wai bija iecerējis uzņemt savu uzņemto filmu, ņemot vērā, ka viņš lielākoties šo filmu uzņēma bez scenārija. Ja paskatās vēsturē, visizteiktākie mākslas darbi ir laimīgi negadījumi. Pieskaitiet pie tiem “In the Mood For Love”.

6. 8 1/2 (1963)

Itāliešu maestro filmogrāfijā numur astoņarpus šī tveicīgā, sulīgā fantāziju, murgu un pārāk dubļainās realitātes epopeja ir kā biskots – apņēmīgi absurds savā formā un izcepts tādā veidā, kas neļauj to pilnībā aprīt. viens piegājiens. Tās biedējošās, nemierīgās kameras komplimentē Fellīni apzināto redzējumu par filmas veidotāju, kurš mēģina savā jaunajā filmā ievirzīt daudzās mainīgās pieredzes, kas viņam ir bijušas savas sarežģītās dzīves laikā. Lai arī cik daļēji autobiogrāfiski tas būtu, '8 1/2' pūš garām auditorijai ar visu savu valdzinošo sarežģītību tik radikālā tempā, ka es atklāju, ka cenšos dekonstruēt tā asprātīgi komponētos attēlus, lai atrastu savu vietu Fellīni spēcīgā specifika, taču nekad nespēja stabili piezemēties uz zemes.

Izmantojot Marčello Mastrojāni ēnaino gravitāciju, Fellīni tīrā elektrība var būt nepārvarama. Jūs paliekat pie sava konkrēta brīža uztveres un atpazīstat tā tveicīgo bagātību, tikai atklājot, ka filmas veidotājs ir pārgājis uz citu plīvojošu, patīkami nosvērtu secību. Viņa idejas par māksliniekiem un viņu mulsinošo, smieklīgo apsēstību ar sevi var šķist novecojušas vai, vēl ļaunāk, neatbilstošas, taču to uzbūves un izteiksmes pārdrošība mums nekad nav zudusi. Tas mūs apbur un valdzina, nekad neļaujot atraut no tā acis un tad izslīd cauri pirkstiem, kad mums atainojas, ka mums tas nekad nav bijis mūsu rokās. Fellīni daudz neatšķiras no filmā redzamās gaišreģes Maijas, kura, šķiet, zina, ko visi domā: prasmi, ko viņas palīgs piedēvē telepātijai. Kad mūsu galvenais varonis Gvido jautā asistentei par to, kā viņa to dara, viņš skaidri norāda: tas ir daļēji triks un daļēji reāls. Nezinu, bet gadās. Nav vārdu, kas varētu būt piemērotāks, lai aprakstītu filmu.

5. Persona (1966)

Es domāju, ka var droši teikt, ka 'Persona' viena pati salauza kino. Tā kā Ingmara Bergmana 1966. gada klasika ir šausmu filma, tā vairāk ir indivīda identitātes pētījums nekā jebkas cits. Izmantojot novatoriskus montāžas paņēmienus, asus kameras leņķus, aukstas izteiksmes, ieskaujošus dialogus un lielisku režiju, šī filma pēc iespējas nevainojami divdomīgā veidā stāsta par slavenu aktrisi, kura zaudē balsi, un medmāsu, kura par viņu rūpējas. nomaļā mājā, kur viņu raksturīgās personības lēnām sāk saplūst viena ar otru. Būdams režisora ​​kinematogrāfiskākais pasākums, “Persona” pārliecinās, ka tiek mainīti visi tradicionālie filmu veidošanas noteikumi, lai mēģinātu radīt svaigu un aizraujošu pieredzi. Ar vienu no visu laiku izcilākajām celuloīda aktierspēlītēm filmas atmosfēra palīdz mums novērtēt jautājumus, kas mums par to uzdod, gudri novirzot mūsu uzmanību uz amatniecību, kas tiek īstenota. Vienkārši neeksistē nekas tāds kā “Persona”, un tas varētu būt fakts.

4. Krusttēvs (1972)

Iespējams, visietekmīgākā filma, kas jebkad uzņemta. Viena no retākajām adaptācijām, kas patiesībā ir labāka par izejmateriālu — šajā gadījumā Mario Puzo romānu ar tādu pašu nosaukumu — filma ir izturējusi gadu gaitā un ir klasika vārda tiešākajā nozīmē, kas ar katru reizi kļūst arvien labāka. skatīšanās. Filma stāsta par mafijas ģimeni Dona Vito Korleones vadībā un koncentrējas uz viņa dēla pāreju, kad viņš pārņem ģimenes uzņēmumu pēc patriarha nāves. Izrāde, bez šaubām, ir viena no šīs filmas galvenajām stiprajām pusēm, un izcilie aktieri, tostarp Marlons Brendo Vito Korleones lomā un Als Pačīno Maikla Korleones lomā, ar savām izrādēm no jauna nosaka aktiermākslas standartus. Paredzams, ka viss pārējais, īpaši scenārijs un noskaņas iestatīšanas kinematogrāfija un partitūra, ir A kategorijas un žanra noteicošais. Pareizi, nav sinefila, kurš nebūtu redzējis šo filmas šedevru. Tas ir altāris, uz kuru mēs ejam lūgties.

3. Pilsonis Keins (1941)

Amerikāņu kino Svētais Grāls. 'Pilsonis Keins' definēja gandrīz visus aspektus, kas ietver kinomākslu. Filma, kas pārkāpa neskaitāmas filmu veidošanas konvencijas, lai radītu jaunas. Sākot ar revolucionārajām tehniskajām īpašībām, tostarp apgaismojumu, skaņu un vizuālajiem materiāliem, līdz ļoti novatoriskajam stāstu stilam, “Citizen Kein” mainīja filmu veidošanas veidu. Filma ir dziļi dziļš rakstura pētījums, kas izpaužas kā noslēpumaina drāma, atklājot noslēpumaina izdevniecības magnāta dzīves patiesības, kura pēdējais vārds ir izraisījis reportiera interesi. Viņš dodas ceļojumā, pētot cilvēku, kurš reiz savu dzīvi sāka ar neapstrādātām ambīcijām un vēlmēm, bet drīz vien padevās alkatības un autoritātes vilinošajam spēkam. “Pilsonis Keins” ir ārkārtīgi spēcīgs mākslas darbs, kas plaši izpēta dziļas tēmas un tver bezgalīgi sarežģītās cilvēka dzīves emocionālās šķautnes.

2. Spogulis (1975)

Vai māksla kādreiz varētu būt tik personiska, ka to nevarētu atšķirt no tās radītāja? Šis ir jautājums, kas mani pārsteidza, kad pirmo reizi ieraudzīju Andreja Tarkovska filmu “Spogulis”. Šis ir mākslas darbs, kurā mākslinieks pilnībā nododas savam darbam, un jūs nespējat atšķirt viņu un darbu, ko viņš dara. Tas ir gandrīz tā, it kā Tarkovskis būtu elpojis visu filmu. Autori ir radījuši savus šedevrus, mainot un veidojot kino tādu, kādu mēs to redzam šodien, bet Tarkovskis spēra soli tālāk un sasniedza nesasniedzamo; dod dzīvību viņa mākslai. 'Spogulis' ir tikai elpojošs kino. Varēja redzēt Tarkovski, viņa ģimeni, kultūru, kurā viņš uzauga. Patiesībā tajā varēja ieraudzīt sevi, savu māti un Deja Vu sajūtu, kas pārņem prātā, skatoties uz šīm vietām. Tas ir gandrīz tā, it kā tu būtu tur bijis, varbūt dzīvē vai sapnī kaut kur pazudis. Un māksliniekam radīt kaut ko personisku un intīmu, tas ir kaut kas neaprakstāms. Tā ir filma, kas pamato to, ko mēs vienmēr zinājām: kino ir lielākā mākslas forma.

1. 2001: Kosmosa odiseja (1967)

Tāpat kā visi citi ieraksti šajā sarakstā, arī “2001” ir filmu veidošanas mācība. Vairāki filmu veidotāji, tostarp Kristofers Nolans un Deniss Vilnēvs, ir runājuši par to, kā filma ir bijusi viņu iedvesma. Tātad, jā, filma ir tehnisks brīnums. Bet ne tāpēc filma ieņēma tik daudzu lielisku filmu saraksta augšgalā. Tā atrodas augšpusē, jo tā ir filma, kas uzdrošinājās doties uz vietu, kur vēl neviena filma nav bijusi. Pie velna, neviens pat nezināja, ka ir tāda vieta, kur kino varētu mērķēt. Un, ja kādreiz kinomākslai bija vajadzīgs iemesls vai pierādījums, lai apstiprinātu, ka tās pastāvēšanas mērķis ir daudz vairāk nekā tikai izklaide, tad šeit tas ir: absolūti pārliecinošs un ārkārtīgi mītisks “2001: Kosmosa odiseja”.

Stenlijs Kubriks paplašināja kino apvāršņus gandrīz ar visām savām filmām. Ar '2001: A Space Odyssey' viņš arī piešķīra jaunu nozīmi tam, ko var sasniegt kino. Lielākā daļa filmu veidotāju izmanto kino kā līdzekli, lai pastāstītu stāstu. Bet Kubriks izmantoja kino, lai apšaubītu. Ko viņš jautāja? Viss, no Dieva līdz mūsu eksistences mērķim. Lai gan “2001: Kosmosa odiseja” pati par sevi ir ļoti inteliģenta zinātniskās fantastikas filma, tā ir arī daudz vairāk. Es uzskatu, ka tā ir filma, kas vairāk ir filozofisks meklējums, lai noskaidrotu, vai Dievs pastāv. Runājiet par augstu mērķi!